Думаю, все согласятся с тем, что юбилейный, десятый альбом Trivium должен был получиться особенным. Особенным не в смысле “отличающимся”, а в смысле “значимым”. Будет слишком эмоционально с моей стороны, но во время прослушивания “In The Court Of The Dragon” с моего лица не сходила улыбка. Они опять это сделали. После четырёх неудачных альбомов у них получилось сделать определенные выводы и снова вернуться к качеству уровня “Shogun” или “In Waves”.
Чтобы понять всю значимость новинки, необходимо выделить всю череду безуспешных попыток группы сначала найти новый путь и потом вернуться на единственный верный.
Всё началось в 2013-ом году вместе с выходом “Vengeance Falls”, записанного под присмотром вокалиста Disturbed – Дэвида Дрэймана в роли продюссера. По сути Дэвид попытался облачить музыку Trivium в знакомую ему пачку. Со привычными для него мелодикой и напыщенностью. Уже во время объявления о подобном сотрудничестве было понятно, что мы получим что-то странное. Так и стало. Опыт Дрэймана негативно повлияли на конечный вариант “Vengeance Falls”. Эта работа была абсолютно проходной, скучной и невыразительной. Вокал выражал неуместную напыщенность с легко-уловимыми мотивами Disturbed. Инструментал потерял в изобретательности и не представлял никакого интереса. Со всем уважением к Д. Дрэйману, думаю он не до конца понимал, что делает с группой.
После этой неудачи группа решила искать себя в хэви-метале. Вокалист Мэтт Хифи говорил о том, что группа хочет на новом релизе сделать упор на вокале и для этого освободить инструментал. “Silence in the Snow” стал хорошим экспериментом для группы, но не очень хорошим альбомом. От начала до конца сырой и пустой. Группе не хватило композиторского опыта, для того, чтобы сделать материал объемным и интересным в условиях концентрации на вокальных данных Хифи. Главной чертой Trivium всегда была необычная и мощная синергия между всеми членами группы. Для того, чтобы понять эту особенность, им пришлось сначала вообще отказаться от своей идентичности на “Vengeance Falls” и потом попытаться сфокусировать своё внимание на одной детали забыв об остальном на “Silence in the Snow”. Эти два альбома в разы важнее в плане развития музыкантов, чем последующие “The Sin and the Sentence” и “What The Dead Men Say”.
На последней паре Trivium пытались вновь пересобрать своё творчество и результат их стараний в случае каждого из них можно считать похвальным, но не цепляющим. Каждый из них – сильный, напористый и абсолютно бездушный. Они сделаны как-будто по методичке, сформулированной ещё во время написания “The Crusade”. Делаем тяжело. Делаем риффы. Делаем соло. Делаем концепт. Главное – галочка, стоящая напротив каждого пункта.
Слушатели позитивно оценили вектор движения группы, но хвалили релизы исключительно за отдельные треки и даже за отдельные моменты. Всем было ясно, что фанатам нужен полноценный, продуманный, техничный и эмоциональный альбом. Таким и стал юбилейный “In The Court Of The Dragon”. Настоящий подарок для всех, кто любит Trivium 2005-2011.
Это всегда слышно, когда группа любит написанный ими материал. Каждый рифф здесь хочется сыграть самостоятельно. Вокал выразителен во всех своих проявлениях и даёт ощутить необходимые для погружения эмоции. Барабанщику Алексу Бенту, который не так давно присоединился к коллективу, дали показать свой талант во всей красе, и даже доверили полноценное соло. Ещё одна радость – бас Паоло Греголетто, долгое время перебиваемый остальными инструментами, а теперь вновь вернувшийся во всём объёме и значимости.
“ITCOTD” не скрывает своей схожести с лучшими работами группы. Здесь и фазовое развитие треков из “Shogun”, и агрессия “Ascendancy” и “The Crusade”, и дорогой, красивый продакшн “In Waves”. Прослушивание юбилейной пластинки может вызывать эмоции, похожие на возвращение домой. При этом “ITCOTD” всё ещё может звучать свежо и не перебарщивать с повторением прошлых заслуг группы. Этот альбом не хочется ругать за вторичность и не всегда уместные композиторские решения, ведь он выполняет свою основную функцию – он даёт праздничную возможность вспомнить причины, по которой можно влюбиться в Trivium. Кажется, что музыканты переслушали свои лучшие пластинки и приняли волевое решение: “Так не может больше продолжаться. Мы возвращаемся”. И они всё ещё достойны.
Давайте дружно признаем, что в жанре маткора давно не происходит никакого движения. Например, вышедший в марте LP “Mirrors” от Pupil Slicer был сильным, напористым и будоражил кровь, но все уникальные наработки группы иссякают к середине альбома. Большинство из слушателей не вспомнит о нём спустя год. Причина кроется в том, что его можно только ностальгически сравнивать с группами, которые заложили основы жанра на границе девяностых и двухтысячных. Их вы и переслушиваете и будете к ним возвращаться ещё на протяжении долгих лет. Надо что-то менять.
