Рецензия: Shining «IDGAF» (Single) (2021)

Не могу пройти мимо прямого заявления в мою сторону.

“IDGAF” – первый сингл с грядущего альбома норвежцев Shining. Он вышел пару месяцев назад в начале Июля. Вы могли и должны были его пропустить. Я тоже пропустил, но, по несчастливой случайности, наткнулся на него, пока объяснял другу кто такой Йорген Манкеби. Когда-то он был двинутым джаз-гением. Сейчас ему больше подойдёт звание неуместного шута.

После выхода в 2018 году невнятного “Animal” на группу вполне оправданно обрушился шквал критики. Помните “Darkjazz”? Помните “One One One”? Экспериментаторы делали действительно уникальный продукт. Теперь это альбомы из параллельной вселенной. Потому что в нашей реальности Shining играют посредственный альтернативный поп-рок с примитивной лирикой. Там не за что было зацепиться. Релиз терялся и продолжает теряться на фоне других подобных работ. Никакой полиритмии, безумия и саксофона. Да и чёрт бы с ними. Когда группы пробуют новое звучание – это хорошо. Если они делают это плохо – это, как ни странно, плохо.

Фанаты не поняли, что происходит и начали спрашивать у группы. Ответом стал относительно свежий сингл. “IDGAF” – пошлый плевок в сторону своего культурного следа и прежней аудитории. Унылая электроника на уровне “Gummibar”. Подростнический, нелепый максимализм и совершенное непонимание путей создания современного звучания.

“I Don`t Give a F*ck” – это всё, что может из себя выжать Shining образца 2021 года. Посмотрите вертикальное видео в поддержку сингла (прикладывать его не осмелюсь). Йорген не понимает, что делает. Так стыдно мне было, только когда я увидел клип Мацея Маленчука “VLADIMIR”. Но тогда было смешно. Сейчас – нет.

Манкеби о сингле: “Вся моя жизнь состояла в том, чтобы плевать на всё – или, по большей части, плевать на то, что другие люди думают, что я должен или не должен делать в музыкальном плане.”

В своё время хотелось думать, что “Animal” был небольшим отступлением. Теперь становится очевидно, что пути назад нет. Пора поблагодарить Shining из параллельной вселенной за “The Madness and the Damage Done”, “Fisheye” и “I Won`t Forget”. Этого мы не забудем. А одноимённую группу из нашей реальности очень хочется забыть. Как говорится, с нетерпением ждём следующий альбом.

ОЦЕНКА: 1/10

Рецензия: Leprous «Aphelion» (2021)

Вышедший в 2013 году “Coal” ознаменовал новую эпоху в жанре прогрессивного метала/рока. Он с первого прослушивания влюбил меня в Leprous. И, если верить оценкам и критикам, влюбил в группу всех любителей подобной музыки. Почему? Leprous смогли своим творчеством воздвигнуть торжественный монумент, захватывающий дух, транслирующий безутешную тоску и чувство плодотворного одиночества. Группа создала новую атмосферу/динамику с помощью проверенных временем средств.

Это очень интересный альбом. Если мы попытаемся проследить, как норвежцы дошли до подобного звучания, нам будет недостаточно исходных данных. Их релизы до 2013 – совсем другая история, без предпосылок к “Coal”.

А сейчас мы говорим о новой работе – свежем “Aphelion”. И его звучание – это результат долгой метаморфозы длиной в три промежуточных альбома.

На “The Congregation” появился упор на изломанные риффы и интересные электронные и ударные ритмы. Это был звёздный альбом для барабанщика Баарда Костальда.

На “Malina” был сделан упор на альтернативную хитовость звучания, и важнейшей частью становилась виолончель в исполнении Рафаэля Вайнрот-Брауна. Она встречалась нечасто, но именно её вы запомните. Этот релиз внутри себя закончил одну эру творчества Leprous и начал новую.

“Pitfalls” же был полностью сконцентрирован на вокале Эйнара Сольдберга, что позволило группе уйти в сторону арт-попа и арт-рока с использованием минимального инструментария звукоизвлечения для улучшения концентрации внимания и усиления саспенса.

Есть две вещи, которые со времён “Coal” не поменялись: первое – искренняя эмоциональность, артистичное напряжение в звучании инструментов и вокала; второе – каждую новую работу сложно воспринимать с наскока, потому что вы как слушатель уже полюбили предыдущее звучание Leprous.

