Рецензия: Spiritbox «Eternal Blue» (2021)

Ни слова о завышенных ожиданиях. Наши ожидания всегда от чего-то зависят. Они всегда именно на том уровне, который установил производитель. Думаю, не стоит объяснять, почему ожидания от первого полноформатника были чрезмерно высокими. Вдаваться в подробности творческого пути Кортни ЛаПланте и Майка Стрингера тоже будет лишним. Всё-таки “Eternal Blue” – не дебютный релиз группы из Ванкувера. Сразу стоит заметить, что долгожданная новинка Spiritbox сильно отличается от одноимённого EP.

Хочется сразу забежать немного вперёд и сказать, что формулу написания музыки, сформировавшуюся в группе за прошедшие четыре года, можно смело назвать “показательной” и даже “примерной” для других представителей жанра. Вместо того, чтобы (как на дебютном EP) пытаться качественно аккумулировать все возможные ходы других успешных, легко узнаваемых коллективов, можно деконструировать жанр прогрессивного металкора последних десяти лет, выявить только основу, сцедить эмоционально заряженный сок, выкинуть перегруженный деталями жмых, а полученный результат переложить на современные музыкальные традиции (тенденции). Остаётся только немного разогреть.

Интерес слушателей подогревали с каждым новым синглом в течение двух лет. На самый накал ожиданий пришлось душераздирающее видео на трек “Constance”. Именно тогда необходимость скорейшего релиза “Eternal Blue” стала очевидна, кажется, даже незнакомым с прошлым творчеством Кортни и Майка слушателям. Нас ждали не только безумные качество и техника. Самое главное – это те впечатления, которые вы получите от прослушивания. “Eternal Blue” – это эмоциональные качели, которые курсируют между обречённостью и ожесточением. В этом группа достигла определённого баланса: агрессивная тяжесть сменяется поп-альтернативой мелодичностью и наоборот.

Результат долгой работы Spiritbox сейчас называют шедевром и претендентом на альбом года. Дождались. Но так ли “Eternal Blue” восторгает на самом деле? Главное, что необходимо указать: группа не сделала ничего нового. Мало того, иногда начинается казаться, что в вокале и ритм-секции можно услышать влияние альтернативного рока нулевых (Evanescence я слышу отчётливо). Это скорее положительный момент, потому что эстетику, подобную той, мы сейчас встречаем очень редко. В лирике сплошь зияет уже привычная для жанра неизобретательность и абстрактность. Всё, что есть на этом альбоме, напоминает что-то другое. Здесь нет риффового индустриально-сумасбродного шума последних работ Northlane. Эмоциональность не пробивает болевой порог, как это было с последними альбомами Silent Planet. В описании “Eternal Blue” нет деталей, которые можно презентовать как отличительные особенности.

Всё вышеперечисленное не делает альбом хуже или лучше, чем он мог бы быть. “Eternal Blue” – это действительно лучший жанровый альбом года. Spiritbox не переизобрели основы, но продуманно использовали весь доступный инструментарий и современные тренды для создания крепкой, эмоциональной работы. В прогрессивном металкоре наблюдаются застой и огромное количество неудачных идей. Всё, что сейчас нужно, чтобы создать идеальный метал-альбом – это записать сбалансированную, качественную и наполненную пластинку. И сделали это именно Spiritbox. А от меня:

ОЦЕНКА: 7/10

Рецензия: Trophy Scars «Astral Pariah» (2021)

Колоритная группа из Морристауна никогда не была особо популярна. Блюз, тяжёлые гитары, пропитая хрипотца и повествование от лица несчастных маргиналов. Это будет интересно только тем, кто готов воспринимать неоднозначную подачу, неидеальное звучание и неприятные сюжеты без того, чтобы вешать на музыкантов ярлык “неприемлемо”.  В России такую нишу занимают Бранимир, Аффинаж и их сайд-проект – Быдлоцыкл, всевозможные постбарды, погрязшие в “чернухе” рэперы и независимые рок-музыканты, которых слишком долго перечислять. Кто-то из них вдохновляется фольклорными сюжетами, кто-то нищенской действительностью, а кто-то славянской мифологией. Говоря короче – в богатой культуре нашей родины достаточно много тёмных пятен, чтобы из них создавать продукт. Если вы знакомы с подобными исполнителями, то точно поймёте, чем именно занимаются Trophy Scars в рамках культуры своей страны.