Frontierer одни из немногих, кто смог запомниться с первого альбома. “Orange Mathematics”, как и последующий “Unloved”, в уместной мере эксплуатировал впечатляющие идеи The Tony Danza Tapdance Extravaganza, возводил их безумие в абсолют и при этом имел узнаваемые отличительные черты (зубодробительную ритм-секцию и утопленный в шуме вокал). Но про эти работы нельзя сказать, что они обязаны остаться в истории. Посмотрим, изменилась ли ситуация с выходом “Oxidized”.
Как и в случае с предыдущими альбомами стоит понимать, что Frontierer создают экстремальное шумовое шоу, к которому можно быть не готовым. И это вопрос не ваших музыкальных предпочтений, а выносливости ушей и мозга. Прослушать “Oxidized” от начала до конца за один раз — настоящее испытание. Далее следует перечень того, через что вам придётся пройти, если вы примете в этом участие: бесконечный хаотичный грохот; скачкообразная динамика с резкими спусками и скоростными подъемами; упорный, неизменный и, к сожалению, не особо изобретательный вокал (который в этот раз слышно немного лучше); умело вплетённые глитчи и прогрессивная электроника.
Последнее стало новшеством для Frontierer. Эти элементы встречались и раньше, но гораздо реже. Очевидно, что группа решилась на такие эксперименты для внесения разнообразия в звучание. Эксперимент можно считать удачным. Раньше я бы сказал, что они подражают и пытаются строить своё творчество только на наших ностальгических чувствах. Релиз “Oxidized” полностью изменил моё мнение о коллективе. Да, в их музыке есть черты Car Bomb и упоминавшихся уже TTDTE, но эти элементы слышатся теперь совершенно иначе из-за их синтетики и бесчеловечности. Нечеловеческий — вот каким слышится весь новый альбом. Он безжалостно кипятит мозг и при этом наполнен осязаемой, колкой атмосферой. Наконец-то я могу сказать, что Frontierer можно узнать по звучанию!
Сравнение Frotierer со старшими по жанру никак не сказывается на оценке качества той работы, которую они проделали на “Oxidized”. Случилась странная ситуация, ведь в своей целостности и качестве новинка может дать фору даже “Mordial” от Car Bomb. На своём новом релизе они перепрыгнули всё, что делали раньше. Мало того — у группы на данный момент нет конкурентов, заслуживающих такого же внимания. “Oxidized” — точно не лучшее, что группа может написать. Но это лучшее, что можно услышать в маткоре образца 2021-го года.
Есть мнение, что вещи могут восприниматься иначе спустя некоторое время. В музыкальной индустрии не принято пересматривать мнение о релизах. Особенно о худших альбомах исполнителей, признанных лучшими в своём ремесле. Совместная работа Metallica и основателя The Velvet Underground – “Lulu” – всеми забытая неудача. Этот альбом не включён в официальные дискографии музыкантов. Складывается ощущение, что “Lulu” решили вычеркнуть из истории. Мне видится в этом некоторая закономерность и несправедливость. Кто сказал, что неудачи надо замалчивать? Из ошибок нужно делать выводы. Поэтому давайте разбираться.
Перед чтением предлагаю ознакомиться с некоторыми рецензиям “Lulu”:
На агрегаторе Metacritic красуется оценка 45/100. Мнения об альбоме варьировались от уничтожительных и снисходительных до умеренно-положительных и восторженных (я нашёл одно – в нём фанат поставил виртуальный экран в своей голове, который изолировал всё, за что отвечал Лу Рид). Такой разброс говорит нам о неопределённом положении “Lulu”. Усреднённая оценка в этом случае не может говорить о среднем качестве продукта. Всё-таки альбом получился слишком незаурядным и нестандартным для его сравнения с чем-либо ещё. Об этой позиции говорит и жанровая принадлежность альбома – авангардный метал. Такую характеристику придумал не Лу Рид и не члены треш-метал группы. Этот ярлык повесили озадаченные критики и ошеломлённые слушатели.
А что такое авангардный метал? Это и некоторые альбомы Джона Зорна и тяготеющие к эстетике дарк кабаре проекты Тодда Смита и сумасбродные карикатурные работы Майка Паттона, наполненные буффонадой и оккультизмом. Можно сказать, что авангард-метал – это всё, что не подпадает под другие жанровые категории. Иными словами, “Lulu” – не тот случай. Сейчас я готов отнести неопознанное творение к spoken word, если вспомнить, чем изначально является этот жанр, а именно – художественной декламацией – зачитыванием художественного текста под любой аккомпанемент. Слово “любой” исключает собой наши представления о правильных и неправильных (ожидаемых и неожиданных) аранжировках в этой форме. Это исключение подтверждает недавний релиз фронтмена Daughters Алексиса Маршалла – “House Of Lull . House Of When”, в котором аккомпанементом выступает, по большей части, упорядоченный шум. С этого момента мы можем забыть о том, кто занимался музыкальной составляющей “Lulu” и что она из себя представляет.