“Aphelion” в этом смысле не исключение. Но вобрав в себя все особенности предыдущих релизов, этот альбом стал особенным. Вместо фокусировки внимания на отдельных частях, как это было на предыдущих релизах, он охватывает всё и сразу. Хитовые, отдающие мейнстрим-джазом, босса-нова и соулом, припевы – на месте. Цепляющие клавишные с гулким басом – здесь. Нашлось место и тяжелым гитарам, и джазовым ударным. Вокал уже не ищет путей самовыражения, как это было, скажем, на “Malina”. Напротив – на “Aphelion” Эйнар точно знает, что и как он хочет продемонстрировать.

С другой стороны, новая форма, которую приняли Leprous в последние три-четыре года, может стать препятствием для фанатов, полюбивших группу за первые альбомы. Поп-ориентированное звучание настораживает даже тех, кто привык оправдывать музыкантов за каждое принятое ими решение.

Даже меня оттолкнули некоторые моменты. Тому пример, простецкое вступление к “Out of Here” или заезженные обороты «together forever» в и так пустоватой лирике “Have You Ever?”. “All the Moments” до первого припева обладает совершенно непонятным, нелепым характером. Но зато после катарсиса в середине этот трек может стать самым запоминающимся впечатлением с пластинки. Этот самый «катарсис» (пик, накал, саспенс) и является отличительной особенностью “Aphelion”. Каждая композиция в какой-то момент вызывает мурашки и восхищение. Как только с вами произойдёт что-то подобное, та же “Have You Ever?” будет заслушена до дыр (тише, сейчас такой момент будет). Весь мой скепсис (вызванный совершенно разными по энергетике синглами) в отношении этого альбома растворился уже спустя пять минут, проведённых вместе с “Aphelion”.  То ли я не могу судить Leprous объективно, то ли они совершили очередное чудо.

Одним из важнейших моментов с релиза становится развязка в виде завершающего “Nighttime Disguise”, записанного при участии слушателей во время онлайн-трансляции. Он объединил в себе как новое, аккуратно-артистичное звучание, так и фанфарность, присущую группе на этапе “The Congregation” и “Coal”. Джаз и ярко выраженные гитары. Неочевидная структура и совершенно последовательная динамика. Тенор и сырой экстрим. Эйнар даже продемонстрировал пару строчек бархатным басом (этого хочется побольше на следующих релизах). Такое завершение очень важно, потому что оно даёт понять, что группа не перечеркнула прошлое. Именно так нужно относится к переменам. Leprous никогда не останавливают медленно текущую метаморфозу.

“Aphelion” не является лучшим в дискографии группы. Эта пластинка, в первую очередь, является показателем мастерства музыкантов, которое постоянно выходит за рамки предыдущих релизов. Единственное, чего у Leprous не получилось в этот раз – скрепить весь материал во что-то монолитное. Именно поэтому вам не может понравиться радикально всё, что услышите. “Castaway Angels” не должна была войти в альбом. “Nighttime Disguise” – сильнейший трек с альбома. Он завершает его, и как ни странно, несильно похож на всё предшествующее. Этот альбом скорее звучит, как компиляция синглов, выходивших в течении нескольких лет. Возможно, причиной этому стало то, что группа решила записывать композиции на нескольких студиях (на всех, с которыми они работали в течении 10 лет). Другой причиной может являться постоянный творческий поиск, в котором находятся норвежцы. Несмотря на это, “Aphelion” – это самый эмоциональный и красивый прог-рок альбом года. Он дарит уникальные эмоции и обеспечивает «вау-эффект», который посещает любителей жанра всё реже и реже в последнее время. Не пропустите.

ОЦЕНКА: 8/10

Кори Тейлор из Slipknot выступил в новой маске

Кори Тейлор представил свою новую маску на первом концерте Slipknot после перерыва, связанного с пандемией COVID-19. Группа выступила 4 сентября на фестивале “Rocklahoma” в Прайоре, штат Оклахома.

Ранее Тейлор рассказывал о данной маске в майском интервью Lazer 103.3:

… Я могу сказать, что маска, над которой я работаю, очень волнующая и тревожная. На неё будет буквально трудно смотреть. И, наверное, это будет моя любимая маска, которую я когда-либо создавал. Меня заинтриговали мелкие детали и части масок, которые были у меня в прошлом. И в ней будет много безрассудного ужаса, скажем так.