“Astral Pariah” переносит слушателя в одно из самых тёмных времён и локаций в истории Соединённых Штатов – на Старый Запад. Это с первых минут сказывается на звучании альбома. Привычными локациями на предыдущих релизах группы были современные трущобы, грязные бары с не менее грязными задними дворами и заброшенные дома, в которых обосновались бездомные. Теперь мы можем услышать салунные скрипки и пианино, а к блюз-пост-хардкор основе примешались дарк кабаре и аутло-кантри.

По первым впечатлениям это естественно впечатляет.  От здешнего не вылизанного звука отдаёт тюремным этапом в творчестве Джонни Кэша и вестернами категории “B”. Но, в это же время, на поверхность всплывает главный минус “Astral Pariah” – провисающий, несбалансированный мастеринг. Чистый вокал иногда глушится стеной инструментала. Булькающий харш неразборчив. Соло-гитара, выдающая тягучий блюз почему-то стоит в стороне вместе с клавишными. Основной мотив перебивает интересные аранжировки. Одним словом – грязь.

Это слово характеризует и лирику “Astral Pariah”. Альбом повествует о жизни одной семьи в те суровые времена. 12 детей, мать и отец. Отец решил вырезать весь свой род. Мать видит надежду только в постепенно погибающих детях. Сыновья должны доказывать, что они мужчины (так, как это видит отец). Дочь слишком рано становится женщиной. Смерть, выживание, страх, кровосмешение и безумие. Этот релиз точно не подойдёт для обряда музыкального эскапизма. Джерри Джонс точно знает, как красиво описать ужасное. Именно поэтому не сразу хочешь верить в заложенную историю.

Вообще говоря, подобные релизы в частности и творчество “тёмных” исполнителей, подобных Trophy Scars, в целом рассчитаны на определённую, подготовленную аудиторию. Неуютная атмосфера, непрофессиональное звучание и пугающая подача – вот что может оттолкнуть нового слушателя. Но есть одно «но». Подобным группам не очень нужен новый слушатель. Они не гонятся за качеством в угоду масс. Не думаю, что доведётся написать о прошлогоднем альбоме Льва Печеньева, но он ярко олицетворяет то, что я хочу сказать. Отвратная лирика, аффективная музыка и гнилой внутренний мир, от которого хочется держаться подальше. Включите его “эстету” и вас заклеймят мусорщиком. Но подобная музыка может и должна выворачивать душу наизнанку как хороший триллер, как фильмы Фон Триера и Быкова. Я считаю, что правильно будет оценить “Astral Pariah” исходя из этого.

И здесь стоит сказать о том неудовлетворяющем контрасте, который поселился на пластинке. Музыка не передаёт то, что творится в тексте. Джерри Джонс отыгрывает желтоглазое, пьяное безумие на все сто баллов в то время, как в инструментальной составляющей происходит штамповка культурных аудио-клише. Здесь только не хватает задорного банджо с криком Вильгельма. Мешает ли это проникаться трагичной историей описанной семьи? Да, однозначно. Временами на альбоме можно услышать правильное совмещение музыки и текста (“Astral Pariah”, “Father (Part II)”, “Cosmic Suicide”), но слишком редко для такого короткого альбома. Итог: не поймите неправильно, но после “Astral Pariah” недостаточно больно. Не хватает накала.

ОЦЕНКА: 6/10

Рецензия: Turnstile «GLOW ON» (2021)

Думаю, обзор долгожданного нового альбома Turnstile нужно начать с небольшой предыстории. Группа появилась в начале прошлого десятилетия, как сайд-проект барабанщика влиятельной хардкор-команды Trapped Under Ice Брендана Йетса. TUI тогда хоть ещё и были активны, но уже не так, как того бы хотелось некоторым участникам, так что именно в то время они стали заниматься сторонними проектами. Так что поначалу “Турникет” были просто творческой отдушиной Брендана, который внезапно оказался крутым фронтменом и сонграйтером, и состоял из его друзей из локальных команд разного уровня известности (Франц, например, вообще не умел играть на басу, когда его пригласили в состав). Первые записи команды отдавали дань уважения NY-хардкору и кроссовер-трэшу и были довольно угловатыми, но нескончаемая харизма и бешеная концертная энергетика парней сделали им имя и заслуженных поклонников.