Забыть – не означает обесценить. Гитары Хэтфилда и Хэмметта легко узнаются и в то же время поддаются нездоровой атмосфере, царящей в лирике. Риффы зацикливаются, отказываются развиваться, чтобы лишний раз не напоминать об основных альбомах группы. В самые тревожные моменты гитаристы отбрасывают структурность в сторону, чтобы вылить немного размытого, приглушённого флуда. Ударные соло Ларса Ульриха на этом альбоме – сильнейший акцентный, выразительный инструмент. В нужные моменты именно барабаны будут поддерживать слушателя, чтобы он не остался один на один с непрофессионально произнесённой отвратительностью, наполняющей текст. Учитывая устоявшиеся исполнительские привычки музыкантов, ими была проделана неплохая (но отнюдь не похвальная) работа по созданию уникальной картины. Старания и увлечённость определённо слышатся. Единственное, что останавливает от непредвзятой оценки музыкальной составляющей – это наследие прошлых работ. Остаётся непонятным, зачем членам группы необходимо было упоминания Metallica в авторстве релиза. Можно было оставить имена музыкантов – этого было бы достаточно для того, чтобы оставить ещё один след.
Но насчёт музыки можно не думать, при прослушивании “Lulu”. На самом деле про неё и невозможно думать. Словоизвлечение Лу Рида перекрывает всё хорошее, что можно услышать на этой работе. Но всё должно быть иначе! При прослушивании чего-то сконцентрированного на словах, интонациях, манере и харизматичности вы можете забыть о музыке ввиду её фоновой функции. Она может потеряться в силе голоса. В случае с “Lulu” слушатель скорее захочет выкинуть здешние монологи и оставить только одинокий инструментал даже если он проходной.
Теперь можно переходить к той вещи, из-за которой этот альбом необходимо прятать от морально неокрепших детей, беременных женщин и вообще ото обывателей. Самый главный элемент релиза – повествование. Взятая за основу трагедия-дилогия Ф. Ведекинда о падшей девушке Лулу и её нездоровом понимании любви и счастья должна была, в претенциозном переосмыслении Рида, вывести исполнителей в сферу музыки как искусства из сферы исключительного интертейнмента. В своё время дилогия немецкого поэта наделала определённого шума и стала причиной скандалов. Сначала в форме текста и потом в виде многочисленных постановок. Но даже там не было столько грязи, сколько появилось в ходе интерпретаций Рида. О перечисляемых в лирике мерзостях нет смысла говорить, потому что они существуют только как шок-контент, который, к слову, работает не так хорошо, как их аудиальное воспроизведение. Лу Рид в “Lulu” продемонстрировал немыслимую бесталанность, невыразительность и невнятность.
Как можно было не попасть в эмоцию, написанную тобой в тексте? Как можно так неумело делать вид, что ты поёшь, в то время, как у тебя действительно есть индивидуальные (хоть и не идеальные) вокальные данные и огромный опыт? Напускная сила и напор почему-то обернулись безразличием. Иначе как разочарованием работу Рида назвать нельзя. Разочарует она, в первую очередь, из-за того, что Лу позволял себе эксперименты и до 2011 года и в предшествующих случаях получалось намного лучше. И spoken word, ведь, тоже уже был! Выразительный, живописный и изобретательный “The Raven”, основанный на трудах Эдгара Аллана По. На момент написания этого предложения я послушал “Lulu” уже 9 раз (мне нужна помощь) и успел сложить мнение, почему я не могу сказать ничего положительного об исполнении Рида на этой пластинке. На тот момент у него могло не быть необходимой энергии и мотивации для записи на должном уровне. В год написания альбома у него уже были серьёзные проблемы со здоровьем. Идею “Lulu” музыкант вынашивал уже достаточно долго к тому времени. Потом началось долгое обсуждение проекта с членами Metallica в течение двух лет. Плюс год написания материала. На это нужно слишком много сил и времени. У Рида не было ни того ни другого. Может не стоило записывать “Lulu”? Превозмогание и спешка – не лучшие инструменты для создания качественного продукта. Как считали сами музыканты – стоило.
В ответах на многочисленную критику создатели “Lulu” говорили о том, что этот альбом был записан для них, а не для нас. Так оно и есть. Metallica единственный раз за свою карьеру поучаствовали в настоящем эксперименте, а Лу Рид воплотил в жизнь свою давнюю мечту – закрыл гештальт, так сказать. Не сделай они этого в 2011-ом – не сделали бы никогда. Значит им не стоило его выпускать. Нет возможности послушать – нет негативной критики и разочарования. Так?
Не так. Самые главные проблемы этого альбома даже не зависят от его качества. Они не зависят от музыки, таланта и подачи. Это позиционирование, промоутинг и способ потребления этой работы. Это не альбом для масс. Обычный слушатель или фанат исполнителей отсеялся уже к третьему треку, если верить статистике прослушиваний. В рекламной компании не было ни слова о том, чем на деле является альбом. Единственный вышедший сингл даже нельзя назвать показательным. “Lulu” был выпущен в стандартн(ом/ой) формате/последовательности: Обложка; Тизер; Сингл; Тексты на сайте; Релиз. Но слушать его как обычную пластинку попросту невозможно. Он не переваривается. Другого традиционного формата не было и нет до сих пор. Мы можем привести пару примеров эксклюзивных демонстраций альбомов перед выпуском или совмещения плейлиста релизов с модными показами или выставками произведений искусств. Но самостоятельно музыка перестала быть произведением, для которого необходимо готовится. Кажется, для подобных работ необходим новый подход к потреблению аудиального искусства. Такой подход, который избавит некоторые современные музыкальные произведения от необходимости их оформления в стандартных системах оценивания и приведёт некоторые, нуждающиеся в этом, работы к былой уникальной позиции искусства с присущей ей готовностью к безжалостной критике и пытливым поиском вещей внутри.