Оцениваем новый лук фронтмена:

Рецензия: Between The Buried And Me «Colors II» (2021)

Зачем выпускать продолжение альбома, который вышел 14 лет назад? На самом деле ответ есть. Вышедший в 2007 году “Colors” вдохновляет. Он в своё время стал по-настоящему прорывным для группы. Именно на этом альбоме появились все присущие Between The Buried And Me черты: организованные массивы из протяжённых чрезмерно сложных риффов; похвальная комбинация из чистого и экстремального вокала; прог-роковые клавишные; частые вкрапления авангардных мультижанровых интерлюдий и сторителлинг через лирику. Ничего за прошедшие с тех пор 14 лет не изменилось. Кажется, что и сама группа это понимает.

Теперь, если вы хотите узнать полную историю о городе (человечестве), поглощающем красочный окружающий и внутренний мир, вам придётся послушать целых два альбома общей продолжительностью более двух часов. “Colors II”, как ни странно, просто необходимо слушать неотрывно от первой части. Сиквел начинается там-же, где всё и закончилось. Во время рефлексии на тему связи музыканта и слушателя (производителя и потребителя). Хочется отдать группе должное – они ловко ухватили настроение приквела. Разрыва не ощущается.

Для тех, кто пришёл сюда не за повествованием, а за разрывом мягких поверхностей лица от непростительно сбивающего с ног звука, есть чем себя побаловать на этом альбоме. Как и всегда, вы даже не успеете понять, что происходит. В музыке BTBAM настолько много деталей, что иногда начинает рябить. Хоровое пение, синтезатор, сэмплы мультипликационной буффонады, шумы, крики, болтовня в баре. Это всё идёт параллельно с нескончаемым режущим потоком гитарного гения и ударной самоотдачи. Ничего. Нового.

Даже недостатки остаются прежними. Группе не удаётся создавать разнящуюся из альбома в альбом атмосферу. Она же должна зависеть от содержания. Но из-за огромного количества контрастирующих между собой отрезков, картинка, зачастую, рисуется невнятная. Но качество от этого не страдает.

В этом заключается душная правда о всём, что команда выпускает в последнее время. Это слишком хорошо. Это всегда было слишком хорошо. Between The Buried And Me достигли такого уровня уже в 2007 году и постепенно применяли его к разным сторонам своего творчества. На таком уровне ничего не остаётся, кроме как искать вдохновение, придумывать истории и способы их рассказать. Иногда получается посвежее, как “Coma Ecliptic”. А иногда затхло и беспорядочно, как в случае с дилогией “Automata”.

Так зачем выпускать продолжение альбома, который вышел 14 лет назад? Ответ заключается в поиске вдохновения. В первой части “Colors” было достаточно исходных данных для написания продолжения. BTBAM в 2020 году даже выпустили переиздание самой значимой своей пластинки. Группе хватило только вспомнить об их magnum opus, чтобы увеличить его вдвое. Не думаю, что в 2007 году планировался сиквел. Но есть основания резюмировать, что он удался.

Остаётся вопрос: “зачем вам это слушать?” Группа себя не переплюнула. И я не думаю, что она это сделает без значительных фундаментальных изменений своего творчества (это и не нужно). Что более важно – их тоже никто не переплюнул. Ни вдохновляющиеся ими Ghost Iris, ни фанатеющие от них Destrage (и та, и другая ушли уже куда-то совсем не туда), ни кто-либо ещё. Именно поэтому нельзя упускать возможности прикоснуться к уникальному всеуничтожающему прекрасному.

ОЦЕНКА: 8/10

Рецензия: Deafheaven «Infinite Granite» (2021)

Ничего удивительного в облегчении звучания Deafheaven, естественно, нет. Предпосылки к этому изменению (апгрейду / даунгрейду – нужное подчеркнуть) были достаточно очевидны на прошлом лонгплее “Ordinary Corrupt Human Love”, где чистый вокал занимал полтора трека. Этого не так мало, чтобы намекнуть на грядущее. Но есть кое-что не столь очевидное в предыдущих работах пионеров блэкгейза – подобная освящённая лёгкость всегда находила себе лазейку в стене грохота и гитарного рёва, которые заполняли большую часть их треков.