Но вместо того, чтобы идти проторенной дорожкой “уважаемой хардкор-команды” они уже на дебютнике “Nonstop Feeling” начали экспериментировать со звуком, добавив элементы ранних рэп-рока и фанк-метала, вызывая ассоциации с ранними релизами Red Hot Chili Peppers и 311, а где-то даже засталяя вспонить про энергетику молодых Beastie Boys. Правда позже оказалось, что самое интересное было впереди. Вышедший в начале 2018 года “Time & Space” впустил в ДНК группы альт-метал, психоделию, гранж и даже стадионный рок. Так зачем слушать этот замес из жанров, можете подумать вы?

Ответ прост: “GLOW ON” – это хардкор-панк для всей семьи. Я не шучу и кривлю душой. Я даже слушал альбом со своим 9-летним сыном, чтобы проверить это утверждение, и он сказал, что ему нравится. В этом и есть главная прелесть данной записи. Она подойдёт как искушённым поклонникам жанра, так и тем, кто не имеет к нему вообще никакого отношения. После релиза было очень много отзывов о том, что люди оценили группу именно после него и этому вы можете верить на сто процентов. Ну и, конечно, промокампания к релизу заслуживает внимания. За два месяца до релиза вышла ипишка “LOVE CONNECTION”, к которой Брендан срежиссировал короткометражку/клип, в которой можно было послушать все четыре трека вместе со стильным визуалом. Два альбомных сингла были также поданы с клипами, но, даже несмотря на всё это, было сложно представить, что всех ждёт на альбоме.

Ждало, надо сказать, даже больше, чем мы все мечтали получить. Третий альбом Turnstile – это путешествие, в котором даже не хочется выделять отдельные песни, настолько увлекательно и цельно он звучит. В этом, во многом, заслуга креативного сонграйтинга, который сохраняя во главе дух того самого NY-хардкора добавляет в него всего понемногу. Если всё же попытаться описать референсы, то вы можете представить себе, как звучал бы совместный альбом Leeway, Quicksand, Snapcase и Jane’s Addiction. Последние – вообще самое очевидное сравнение для этого альбома, так именно их рукам в конце 80-х/начале 90-х принадлежало сращивание тяжёлых гитарных риффов с атмосферой психоделического рока и прочих диких штук, не ложащихся в привычные каноны.

Уже после открывающего альбом арена-альт-рока “MYSTERY” вас вряд ли отпустит хоть на секунду и следующие полчаса вы будете получать истинное удовольствие от прослушивания. Подпоёте простому хуку в прямолинейном “HOLIDAY”, качнётесь под сумасшедшие перкуссии в психоделическом панк-бэнгере “BLACKOUT”, удивитесь безумному сочетанию жанров в “NEW HEART DESIGN”. В конце концов, порадуетесь внезапным коллабам с артистом Blood Orange – “ALIEN LOVE CALL” целиком отдан под лощёный звук 80-х, балансируя где-то между нежнейшим р’н’б и софт-роком.

Повторюсь, то, как они работают со стилями – самое интересное, потому что положить под хардкор-грувы зажигательные латинские ритмы, залить это всё реверберацией и спеть при этом чистым вокалом запоминающийся хук – ну знаете… такое не каждый вывезет. В рамках прослушивания вы поймаете себя на мысли, что слышите что-то от пост-панка, шугейза и даже дрим-попа. Вне всякого сомнения, большую заслугу в том, как всё это звучит вместе имеет Майк Элизондо. Будучи заслуженным поп- и рэп-продюсером он чётко знает, чем должен цеплять звук (хотя в его послужном списке, конечно же, есть и Mastodon и Muse). Его грамотный продакшн позволяет записи звучать максимально целенаправленно и не разваливаться на отдельные кусочки; оставаться тяжёлым альбомом, который, тем не менее, доступен буквально каждому.

Я не припомню ещё одного такого альбома в жанре, для которого не нужно никакой предварительной подготовки. Альбома, который дебютирует на 30 месте чарта “Billboard 200”, вытесняя рэперов и поп-музыкантов. Альбома, который приведёт в эту сцену новых слушателей и молодых ребят, которые потом соберут свои группы. Можно сколько угодно пытаться найти в нём минусы и вы их найдёте, но мне совсем не хочется, поэтому…

ОЦЕНКА: 10/10

Рецензия: Shining «IDGAF» (Single) (2021)

Не могу пройти мимо прямого заявления в мою сторону.