Руководствуясь правилом “критикуешь – предлагай”, я нашёл один из таких способов потребления. Не надо выпускать альбом на физических носителях и в стриминге. Не надо рекламировать его для всех. Нужен большой павильон, состоящий из нескольких залов. Первый отведён под подготовку к прослушиванию. Второй раскрывает историю, референсы, отсылки, ограниченные факты о произведении и т.д. Третий – для прослушивания треков с комментариями от авторов. Подобные мероприятия, пожалуй, будут недоступны для всех и каждого. Покупая билет на презентацию такого вида, вы будете готовы к потреблению чего-то индивидуального и временного. Это освобождает музыкальное произведение от ненужных сравнений, категоризации и необходимости в общепринятом поэтапном оценивании. Даже негативные эмоции от итогового результата, в таком случае, не отменят ощущение событийности всего мероприятия и общего, полученного от презентации, опыта. Призываю вас к мысленному изобретению других способов потребления!
В конце рецензий принято выставлять оценку. Некоторые издания и независимые музыкальные журналисты оценили “Lulu” в 1/10 – редчайшая минимальная оценка. Мой вердикт в знак протеста против универсальности систем оценивания:
Ни слова о завышенных ожиданиях. Наши ожидания всегда от чего-то зависят. Они всегда именно на том уровне, который установил производитель. Думаю, не стоит объяснять, почему ожидания от первого полноформатника были чрезмерно высокими. Вдаваться в подробности творческого пути Кортни ЛаПланте и Майка Стрингера тоже будет лишним. Всё-таки “Eternal Blue” – не дебютный релиз группы из Ванкувера. Сразу стоит заметить, что долгожданная новинка Spiritbox сильно отличается от одноимённого EP.
Хочется сразу забежать немного вперёд и сказать, что формулу написания музыки, сформировавшуюся в группе за прошедшие четыре года, можно смело назвать “показательной” и даже “примерной” для других представителей жанра. Вместо того, чтобы (как на дебютном EP) пытаться качественно аккумулировать все возможные ходы других успешных, легко узнаваемых коллективов, можно деконструировать жанр прогрессивного металкора последних десяти лет, выявить только основу, сцедить эмоционально заряженный сок, выкинуть перегруженный деталями жмых, а полученный результат переложить на современные музыкальные традиции (тенденции). Остаётся только немного разогреть.
Интерес слушателей подогревали с каждым новым синглом в течение двух лет. На самый накал ожиданий пришлось душераздирающее видео на трек “Constance”. Именно тогда необходимость скорейшего релиза “Eternal Blue” стала очевидна, кажется, даже незнакомым с прошлым творчеством Кортни и Майка слушателям. Нас ждали не только безумные качество и техника. Самое главное – это те впечатления, которые вы получите от прослушивания. “Eternal Blue” – это эмоциональные качели, которые курсируют между обречённостью и ожесточением. В этом группа достигла определённого баланса: агрессивная тяжесть сменяется поп-альтернативой мелодичностью и наоборот.
Результат долгой работы Spiritbox сейчас называют шедевром и претендентом на альбом года. Дождались. Но так ли “Eternal Blue” восторгает на самом деле? Главное, что необходимо указать: группа не сделала ничего нового. Мало того, иногда начинается казаться, что в вокале и ритм-секции можно услышать влияние альтернативного рока нулевых (Evanescence я слышу отчётливо). Это скорее положительный момент, потому что эстетику, подобную той, мы сейчас встречаем очень редко. В лирике сплошь зияет уже привычная для жанра неизобретательность и абстрактность. Всё, что есть на этом альбоме, напоминает что-то другое. Здесь нет риффового индустриально-сумасбродного шума последних работ Northlane. Эмоциональность не пробивает болевой порог, как это было с последними альбомами Silent Planet. В описании “Eternal Blue” нет деталей, которые можно презентовать как отличительные особенности.
Всё вышеперечисленное не делает альбом хуже или лучше, чем он мог бы быть. “Eternal Blue” – это действительно лучший жанровый альбом года. Spiritbox не переизобрели основы, но продуманно использовали весь доступный инструментарий и современные тренды для создания крепкой, эмоциональной работы. В прогрессивном металкоре наблюдаются застой и огромное количество неудачных идей. Всё, что сейчас нужно, чтобы создать идеальный метал-альбом – это записать сбалансированную, качественную и наполненную пластинку. И сделали это именно Spiritbox. А от меня:
Колоритная группа из Морристауна никогда не была особо популярна. Блюз, тяжёлые гитары, пропитая хрипотца и повествование от лица несчастных маргиналов. Это будет интересно только тем, кто готов воспринимать неоднозначную подачу, неидеальное звучание и неприятные сюжеты без того, чтобы вешать на музыкантов ярлык “неприемлемо”. В России такую нишу занимают Бранимир, Аффинаж и их сайд-проект – Быдлоцыкл, всевозможные постбарды, погрязшие в “чернухе” рэперы и независимые рок-музыканты, которых слишком долго перечислять. Кто-то из них вдохновляется фольклорными сюжетами, кто-то нищенской действительностью, а кто-то славянской мифологией. Говоря короче – в богатой культуре нашей родины достаточно много тёмных пятен, чтобы из них создавать продукт. Если вы знакомы с подобными исполнителями, то точно поймёте, чем именно занимаются Trophy Scars в рамках культуры своей страны.