“Infinite Granite” не изменяет качество или характер звучания Deafheaven. Он иначе расставляет приоритеты. По сути – это вывернутый наизнанку “Ordinary Corrupt Human Love”. Традиционный скрим Джорджа Кларка на “Infinite Granite” занимает примерно такую же долю, как чистый на предыдущем альбоме. Стало больше объёма и простора, необходимого для наполнения деталями. Так, теперь мы можем услышать в музыке Deafheaven даже ненавязчивый эмбиент.

Но, кажется, это пространство было необходимостью. Его необходимо было заполнить искренностью. Тексты на “Infinite Granite” не отличаются от ранних работ группы особым повествовательным языком. Напротив, абстрактность и особая, тёмная, метафоричность роднит их со всем, что Deafheaven писали раньше. Основная разница – камерность выбранных тем. В паре слов тематику альбома можно описать как “варианты ориентиров взрослеющего человека: на тех, кто старше; на тех, кто любим; на тех, кто мёртв”. Что-то подобное мы уже слышали даже на сделавшем музыкантов популярными “Sunbather”, но в более эмоционально-глобальном масштабе.

Самый главный вопрос, который стоит задавать в отношении этого альбома: “способен ли он выделиться на фоне других работ в жанре shoegaze/indie rock последних пары лет?” Иными словами – зачем его слушать?

К сожалению, на данном этапе “Infinite Granite” не может задержаться в памяти никаким образом, кроме как само событие. В нём почти нет смелости. Мелодии сливаются в один нерешительный поток. Я уверен, что спустя год мы не сможем вспомнить ни одного трека по мотиву. Вокал ритмически невыразителен, кроме тех редких моментов, когда Кларк показывает свой узнаваемый оскал. По видео на сингл “In Blur”, тем не менее, видно, что скалиться хочется чаще, что, на деле, не всегда приходится к месту.

“Infinite Granite” – это попытка группы избавиться от монументального каменного короба, скрывающего долго таившийся внутри свет. Пластинка получилась действительно светлая и объёмная, но незахватывающая и неосязаемая. Она рекомендуется к прослушиванию всем фанатам жанра, неосведомлённым о существовании группы. Deafheaven удовлетворительно справились с привычной для них динамикой и текстурностью.

С чем им справиться удалось не так хорошо, так это с осваиванием предыдущего опыта для транслирования в новый жанр. Было бы свежо – это даже визуализируется ярко. Представьте, что экстрим-вокала в два раза больше и найти его можно не только в конце треков как знак поставленной галочки “сделано!” Дело ведь не только в вокале. Заполни скрим всю продолжительность альбома – лучше бы не стало.

Представьте, что после пост-роковой размеренности, через перегруженный гул на вас обрушивается цунами бластбитов и ревущего тремоло хотя бы на 5 секунд. Deafheaven уже делали подобное, но в других масштабах и с другими приоритетами. Почему я представляю это, но не слышу? На такие решения нужно гораздо больше времени.  Думается, что группа поторопилась меняться и не продумала все возможные варианты преображений.

Странно, что “Infinite Granite” звучит как дебют талантливых независимых новичков. Ну, в этом случае, для первого раза – вполне неплохо. но от Deafheaven хочется ждать чего-то большего. Вот и подождём.

ОЦЕНКА: 5/10

Рецензия: iglooghost «Lei Line Eon» / «Lei Disk「Radio•Broadcast」» (2021)

То, что сделал Iglooghost (Шеймус Мэллиаг) в этом году заслуживает широкой огласки и большего внимания со стороны музыкального сообщества. Полноформатник “Lei Line Eon” и микстейп с закосом под radio broadcast неотделимы друг от друга. Они также неотделимы от инстаграм-аккаунта Шеймуса, его YouTube-канала и сайта leimusic.xyz. И являют собой единое художественное целое, поэтому эта рецензия посвящена всему вышеперечисленному.

С выходом “Lei Line Eon” iglooghost изменил свой подход к составлению композиций и лору своих минивселенных. К каждому прошлому альбому или EP он прикладывал сопроводительный текст – методичку понимания событий, описываемых через музыку. И подобные тексты, чаще всего, лучше музыки складывали в мозгу слушателя картинку. Потому что ни на ранних “Clear Tamei/Steel Mogu”, ни на более поздних “Neo Wax Bloom” или GLOO-коллаборационного “XYZ” не было, на самом деле, никаких связующих деталей, кроме описываемых в текстах богоподобных миниатюрных существ и их злоключений.