“IDGAF” – первый сингл с грядущего альбома норвежцев Shining. Он вышел пару месяцев назад в начале Июля. Вы могли и должны были его пропустить. Я тоже пропустил, но, по несчастливой случайности, наткнулся на него, пока объяснял другу кто такой Йорген Манкеби. Когда-то он был двинутым джаз-гением. Сейчас ему больше подойдёт звание неуместного шута.

После выхода в 2018 году невнятного “Animal” на группу вполне оправданно обрушился шквал критики. Помните “Darkjazz”? Помните “One One One”? Экспериментаторы делали действительно уникальный продукт. Теперь это альбомы из параллельной вселенной. Потому что в нашей реальности Shining играют посредственный альтернативный поп-рок с примитивной лирикой. Там не за что было зацепиться. Релиз терялся и продолжает теряться на фоне других подобных работ. Никакой полиритмии, безумия и саксофона. Да и чёрт бы с ними. Когда группы пробуют новое звучание – это хорошо. Если они делают это плохо – это, как ни странно, плохо.

Фанаты не поняли, что происходит и начали спрашивать у группы. Ответом стал относительно свежий сингл. “IDGAF” – пошлый плевок в сторону своего культурного следа и прежней аудитории. Унылая электроника на уровне “Gummibar”. Подростнический, нелепый максимализм и совершенное непонимание путей создания современного звучания.

“I Don`t Give a F*ck” – это всё, что может из себя выжать Shining образца 2021 года. Посмотрите вертикальное видео в поддержку сингла (прикладывать его не осмелюсь). Йорген не понимает, что делает. Так стыдно мне было, только когда я увидел клип Мацея Маленчука “VLADIMIR”. Но тогда было смешно. Сейчас – нет.

Манкеби о сингле: “Вся моя жизнь состояла в том, чтобы плевать на всё – или, по большей части, плевать на то, что другие люди думают, что я должен или не должен делать в музыкальном плане.”

В своё время хотелось думать, что “Animal” был небольшим отступлением. Теперь становится очевидно, что пути назад нет. Пора поблагодарить Shining из параллельной вселенной за “The Madness and the Damage Done”, “Fisheye” и “I Won`t Forget”. Этого мы не забудем. А одноимённую группу из нашей реальности очень хочется забыть. Как говорится, с нетерпением ждём следующий альбом.

ОЦЕНКА: 1/10

Рецензия: Leprous «Aphelion» (2021)

Вышедший в 2013 году “Coal” ознаменовал новую эпоху в жанре прогрессивного метала/рока. Он с первого прослушивания влюбил меня в Leprous. И, если верить оценкам и критикам, влюбил в группу всех любителей подобной музыки. Почему? Leprous смогли своим творчеством воздвигнуть торжественный монумент, захватывающий дух, транслирующий безутешную тоску и чувство плодотворного одиночества. Группа создала новую атмосферу/динамику с помощью проверенных временем средств.

Это очень интересный альбом. Если мы попытаемся проследить, как норвежцы дошли до подобного звучания, нам будет недостаточно исходных данных. Их релизы до 2013 – совсем другая история, без предпосылок к “Coal”.

А сейчас мы говорим о новой работе – свежем “Aphelion”. И его звучание – это результат долгой метаморфозы длиной в три промежуточных альбома.

На “The Congregation” появился упор на изломанные риффы и интересные электронные и ударные ритмы. Это был звёздный альбом для барабанщика Баарда Костальда.

На “Malina” был сделан упор на альтернативную хитовость звучания, и важнейшей частью становилась виолончель в исполнении Рафаэля Вайнрот-Брауна. Она встречалась нечасто, но именно её вы запомните. Этот релиз внутри себя закончил одну эру творчества Leprous и начал новую.

“Pitfalls” же был полностью сконцентрирован на вокале Эйнара Сольдберга, что позволило группе уйти в сторону арт-попа и арт-рока с использованием минимального инструментария звукоизвлечения для улучшения концентрации внимания и усиления саспенса.

Есть две вещи, которые со времён “Coal” не поменялись: первое – искренняя эмоциональность, артистичное напряжение в звучании инструментов и вокала; второе – каждую новую работу сложно воспринимать с наскока, потому что вы как слушатель уже полюбили предыдущее звучание Leprous.