“Astral Pariah” переносит слушателя в одно из самых тёмных времён и локаций в истории Соединённых Штатов – на Старый Запад. Это с первых минут сказывается на звучании альбома. Привычными локациями на предыдущих релизах группы были современные трущобы, грязные бары с не менее грязными задними дворами и заброшенные дома, в которых обосновались бездомные. Теперь мы можем услышать салунные скрипки и пианино, а к блюз-пост-хардкор основе примешались дарк кабаре и аутло-кантри.
По первым впечатлениям это естественно впечатляет. От здешнего не вылизанного звука отдаёт тюремным этапом в творчестве Джонни Кэша и вестернами категории “B”. Но, в это же время, на поверхность всплывает главный минус “Astral Pariah” – провисающий, несбалансированный мастеринг. Чистый вокал иногда глушится стеной инструментала. Булькающий харш неразборчив. Соло-гитара, выдающая тягучий блюз почему-то стоит в стороне вместе с клавишными. Основной мотив перебивает интересные аранжировки. Одним словом – грязь.
Это слово характеризует и лирику “Astral Pariah”. Альбом повествует о жизни одной семьи в те суровые времена. 12 детей, мать и отец. Отец решил вырезать весь свой род. Мать видит надежду только в постепенно погибающих детях. Сыновья должны доказывать, что они мужчины (так, как это видит отец). Дочь слишком рано становится женщиной. Смерть, выживание, страх, кровосмешение и безумие. Этот релиз точно не подойдёт для обряда музыкального эскапизма. Джерри Джонс точно знает, как красиво описать ужасное. Именно поэтому не сразу хочешь верить в заложенную историю.
Вообще говоря, подобные релизы в частности и творчество “тёмных” исполнителей, подобных Trophy Scars, в целом рассчитаны на определённую, подготовленную аудиторию. Неуютная атмосфера, непрофессиональное звучание и пугающая подача – вот что может оттолкнуть нового слушателя. Но есть одно «но». Подобным группам не очень нужен новый слушатель. Они не гонятся за качеством в угоду масс. Не думаю, что доведётся написать о прошлогоднем альбоме Льва Печеньева, но он ярко олицетворяет то, что я хочу сказать. Отвратная лирика, аффективная музыка и гнилой внутренний мир, от которого хочется держаться подальше. Включите его “эстету” и вас заклеймят мусорщиком. Но подобная музыка может и должна выворачивать душу наизнанку как хороший триллер, как фильмы Фон Триера и Быкова. Я считаю, что правильно будет оценить “Astral Pariah” исходя из этого.
И здесь стоит сказать о том неудовлетворяющем контрасте, который поселился на пластинке. Музыка не передаёт то, что творится в тексте. Джерри Джонс отыгрывает желтоглазое, пьяное безумие на все сто баллов в то время, как в инструментальной составляющей происходит штамповка культурных аудио-клише. Здесь только не хватает задорного банджо с криком Вильгельма. Мешает ли это проникаться трагичной историей описанной семьи? Да, однозначно. Временами на альбоме можно услышать правильное совмещение музыки и текста (“Astral Pariah”, “Father (Part II)”, “Cosmic Suicide”), но слишком редко для такого короткого альбома. Итог: не поймите неправильно, но после “Astral Pariah” недостаточно больно. Не хватает накала.
Думаю, обзор долгожданного нового альбома Turnstile нужно начать с небольшой предыстории. Группа появилась в начале прошлого десятилетия, как сайд-проект барабанщика влиятельной хардкор-команды Trapped Under Ice Брендана Йетса. TUI тогда хоть ещё и были активны, но уже не так, как того бы хотелось некоторым участникам, так что именно в то время они стали заниматься сторонними проектами. Так что поначалу “Турникет” были просто творческой отдушиной Брендана, который внезапно оказался крутым фронтменом и сонграйтером, и состоял из его друзей из локальных команд разного уровня известности (Франц, например, вообще не умел играть на басу, когда его пригласили в состав). Первые записи команды отдавали дань уважения NY-хардкору и кроссовер-трэшу и были довольно угловатыми, но нескончаемая харизма и бешеная концертная энергетика парней сделали им имя и заслуженных поклонников.
Но вместо того, чтобы идти проторенной дорожкой “уважаемой хардкор-команды” они уже на дебютнике “Nonstop Feeling” начали экспериментировать со звуком, добавив элементы ранних рэп-рока и фанк-метала, вызывая ассоциации с ранними релизами Red Hot Chili Peppers и 311, а где-то даже засталяя вспонить про энергетику молодых Beastie Boys. Правда позже оказалось, что самое интересное было впереди. Вышедший в начале 2018 года “Time & Space” впустил в ДНК группы альт-метал, психоделию, гранж и даже стадионный рок. Так зачем слушать этот замес из жанров, можете подумать вы?