“Lei Line Eon” часто стремиться к распаду из-за огромного количества деталей: хрустящих глитчей, механических лязгов, целого оркестра голосов (шёпот Шеймуса, ласковый вой BABii, детский хор), резиновых синтов и каучукового, видоизменяемого баса. Но все составляющие крепко соединены стеклянной нитью нескончаемого contemporary jazz скрипичного соло. Когда осознаёшь эту особенность впервые, понимаешь, что именно эта деталь наконец-то сделала музыку iglooghost живой. Раньше тоже встречались живые инструменты, но только в виде коротких сэмплов. Они были инородны.

Сопроводительный текст теперь занимает целый сайт leimusic.xyz. Он обозначает в себе конец описываемых ранее событий. Теперь это история. Фольклор нового альтернативного мира. Текст (его очень много), по большей части, придерживается (псевдо)научно-популярного стиля и описывает работу, исследования и открытия Института Глифов. Основные результаты работы института – опознавание, категоризация и описание призываемых с помощью музыки Lei (научный термин) эфирных существ, которые формируются, собственно, из звуковых колебаний.

А мы с вами имеем возможность, получается, послушать эту самую Lei-музыку. Ощутить эти колебания. Почувствовать дыхание аудиофильных существ. Почти физически осязать их случайные прикосновения. При первом прослушивании, уже можно ощутить всё это на себе. Текст необязателен. Но его влияние в этом случае, выступает триггером для новых эмоций и трактовок.

Но и этого было недостаточно для полного контакта с параллельной вселенной. Так мы получили “Lei Line Eon”. То, с какой аккуратностью Шеймус облачил микстейп демозаписей в сценарий радиоэфира, по-хорошему восторгает и умиляет. Между треками во время монологов, диалога с приглашённым гостем из Института Глифов и ответа на сообщение слушательницы, идёт заглушённая музыкальная тема. Все голоса вплетены в музыкальное полотно, чтобы не прерывать динамику релиза. Треки из него – это либо ранее невыпущенные записи, либо ранние версии треков “Lei Line Eon”. Их невыпущенность, незавершённость, неудовлетворительность комментируется диктором. Я бы слушал подобное радио каждую среду вечером вместо научпоп-подкастов.

iglooghost в 2021 году, наверно, единственный, кто полностью абстрагируется в своём творческом амплуа от настоящей действительности, важных и неважных событий, общественной истерии, трендов и тревог. Он заменяет нашу реальность на альтернативную. Посетите его аккаунт в Instagram – мелькающая там мастерская не существует. Вещи, о которых он говорит – нереальны. События – недействительны. Его современное искусство – это кокон иррационального. Но все иррациональные явления в мире Lei-музыки имеют настолько живые и естественные описания, что на них не хочется ставить клеймо выдумки.

Я был бы готов поставить “Lei Line Eon” высшую оценку, но в этой работе есть один (довольно значительный) минус – слишком высокий уровень вхождения. Мало кто готов прочитать тонны текста, чтобы воспринимать альбом иначе. Мало кто проследит зарождение Lei-музыки на просторах интернета и найдёт все пасхалки. Мало кто прослушает весь радиоэфир без пауз и отвлечений. Но тот, кто пройдёт все вышеперечисленные этапы, сможет открыть новые способы потребления подобного мультиплатформенного искусства и откроет портал в альтернативную вселенную, где музыку можно оборачивать в форму.

ОЦЕНКА: 9/10

Детали нового альбома The World Is A Beautiful Place & I Am No Longer Afraid To Die

Команда The World Is A Beautiful Place & I Am No Longer Afraid To Die из Филадельфии сообщила, что их четвёртый лонгплей под названием “Illusory Walls” выйдет 8 октября на лейбле “Epitaph Records”. Релиз, который был вдохновлён игрой “Dark Souls”, спродюсировали фронтмен коллектива Крис Тети и музыкант Грег Томас (END, ex-Misery Signals, ex-Shai Hulud). Оформить предзаказ можно здесь.

Вместе с анонсом был выпущен и видеоклип на первый сингл “Invading The World Of The Guilty”, который можно посмотреть ниже. По звучанию трек продолжает линию коллектива по совмещению группой пост-хардкора, эмо, альтернативного рока, а также здесь появились элементы прогрессивных рока и метала. Можно смело сказать, что данная песня должна прийтись по душе поклонникам Thrice, Coheed And Cambria, The Mars Volta, Circa Survive, поздних записей Baroness и релизов Cave In, выпущенных в 00-х.