“Aphelion” в этом смысле не исключение. Но вобрав в себя все особенности предыдущих релизов, этот альбом стал особенным. Вместо фокусировки внимания на отдельных частях, как это было на предыдущих релизах, он охватывает всё и сразу. Хитовые, отдающие мейнстрим-джазом, босса-нова и соулом, припевы – на месте. Цепляющие клавишные с гулким басом – здесь. Нашлось место и тяжелым гитарам, и джазовым ударным. Вокал уже не ищет путей самовыражения, как это было, скажем, на “Malina”. Напротив – на “Aphelion” Эйнар точно знает, что и как он хочет продемонстрировать.

С другой стороны, новая форма, которую приняли Leprous в последние три-четыре года, может стать препятствием для фанатов, полюбивших группу за первые альбомы. Поп-ориентированное звучание настораживает даже тех, кто привык оправдывать музыкантов за каждое принятое ими решение.

Даже меня оттолкнули некоторые моменты. Тому пример, простецкое вступление к “Out of Here” или заезженные обороты «together forever» в и так пустоватой лирике “Have You Ever?”. “All the Moments” до первого припева обладает совершенно непонятным, нелепым характером. Но зато после катарсиса в середине этот трек может стать самым запоминающимся впечатлением с пластинки. Этот самый «катарсис» (пик, накал, саспенс) и является отличительной особенностью “Aphelion”. Каждая композиция в какой-то момент вызывает мурашки и восхищение. Как только с вами произойдёт что-то подобное, та же “Have You Ever?” будет заслушена до дыр (тише, сейчас такой момент будет). Весь мой скепсис (вызванный совершенно разными по энергетике синглами) в отношении этого альбома растворился уже спустя пять минут, проведённых вместе с “Aphelion”.  То ли я не могу судить Leprous объективно, то ли они совершили очередное чудо.

Одним из важнейших моментов с релиза становится развязка в виде завершающего “Nighttime Disguise”, записанного при участии слушателей во время онлайн-трансляции. Он объединил в себе как новое, аккуратно-артистичное звучание, так и фанфарность, присущую группе на этапе “The Congregation” и “Coal”. Джаз и ярко выраженные гитары. Неочевидная структура и совершенно последовательная динамика. Тенор и сырой экстрим. Эйнар даже продемонстрировал пару строчек бархатным басом (этого хочется побольше на следующих релизах). Такое завершение очень важно, потому что оно даёт понять, что группа не перечеркнула прошлое. Именно так нужно относится к переменам. Leprous никогда не останавливают медленно текущую метаморфозу.

“Aphelion” не является лучшим в дискографии группы. Эта пластинка, в первую очередь, является показателем мастерства музыкантов, которое постоянно выходит за рамки предыдущих релизов. Единственное, чего у Leprous не получилось в этот раз – скрепить весь материал во что-то монолитное. Именно поэтому вам не может понравиться радикально всё, что услышите. “Castaway Angels” не должна была войти в альбом. “Nighttime Disguise” – сильнейший трек с альбома. Он завершает его, и как ни странно, несильно похож на всё предшествующее. Этот альбом скорее звучит, как компиляция синглов, выходивших в течении нескольких лет. Возможно, причиной этому стало то, что группа решила записывать композиции на нескольких студиях (на всех, с которыми они работали в течении 10 лет). Другой причиной может являться постоянный творческий поиск, в котором находятся норвежцы. Несмотря на это, “Aphelion” – это самый эмоциональный и красивый прог-рок альбом года. Он дарит уникальные эмоции и обеспечивает «вау-эффект», который посещает любителей жанра всё реже и реже в последнее время. Не пропустите.

ОЦЕНКА: 8/10

Кори Тейлор из Slipknot выступил в новой маске

Кори Тейлор представил свою новую маску на первом концерте Slipknot после перерыва, связанного с пандемией COVID-19. Группа выступила 4 сентября на фестивале “Rocklahoma” в Прайоре, штат Оклахома.

Ранее Тейлор рассказывал о данной маске в майском интервью Lazer 103.3:

… Я могу сказать, что маска, над которой я работаю, очень волнующая и тревожная. На неё будет буквально трудно смотреть. И, наверное, это будет моя любимая маска, которую я когда-либо создавал. Меня заинтриговали мелкие детали и части масок, которые были у меня в прошлом. И в ней будет много безрассудного ужаса, скажем так.