Ответ прост: “GLOW ON” – это хардкор-панк для всей семьи. Я не шучу и кривлю душой. Я даже слушал альбом со своим 9-летним сыном, чтобы проверить это утверждение, и он сказал, что ему нравится. В этом и есть главная прелесть данной записи. Она подойдёт как искушённым поклонникам жанра, так и тем, кто не имеет к нему вообще никакого отношения. После релиза было очень много отзывов о том, что люди оценили группу именно после него и этому вы можете верить на сто процентов. Ну и, конечно, промокампания к релизу заслуживает внимания. За два месяца до релиза вышла ипишка “LOVE CONNECTION”, к которой Брендан срежиссировал короткометражку/клип, в которой можно было послушать все четыре трека вместе со стильным визуалом. Два альбомных сингла были также поданы с клипами, но, даже несмотря на всё это, было сложно представить, что всех ждёт на альбоме.
Ждало, надо сказать, даже больше, чем мы все мечтали получить. Третий альбом Turnstile – это путешествие, в котором даже не хочется выделять отдельные песни, настолько увлекательно и цельно он звучит. В этом, во многом, заслуга креативного сонграйтинга, который сохраняя во главе дух того самого NY-хардкора добавляет в него всего понемногу. Если всё же попытаться описать референсы, то вы можете представить себе, как звучал бы совместный альбом Leeway, Quicksand, Snapcase и Jane’s Addiction. Последние – вообще самое очевидное сравнение для этого альбома, так именно их рукам в конце 80-х/начале 90-х принадлежало сращивание тяжёлых гитарных риффов с атмосферой психоделического рока и прочих диких штук, не ложащихся в привычные каноны.
Уже после открывающего альбом арена-альт-рока “MYSTERY” вас вряд ли отпустит хоть на секунду и следующие полчаса вы будете получать истинное удовольствие от прослушивания. Подпоёте простому хуку в прямолинейном “HOLIDAY”, качнётесь под сумасшедшие перкуссии в психоделическом панк-бэнгере “BLACKOUT”, удивитесь безумному сочетанию жанров в “NEW HEART DESIGN”. В конце концов, порадуетесь внезапным коллабам с артистом Blood Orange – “ALIEN LOVE CALL” целиком отдан под лощёный звук 80-х, балансируя где-то между нежнейшим р’н’б и софт-роком.
Повторюсь, то, как они работают со стилями – самое интересное, потому что положить под хардкор-грувы зажигательные латинские ритмы, залить это всё реверберацией и спеть при этом чистым вокалом запоминающийся хук – ну знаете… такое не каждый вывезет. В рамках прослушивания вы поймаете себя на мысли, что слышите что-то от пост-панка, шугейза и даже дрим-попа. Вне всякого сомнения, большую заслугу в том, как всё это звучит вместе имеет Майк Элизондо. Будучи заслуженным поп- и рэп-продюсером он чётко знает, чем должен цеплять звук (хотя в его послужном списке, конечно же, есть и Mastodon и Muse). Его грамотный продакшн позволяет записи звучать максимально целенаправленно и не разваливаться на отдельные кусочки; оставаться тяжёлым альбомом, который, тем не менее, доступен буквально каждому.
Я не припомню ещё одного такого альбома в жанре, для которого не нужно никакой предварительной подготовки. Альбома, который дебютирует на 30 месте чарта “Billboard 200”, вытесняя рэперов и поп-музыкантов. Альбома, который приведёт в эту сцену новых слушателей и молодых ребят, которые потом соберут свои группы. Можно сколько угодно пытаться найти в нём минусы и вы их найдёте, но мне совсем не хочется, поэтому…
Не могу пройти мимо прямого заявления в мою сторону.
“IDGAF” – первый сингл с грядущего альбома норвежцев Shining. Он вышел пару месяцев назад в начале Июля. Вы могли и должны были его пропустить. Я тоже пропустил, но, по несчастливой случайности, наткнулся на него, пока объяснял другу кто такой Йорген Манкеби. Когда-то он был двинутым джаз-гением. Сейчас ему больше подойдёт звание неуместного шута.
После выхода в 2018 году невнятного “Animal” на группу вполне оправданно обрушился шквал критики. Помните “Darkjazz”? Помните “One One One”? Экспериментаторы делали действительно уникальный продукт. Теперь это альбомы из параллельной вселенной. Потому что в нашей реальности Shining играют посредственный альтернативный поп-рок с примитивной лирикой. Там не за что было зацепиться. Релиз терялся и продолжает теряться на фоне других подобных работ. Никакой полиритмии, безумия и саксофона. Да и чёрт бы с ними. Когда группы пробуют новое звучание – это хорошо. Если они делают это плохо – это, как ни странно, плохо.
Фанаты не поняли, что происходит и начали спрашивать у группы. Ответом стал относительно свежий сингл. “IDGAF” – пошлый плевок в сторону своего культурного следа и прежней аудитории. Унылая электроника на уровне “Gummibar”. Подростнический, нелепый максимализм и совершенное непонимание путей создания современного звучания.