Треклист:

1. Afraid To Die
2. Queen Sophie For President
3. Invading The World Of The Guilty As A Spirit Of Vengeance
4. Blank // Drone
5. We Saw Birds Through The Hole In The Ceiling
6. Died In The Prison Of The Holy Office
7. Your Brain Is A Rubbermaid
8. Blank // Worker
9. Trouble
10. Infinite Josh
11. Fewer Afraid

Обложка:

Limp Bizkit включили новый трек «Dad Vibes» на «Lollapalooza»

В конце июля американская ню-метал-команда Limp Bizkit начала свой тур, представив в конце своего сета новый хип-хоп-трек, посмотреть и послушать можно здесь. Выступая 1 августа на фестивале “Lollapalooza” они включили в конце своего выступления ещё одну новинку под названием “Dad Vibes”, предварительно подтвердив, что это трек из их нового альбома.

Напомним, что группа уже 10 лет работает над новым альбомом и, по словам гитариста Уэса Борланда, задержка связана с тем, что Фред Дёрст постоянно недоволен своими вокальными партиями.

Послушать “Dad Vibes”, вырезанный из сета:

Что касается сетлиста, помимо песен коллектива, то обошлось без сюрпризов. Они поставили отрывок хита DMX “Party Up”, чтобы почтить память рэпера, который умер в апреле этого года (20 лет назад он участвовал в ремиксе на “Rollin'”), играли части кавер-версий на Ministry “Thieves” и Metallica “Master Of Puppets”. В конце сета Дёрст спустился к публике и раздал посетителям бесплатные футболки. Посмотреть весь лайвстрим можно ниже.

Papa Roach выпустили коллаб с FEVER 333 и Sueco

Известные американские рэп-рокеры Papa Roach представили новый трек “Swerve” на шоу BBC Radio 1 “Rock Show With Daniel P Carter”. Трек оказался коллаборацией с Джейсоном Батлером из FEVER 333 и молодым рэп-исполнителем Sueco (ранее был известен под именем Sueco The Child). Песня войдёт в одиннадцатый альбом группы, который должен выйти в 2022 году.

Фронтмен Papa Roach Джекоби Шэддикс сказал про коллаборацию следующее:

Этот трек появился в самом конце процесса написания нашего грядущего альбома и действительно кажется кульминацией многих лет наших экспериментов со звуком, возвращающихся к новой версии Papa Roach. Мы начинаем эту новую главу нашей карьеры с трека следующего уровня и даже не могли представить, что сможем сделать это с кем-либо, кроме Джейсона и Sueco.

Джейсон Батлер из FEVER 333 также прокомментировал сотрудничество:

Я уже говорил об этом и повторю ещё раз – эта группа каким-то образом сумела создать наследие и оставаться актуальной одновременно. Так что, естественно, когда меня позвали запрыгнуть на этот трек, то вопросов не возникло. Когда Sueco делает своё дело, то в треке появляются три разных вида флюидов, которые работают вместе. Это дерьмо отличается, и это именно то, что нужно року. Больше разного дерьма. Спасибо этим современным легендам за то, что они сделали это возможным.

Послушать “Swerve” и посмотреть видеоклип к нему.

Slipknot выпустили трибьют-видео Джоуи Джордисону

Музыканты ню-метал-группы Slipknot почтили память своего бывшего барабанщика Джоуи Джордисона, который умер 26 июля, выпустив трибьют-видео. В нём содержаться домашние, студийные и концертные съёмки, а также фото и отрывки разных интервью. Некоторые из материалов нигде ранее не публиковались. Участники группы сопроводили видео следующим сообщением:

Мы искренне сочувствуем семье и близким Джоуи во время огромной утраты. Искусство, талант и дух Джоуи Джордисона невозможно было сдержать или остановить. Влияние Джоуи на Slipknot, на нашу жизнь и на музыку, которую он любил, не поддаётся оценке. Без него не было бы нас. Мы оплакиваем его потерю со всей семьей Slipknot. Мы любим тебя, Джоуи.

Напомним, что пути Джоуи и Slipknot, одним из основателей которых он был, разошлись в 2013 году. После этого он занимался своими проектами Scar The Martyr, VIMIC и играл в блэк-метал-супергруппе Sinsaenum.

Джордисон умер 26 июля во сне в своём доме в США в возрасте 46 лет. С 2010 года он страдал острым поперечным миелитом – редким неврологическим заболеванием, одним из симптомов которого является воспаление спинного мозга.