Оцениваем новый лук фронтмена:

Рецензия: Between The Buried And Me «Colors II» (2021)

Зачем выпускать продолжение альбома, который вышел 14 лет назад? На самом деле ответ есть. Вышедший в 2007 году “Colors” вдохновляет. Он в своё время стал по-настоящему прорывным для группы. Именно на этом альбоме появились все присущие Between The Buried And Me черты: организованные массивы из протяжённых чрезмерно сложных риффов; похвальная комбинация из чистого и экстремального вокала; прог-роковые клавишные; частые вкрапления авангардных мультижанровых интерлюдий и сторителлинг через лирику. Ничего за прошедшие с тех пор 14 лет не изменилось. Кажется, что и сама группа это понимает.

Теперь, если вы хотите узнать полную историю о городе (человечестве), поглощающем красочный окружающий и внутренний мир, вам придётся послушать целых два альбома общей продолжительностью более двух часов. “Colors II”, как ни странно, просто необходимо слушать неотрывно от первой части. Сиквел начинается там-же, где всё и закончилось. Во время рефлексии на тему связи музыканта и слушателя (производителя и потребителя). Хочется отдать группе должное – они ловко ухватили настроение приквела. Разрыва не ощущается.

Для тех, кто пришёл сюда не за повествованием, а за разрывом мягких поверхностей лица от непростительно сбивающего с ног звука, есть чем себя побаловать на этом альбоме. Как и всегда, вы даже не успеете понять, что происходит. В музыке BTBAM настолько много деталей, что иногда начинает рябить. Хоровое пение, синтезатор, сэмплы мультипликационной буффонады, шумы, крики, болтовня в баре. Это всё идёт параллельно с нескончаемым режущим потоком гитарного гения и ударной самоотдачи. Ничего. Нового.

Даже недостатки остаются прежними. Группе не удаётся создавать разнящуюся из альбома в альбом атмосферу. Она же должна зависеть от содержания. Но из-за огромного количества контрастирующих между собой отрезков, картинка, зачастую, рисуется невнятная. Но качество от этого не страдает.

В этом заключается душная правда о всём, что команда выпускает в последнее время. Это слишком хорошо. Это всегда было слишком хорошо. Between The Buried And Me достигли такого уровня уже в 2007 году и постепенно применяли его к разным сторонам своего творчества. На таком уровне ничего не остаётся, кроме как искать вдохновение, придумывать истории и способы их рассказать. Иногда получается посвежее, как “Coma Ecliptic”. А иногда затхло и беспорядочно, как в случае с дилогией “Automata”.

Так зачем выпускать продолжение альбома, который вышел 14 лет назад? Ответ заключается в поиске вдохновения. В первой части “Colors” было достаточно исходных данных для написания продолжения. BTBAM в 2020 году даже выпустили переиздание самой значимой своей пластинки. Группе хватило только вспомнить об их magnum opus, чтобы увеличить его вдвое. Не думаю, что в 2007 году планировался сиквел. Но есть основания резюмировать, что он удался.

Остаётся вопрос: “зачем вам это слушать?” Группа себя не переплюнула. И я не думаю, что она это сделает без значительных фундаментальных изменений своего творчества (это и не нужно). Что более важно – их тоже никто не переплюнул. Ни вдохновляющиеся ими Ghost Iris, ни фанатеющие от них Destrage (и та, и другая ушли уже куда-то совсем не туда), ни кто-либо ещё. Именно поэтому нельзя упускать возможности прикоснуться к уникальному всеуничтожающему прекрасному.

ОЦЕНКА: 8/10

Рецензия: Deafheaven «Infinite Granite» (2021)

Ничего удивительного в облегчении звучания Deafheaven, естественно, нет. Предпосылки к этому изменению (апгрейду / даунгрейду – нужное подчеркнуть) были достаточно очевидны на прошлом лонгплее “Ordinary Corrupt Human Love”, где чистый вокал занимал полтора трека. Этого не так мало, чтобы намекнуть на грядущее. Но есть кое-что не столь очевидное в предыдущих работах пионеров блэкгейза – подобная освящённая лёгкость всегда находила себе лазейку в стене грохота и гитарного рёва, которые заполняли большую часть их треков.

“Infinite Granite” не изменяет качество или характер звучания Deafheaven. Он иначе расставляет приоритеты. По сути – это вывернутый наизнанку “Ordinary Corrupt Human Love”. Традиционный скрим Джорджа Кларка на “Infinite Granite” занимает примерно такую же долю, как чистый на предыдущем альбоме. Стало больше объёма и простора, необходимого для наполнения деталями. Так, теперь мы можем услышать в музыке Deafheaven даже ненавязчивый эмбиент.