“I Don`t Give a F*ck” – это всё, что может из себя выжать Shining образца 2021 года. Посмотрите вертикальное видео в поддержку сингла (прикладывать его не осмелюсь). Йорген не понимает, что делает. Так стыдно мне было, только когда я увидел клип Мацея Маленчука “VLADIMIR”. Но тогда было смешно. Сейчас – нет.
Манкеби о сингле: “Вся моя жизнь состояла в том, чтобы плевать на всё – или, по большей части, плевать на то, что другие люди думают, что я должен или не должен делать в музыкальном плане.”
В своё время хотелось думать, что “Animal” был небольшим отступлением. Теперь становится очевидно, что пути назад нет. Пора поблагодарить Shining из параллельной вселенной за “The Madness and the Damage Done”, “Fisheye” и “I Won`t Forget”. Этого мы не забудем. А одноимённую группу из нашей реальности очень хочется забыть. Как говорится, с нетерпением ждём следующий альбом.
Вышедший в 2013 году “Coal” ознаменовал новую эпоху в жанре прогрессивного метала/рока. Он с первого прослушивания влюбил меня в Leprous. И, если верить оценкам и критикам, влюбил в группу всех любителей подобной музыки. Почему? Leprous смогли своим творчеством воздвигнуть торжественный монумент, захватывающий дух, транслирующий безутешную тоску и чувство плодотворного одиночества. Группа создала новую атмосферу/динамику с помощью проверенных временем средств.
Это очень интересный альбом. Если мы попытаемся проследить, как норвежцы дошли до подобного звучания, нам будет недостаточно исходных данных. Их релизы до 2013 – совсем другая история, без предпосылок к “Coal”.
А сейчас мы говорим о новой работе – свежем “Aphelion”. И его звучание – это результат долгой метаморфозы длиной в три промежуточных альбома.
На “The Congregation” появился упор на изломанные риффы и интересные электронные и ударные ритмы. Это был звёздный альбом для барабанщика Баарда Костальда.
На “Malina” был сделан упор на альтернативную хитовость звучания, и важнейшей частью становилась виолончель в исполнении Рафаэля Вайнрот-Брауна. Она встречалась нечасто, но именно её вы запомните. Этот релиз внутри себя закончил одну эру творчества Leprous и начал новую.
“Pitfalls” же был полностью сконцентрирован на вокале Эйнара Сольдберга, что позволило группе уйти в сторону арт-попа и арт-рока с использованием минимального инструментария звукоизвлечения для улучшения концентрации внимания и усиления саспенса.
Есть две вещи, которые со времён “Coal” не поменялись: первое – искренняя эмоциональность, артистичное напряжение в звучании инструментов и вокала; второе – каждую новую работу сложно воспринимать с наскока, потому что вы как слушатель уже полюбили предыдущее звучание Leprous.
“Aphelion” в этом смысле не исключение. Но вобрав в себя все особенности предыдущих релизов, этот альбом стал особенным. Вместо фокусировки внимания на отдельных частях, как это было на предыдущих релизах, он охватывает всё и сразу. Хитовые, отдающие мейнстрим-джазом, босса-нова и соулом, припевы – на месте. Цепляющие клавишные с гулким басом – здесь. Нашлось место и тяжелым гитарам, и джазовым ударным. Вокал уже не ищет путей самовыражения, как это было, скажем, на “Malina”. Напротив – на “Aphelion” Эйнар точно знает, что и как он хочет продемонстрировать.
С другой стороны, новая форма, которую приняли Leprous в последние три-четыре года, может стать препятствием для фанатов, полюбивших группу за первые альбомы. Поп-ориентированное звучание настораживает даже тех, кто привык оправдывать музыкантов за каждое принятое ими решение.
Даже меня оттолкнули некоторые моменты. Тому пример, простецкое вступление к “Out of Here” или заезженные обороты «together forever» в и так пустоватой лирике “Have You Ever?”. “All the Moments” до первого припева обладает совершенно непонятным, нелепым характером. Но зато после катарсиса в середине этот трек может стать самым запоминающимся впечатлением с пластинки. Этот самый «катарсис» (пик, накал, саспенс) и является отличительной особенностью “Aphelion”. Каждая композиция в какой-то момент вызывает мурашки и восхищение. Как только с вами произойдёт что-то подобное, та же “Have You Ever?” будет заслушена до дыр (тише, сейчас такой момент будет). Весь мой скепсис (вызванный совершенно разными по энергетике синглами) в отношении этого альбома растворился уже спустя пять минут, проведённых вместе с “Aphelion”. То ли я не могу судить Leprous объективно, то ли они совершили очередное чудо.
Одним из важнейших моментов с релиза становится развязка в виде завершающего “Nighttime Disguise”, записанного при участии слушателей во время онлайн-трансляции. Он объединил в себе как новое, аккуратно-артистичное звучание, так и фанфарность, присущую группе на этапе “The Congregation” и “Coal”. Джаз и ярко выраженные гитары. Неочевидная структура и совершенно последовательная динамика. Тенор и сырой экстрим. Эйнар даже продемонстрировал пару строчек бархатным басом (этого хочется побольше на следующих релизах). Такое завершение очень важно, потому что оно даёт понять, что группа не перечеркнула прошлое. Именно так нужно относится к переменам. Leprous никогда не останавливают медленно текущую метаморфозу.