Но, кажется, это пространство было необходимостью. Его необходимо было заполнить искренностью. Тексты на “Infinite Granite” не отличаются от ранних работ группы особым повествовательным языком. Напротив, абстрактность и особая, тёмная, метафоричность роднит их со всем, что Deafheaven писали раньше. Основная разница – камерность выбранных тем. В паре слов тематику альбома можно описать как “варианты ориентиров взрослеющего человека: на тех, кто старше; на тех, кто любим; на тех, кто мёртв”. Что-то подобное мы уже слышали даже на сделавшем музыкантов популярными “Sunbather”, но в более эмоционально-глобальном масштабе.

Самый главный вопрос, который стоит задавать в отношении этого альбома: “способен ли он выделиться на фоне других работ в жанре shoegaze/indie rock последних пары лет?” Иными словами – зачем его слушать?

К сожалению, на данном этапе “Infinite Granite” не может задержаться в памяти никаким образом, кроме как само событие. В нём почти нет смелости. Мелодии сливаются в один нерешительный поток. Я уверен, что спустя год мы не сможем вспомнить ни одного трека по мотиву. Вокал ритмически невыразителен, кроме тех редких моментов, когда Кларк показывает свой узнаваемый оскал. По видео на сингл “In Blur”, тем не менее, видно, что скалиться хочется чаще, что, на деле, не всегда приходится к месту.

“Infinite Granite” – это попытка группы избавиться от монументального каменного короба, скрывающего долго таившийся внутри свет. Пластинка получилась действительно светлая и объёмная, но незахватывающая и неосязаемая. Она рекомендуется к прослушиванию всем фанатам жанра, неосведомлённым о существовании группы. Deafheaven удовлетворительно справились с привычной для них динамикой и текстурностью.

С чем им справиться удалось не так хорошо, так это с осваиванием предыдущего опыта для транслирования в новый жанр. Было бы свежо – это даже визуализируется ярко. Представьте, что экстрим-вокала в два раза больше и найти его можно не только в конце треков как знак поставленной галочки “сделано!” Дело ведь не только в вокале. Заполни скрим всю продолжительность альбома – лучше бы не стало.

Представьте, что после пост-роковой размеренности, через перегруженный гул на вас обрушивается цунами бластбитов и ревущего тремоло хотя бы на 5 секунд. Deafheaven уже делали подобное, но в других масштабах и с другими приоритетами. Почему я представляю это, но не слышу? На такие решения нужно гораздо больше времени.  Думается, что группа поторопилась меняться и не продумала все возможные варианты преображений.

Странно, что “Infinite Granite” звучит как дебют талантливых независимых новичков. Ну, в этом случае, для первого раза – вполне неплохо. но от Deafheaven хочется ждать чего-то большего. Вот и подождём.

ОЦЕНКА: 5/10

Рецензия: iglooghost «Lei Line Eon» / «Lei Disk「Radio•Broadcast」» (2021)

То, что сделал Iglooghost (Шеймус Мэллиаг) в этом году заслуживает широкой огласки и большего внимания со стороны музыкального сообщества. Полноформатник “Lei Line Eon” и микстейп с закосом под radio broadcast неотделимы друг от друга. Они также неотделимы от инстаграм-аккаунта Шеймуса, его YouTube-канала и сайта leimusic.xyz. И являют собой единое художественное целое, поэтому эта рецензия посвящена всему вышеперечисленному.

С выходом “Lei Line Eon” iglooghost изменил свой подход к составлению композиций и лору своих минивселенных. К каждому прошлому альбому или EP он прикладывал сопроводительный текст – методичку понимания событий, описываемых через музыку. И подобные тексты, чаще всего, лучше музыки складывали в мозгу слушателя картинку. Потому что ни на ранних “Clear Tamei/Steel Mogu”, ни на более поздних “Neo Wax Bloom” или GLOO-коллаборационного “XYZ” не было, на самом деле, никаких связующих деталей, кроме описываемых в текстах богоподобных миниатюрных существ и их злоключений.

“Lei Line Eon” часто стремиться к распаду из-за огромного количества деталей: хрустящих глитчей, механических лязгов, целого оркестра голосов (шёпот Шеймуса, ласковый вой BABii, детский хор), резиновых синтов и каучукового, видоизменяемого баса. Но все составляющие крепко соединены стеклянной нитью нескончаемого contemporary jazz скрипичного соло. Когда осознаёшь эту особенность впервые, понимаешь, что именно эта деталь наконец-то сделала музыку iglooghost живой. Раньше тоже встречались живые инструменты, но только в виде коротких сэмплов. Они были инородны.