“Aphelion” не является лучшим в дискографии группы. Эта пластинка, в первую очередь, является показателем мастерства музыкантов, которое постоянно выходит за рамки предыдущих релизов. Единственное, чего у Leprous не получилось в этот раз – скрепить весь материал во что-то монолитное. Именно поэтому вам не может понравиться радикально всё, что услышите. “Castaway Angels” не должна была войти в альбом. “Nighttime Disguise” – сильнейший трек с альбома. Он завершает его, и как ни странно, несильно похож на всё предшествующее. Этот альбом скорее звучит, как компиляция синглов, выходивших в течении нескольких лет. Возможно, причиной этому стало то, что группа решила записывать композиции на нескольких студиях (на всех, с которыми они работали в течении 10 лет). Другой причиной может являться постоянный творческий поиск, в котором находятся норвежцы. Несмотря на это, “Aphelion” – это самый эмоциональный и красивый прог-рок альбом года. Он дарит уникальные эмоции и обеспечивает «вау-эффект», который посещает любителей жанра всё реже и реже в последнее время. Не пропустите.
Кори Тейлор представил свою новую маску на первом концерте Slipknot после перерыва, связанного с пандемией COVID-19. Группа выступила 4 сентября на фестивале “Rocklahoma” в Прайоре, штат Оклахома.
Ранее Тейлор рассказывал о данной маске в майском интервью Lazer 103.3:
… Я могу сказать, что маска, над которой я работаю, очень волнующая и тревожная. На неё будет буквально трудно смотреть. И, наверное, это будет моя любимая маска, которую я когда-либо создавал. Меня заинтриговали мелкие детали и части масок, которые были у меня в прошлом. И в ней будет много безрассудного ужаса, скажем так.
Зачем выпускать продолжение альбома, который вышел 14 лет назад? На самом деле ответ есть. Вышедший в 2007 году “Colors” вдохновляет. Он в своё время стал по-настоящему прорывным для группы. Именно на этом альбоме появились все присущие Between The Buried And Me черты: организованные массивы из протяжённых чрезмерно сложных риффов; похвальная комбинация из чистого и экстремального вокала; прог-роковые клавишные; частые вкрапления авангардных мультижанровых интерлюдий и сторителлинг через лирику. Ничего за прошедшие с тех пор 14 лет не изменилось. Кажется, что и сама группа это понимает.
Теперь, если вы хотите узнать полную историю о городе (человечестве), поглощающем красочный окружающий и внутренний мир, вам придётся послушать целых два альбома общей продолжительностью более двух часов. “Colors II”, как ни странно, просто необходимо слушать неотрывно от первой части. Сиквел начинается там-же, где всё и закончилось. Во время рефлексии на тему связи музыканта и слушателя (производителя и потребителя). Хочется отдать группе должное – они ловко ухватили настроение приквела. Разрыва не ощущается.
Для тех, кто пришёл сюда не за повествованием, а за разрывом мягких поверхностей лица от непростительно сбивающего с ног звука, есть чем себя побаловать на этом альбоме. Как и всегда, вы даже не успеете понять, что происходит. В музыке BTBAM настолько много деталей, что иногда начинает рябить. Хоровое пение, синтезатор, сэмплы мультипликационной буффонады, шумы, крики, болтовня в баре. Это всё идёт параллельно с нескончаемым режущим потоком гитарного гения и ударной самоотдачи. Ничего. Нового.
Даже недостатки остаются прежними. Группе не удаётся создавать разнящуюся из альбома в альбом атмосферу. Она же должна зависеть от содержания. Но из-за огромного количества контрастирующих между собой отрезков, картинка, зачастую, рисуется невнятная. Но качество от этого не страдает.
В этом заключается душная правда о всём, что команда выпускает в последнее время. Это слишком хорошо. Это всегда было слишком хорошо. Between The Buried And Me достигли такого уровня уже в 2007 году и постепенно применяли его к разным сторонам своего творчества. На таком уровне ничего не остаётся, кроме как искать вдохновение, придумывать истории и способы их рассказать. Иногда получается посвежее, как “Coma Ecliptic”. А иногда затхло и беспорядочно, как в случае с дилогией “Automata”.
Так зачем выпускать продолжение альбома, который вышел 14 лет назад? Ответ заключается в поиске вдохновения. В первой части “Colors” было достаточно исходных данных для написания продолжения. BTBAM в 2020 году даже выпустили переиздание самой значимой своей пластинки. Группе хватило только вспомнить об их magnum opus, чтобы увеличить его вдвое. Не думаю, что в 2007 году планировался сиквел. Но есть основания резюмировать, что он удался.
Остаётся вопрос: “зачем вам это слушать?” Группа себя не переплюнула. И я не думаю, что она это сделает без значительных фундаментальных изменений своего творчества (это и не нужно). Что более важно – их тоже никто не переплюнул. Ни вдохновляющиеся ими Ghost Iris, ни фанатеющие от них Destrage (и та, и другая ушли уже куда-то совсем не туда), ни кто-либо ещё. Именно поэтому нельзя упускать возможности прикоснуться к уникальному всеуничтожающему прекрасному.