Сопроводительный текст теперь занимает целый сайт leimusic.xyz. Он обозначает в себе конец описываемых ранее событий. Теперь это история. Фольклор нового альтернативного мира. Текст (его очень много), по большей части, придерживается (псевдо)научно-популярного стиля и описывает работу, исследования и открытия Института Глифов. Основные результаты работы института – опознавание, категоризация и описание призываемых с помощью музыки Lei (научный термин) эфирных существ, которые формируются, собственно, из звуковых колебаний.

А мы с вами имеем возможность, получается, послушать эту самую Lei-музыку. Ощутить эти колебания. Почувствовать дыхание аудиофильных существ. Почти физически осязать их случайные прикосновения. При первом прослушивании, уже можно ощутить всё это на себе. Текст необязателен. Но его влияние в этом случае, выступает триггером для новых эмоций и трактовок.

Но и этого было недостаточно для полного контакта с параллельной вселенной. Так мы получили “Lei Line Eon”. То, с какой аккуратностью Шеймус облачил микстейп демозаписей в сценарий радиоэфира, по-хорошему восторгает и умиляет. Между треками во время монологов, диалога с приглашённым гостем из Института Глифов и ответа на сообщение слушательницы, идёт заглушённая музыкальная тема. Все голоса вплетены в музыкальное полотно, чтобы не прерывать динамику релиза. Треки из него – это либо ранее невыпущенные записи, либо ранние версии треков “Lei Line Eon”. Их невыпущенность, незавершённость, неудовлетворительность комментируется диктором. Я бы слушал подобное радио каждую среду вечером вместо научпоп-подкастов.

iglooghost в 2021 году, наверно, единственный, кто полностью абстрагируется в своём творческом амплуа от настоящей действительности, важных и неважных событий, общественной истерии, трендов и тревог. Он заменяет нашу реальность на альтернативную. Посетите его аккаунт в Instagram – мелькающая там мастерская не существует. Вещи, о которых он говорит – нереальны. События – недействительны. Его современное искусство – это кокон иррационального. Но все иррациональные явления в мире Lei-музыки имеют настолько живые и естественные описания, что на них не хочется ставить клеймо выдумки.

Я был бы готов поставить “Lei Line Eon” высшую оценку, но в этой работе есть один (довольно значительный) минус – слишком высокий уровень вхождения. Мало кто готов прочитать тонны текста, чтобы воспринимать альбом иначе. Мало кто проследит зарождение Lei-музыки на просторах интернета и найдёт все пасхалки. Мало кто прослушает весь радиоэфир без пауз и отвлечений. Но тот, кто пройдёт все вышеперечисленные этапы, сможет открыть новые способы потребления подобного мультиплатформенного искусства и откроет портал в альтернативную вселенную, где музыку можно оборачивать в форму.

ОЦЕНКА: 9/10

Детали нового альбома The World Is A Beautiful Place & I Am No Longer Afraid To Die

Команда The World Is A Beautiful Place & I Am No Longer Afraid To Die из Филадельфии сообщила, что их четвёртый лонгплей под названием “Illusory Walls” выйдет 8 октября на лейбле “Epitaph Records”. Релиз, который был вдохновлён игрой “Dark Souls”, спродюсировали фронтмен коллектива Крис Тети и музыкант Грег Томас (END, ex-Misery Signals, ex-Shai Hulud). Оформить предзаказ можно здесь.

Вместе с анонсом был выпущен и видеоклип на первый сингл “Invading The World Of The Guilty”, который можно посмотреть ниже. По звучанию трек продолжает линию коллектива по совмещению группой пост-хардкора, эмо, альтернативного рока, а также здесь появились элементы прогрессивных рока и метала. Можно смело сказать, что данная песня должна прийтись по душе поклонникам Thrice, Coheed And Cambria, The Mars Volta, Circa Survive, поздних записей Baroness и релизов Cave In, выпущенных в 00-х.

Треклист:

1. Afraid To Die
2. Queen Sophie For President
3. Invading The World Of The Guilty As A Spirit Of Vengeance
4. Blank // Drone
5. We Saw Birds Through The Hole In The Ceiling
6. Died In The Prison Of The Holy Office
7. Your Brain Is A Rubbermaid
8. Blank // Worker
9. Trouble
10. Infinite Josh
11. Fewer Afraid

Обложка: