Рецензия: Lou Reed & Metallica «Lulu» (2011)

Есть мнение, что вещи могут восприниматься иначе спустя некоторое время. В музыкальной индустрии не принято пересматривать мнение о релизах. Особенно о худших альбомах исполнителей, признанных лучшими в своём ремесле. Совместная работа Metallica и основателя The Velvet Underground – “Lulu” – всеми забытая неудача. Этот альбом не включён в официальные дискографии музыкантов. Складывается ощущение, что “Lulu” решили вычеркнуть из истории. Мне видится в этом некоторая закономерность и несправедливость. Кто сказал, что неудачи надо замалчивать? Из ошибок нужно делать выводы. Поэтому давайте разбираться.

Перед чтением предлагаю ознакомиться с некоторыми рецензиям “Lulu”:

Pitchfork | BBC | Anthony Fantano | The Guardian | The Wire

На агрегаторе Metacritic красуется оценка 45/100. Мнения об альбоме варьировались от уничтожительных и снисходительных до умеренно-положительных и восторженных (я нашёл одно – в нём фанат поставил виртуальный экран в своей голове, который изолировал всё, за что отвечал Лу Рид). Такой разброс говорит нам о неопределённом положении “Lulu”. Усреднённая оценка в этом случае не может говорить о среднем качестве продукта. Всё-таки альбом получился слишком незаурядным и нестандартным для его сравнения с чем-либо ещё. Об этой позиции говорит и жанровая принадлежность альбома – авангардный метал. Такую характеристику придумал не Лу Рид и не члены треш-метал группы. Этот ярлык повесили озадаченные критики и ошеломлённые слушатели.

А что такое авангардный метал? Это и некоторые альбомы Джона Зорна и тяготеющие к эстетике дарк кабаре проекты Тодда Смита и сумасбродные карикатурные работы Майка Паттона, наполненные буффонадой и оккультизмом. Можно сказать, что авангард-метал – это всё, что не подпадает под другие жанровые категории. Иными словами, “Lulu” – не тот случай. Сейчас я готов отнести неопознанное творение к spoken word, если вспомнить, чем изначально является этот жанр, а именно – художественной декламацией – зачитыванием художественного текста под любой аккомпанемент. Слово “любой” исключает собой наши представления о правильных и неправильных (ожидаемых и неожиданных) аранжировках в этой форме. Это исключение подтверждает недавний релиз фронтмена Daughters Алексиса Маршалла – “House Of Lull . House Of When”, в котором аккомпанементом выступает, по большей части, упорядоченный шум. С этого момента мы можем забыть о том, кто занимался музыкальной составляющей “Lulu” и что она из себя представляет.

Забыть – не означает обесценить. Гитары Хэтфилда и Хэмметта легко узнаются и в то же время поддаются нездоровой атмосфере, царящей в лирике. Риффы зацикливаются, отказываются развиваться, чтобы лишний раз не напоминать об основных альбомах группы. В самые тревожные моменты гитаристы отбрасывают структурность в сторону, чтобы вылить немного размытого, приглушённого флуда. Ударные соло Ларса Ульриха на этом альбоме – сильнейший акцентный, выразительный инструмент. В нужные моменты именно барабаны будут поддерживать слушателя, чтобы он не остался один на один с непрофессионально произнесённой отвратительностью, наполняющей текст. Учитывая устоявшиеся исполнительские привычки музыкантов, ими была проделана неплохая (но отнюдь не похвальная) работа по созданию уникальной картины. Старания и увлечённость определённо слышатся. Единственное, что останавливает от непредвзятой оценки музыкальной составляющей – это наследие прошлых работ. Остаётся непонятным, зачем членам группы необходимо было упоминания Metallica в авторстве релиза. Можно было оставить имена музыкантов – этого было бы достаточно для того, чтобы оставить ещё один след.

Но насчёт музыки можно не думать, при прослушивании “Lulu”. На самом деле про неё и невозможно думать. Словоизвлечение Лу Рида перекрывает всё хорошее, что можно услышать на этой работе. Но всё должно быть иначе! При прослушивании чего-то сконцентрированного на словах, интонациях, манере и харизматичности вы можете забыть о музыке ввиду её фоновой функции. Она может потеряться в силе голоса. В случае с “Lulu” слушатель скорее захочет выкинуть здешние монологи и оставить только одинокий инструментал даже если он проходной.

Теперь можно переходить к той вещи, из-за которой этот альбом необходимо прятать от морально неокрепших детей, беременных женщин и вообще ото обывателей. Самый главный элемент релиза – повествование. Взятая за основу трагедия-дилогия Ф. Ведекинда о падшей девушке Лулу и её нездоровом понимании любви и счастья должна была, в претенциозном переосмыслении Рида, вывести исполнителей в сферу музыки как искусства из сферы исключительного интертейнмента. В своё время дилогия немецкого поэта наделала определённого шума и стала причиной скандалов. Сначала в форме текста и потом в виде многочисленных постановок. Но даже там не было столько грязи, сколько появилось в ходе интерпретаций Рида. О перечисляемых в лирике мерзостях нет смысла говорить, потому что они существуют только как шок-контент, который, к слову, работает не так хорошо, как их аудиальное воспроизведение. Лу Рид в “Lulu” продемонстрировал немыслимую бесталанность, невыразительность и невнятность.

Как можно было не попасть в эмоцию, написанную тобой в тексте? Как можно так неумело делать вид, что ты поёшь, в то время, как у тебя действительно есть индивидуальные (хоть и не идеальные) вокальные данные и огромный опыт? Напускная сила и напор почему-то обернулись безразличием. Иначе как разочарованием работу Рида назвать нельзя. Разочарует она, в первую очередь, из-за того, что Лу позволял себе эксперименты и до 2011 года и в предшествующих случаях получалось намного лучше. И spoken word, ведь, тоже уже был! Выразительный, живописный и изобретательный “The Raven”, основанный на трудах Эдгара Аллана По. На момент написания этого предложения я послушал “Lulu” уже 9 раз (мне нужна помощь) и успел сложить мнение, почему я не могу сказать ничего положительного об исполнении Рида на этой пластинке. На тот момент у него могло не быть необходимой энергии и мотивации для записи на должном уровне. В год написания альбома у него уже были серьёзные проблемы со здоровьем. Идею “Lulu” музыкант вынашивал уже достаточно долго к тому времени. Потом началось долгое обсуждение проекта с членами Metallica в течение двух лет. Плюс год написания материала. На это нужно слишком много сил и времени. У Рида не было ни того ни другого. Может не стоило записывать “Lulu”? Превозмогание и спешка – не лучшие инструменты для создания качественного продукта.  Как считали сами музыканты – стоило.

В ответах на многочисленную критику создатели “Lulu” говорили о том, что этот альбом был записан для них, а не для нас. Так оно и есть. Metallica единственный раз за свою карьеру поучаствовали в настоящем эксперименте, а Лу Рид воплотил в жизнь свою давнюю мечту – закрыл гештальт, так сказать. Не сделай они этого в 2011-ом – не сделали бы никогда. Значит им не стоило его выпускать. Нет возможности послушать – нет негативной критики и разочарования. Так?

Не так. Самые главные проблемы этого альбома даже не зависят от его качества. Они не зависят от музыки, таланта и подачи. Это позиционирование, промоутинг и способ потребления этой работы. Это не альбом для масс. Обычный слушатель или фанат исполнителей отсеялся уже к третьему треку, если верить статистике прослушиваний. В рекламной компании не было ни слова о том, чем на деле является альбом. Единственный вышедший сингл даже нельзя назвать показательным. “Lulu” был выпущен в стандартн(ом/ой) формате/последовательности: Обложка; Тизер; Сингл; Тексты на сайте; Релиз. Но слушать его как обычную пластинку попросту невозможно. Он не переваривается. Другого традиционного формата не было и нет до сих пор. Мы можем привести пару примеров эксклюзивных демонстраций альбомов перед выпуском или совмещения плейлиста релизов с модными показами или выставками произведений искусств. Но самостоятельно музыка перестала быть произведением, для которого необходимо готовится. Кажется, для подобных работ необходим новый подход к потреблению аудиального искусства. Такой подход, который избавит некоторые современные музыкальные произведения от необходимости их оформления в стандартных системах оценивания и приведёт некоторые, нуждающиеся в этом, работы к былой уникальной позиции искусства с присущей ей готовностью к безжалостной критике и пытливым поиском вещей внутри.

Руководствуясь правилом “критикуешь – предлагай”, я нашёл один из таких способов потребления. Не надо выпускать альбом на физических носителях и в стриминге. Не надо рекламировать его для всех. Нужен большой павильон, состоящий из нескольких залов. Первый отведён под подготовку к прослушиванию. Второй раскрывает историю, референсы, отсылки, ограниченные факты о произведении и т.д. Третий – для прослушивания треков с комментариями от авторов. Подобные мероприятия, пожалуй, будут недоступны для всех и каждого. Покупая билет на презентацию такого вида, вы будете готовы к потреблению чего-то индивидуального и временного. Это освобождает музыкальное произведение от ненужных сравнений, категоризации и необходимости в общепринятом поэтапном оценивании. Даже негативные эмоции от итогового результата, в таком случае, не отменят ощущение событийности всего мероприятия и общего, полученного от презентации, опыта. Призываю вас к мысленному изобретению других способов потребления!

В конце рецензий принято выставлять оценку. Некоторые издания и независимые музыкальные журналисты оценили “Lulu” в 1/10 – редчайшая минимальная оценка. Мой вердикт в знак протеста против универсальности систем оценивания:

ОЦЕНКА: NIHIL/10

Рецензия: Trophy Scars «Astral Pariah» (2021)

Колоритная группа из Морристауна никогда не была особо популярна. Блюз, тяжёлые гитары, пропитая хрипотца и повествование от лица несчастных маргиналов. Это будет интересно только тем, кто готов воспринимать неоднозначную подачу, неидеальное звучание и неприятные сюжеты без того, чтобы вешать на музыкантов ярлык “неприемлемо”.  В России такую нишу занимают Бранимир, Аффинаж и их сайд-проект – Быдлоцыкл, всевозможные постбарды, погрязшие в “чернухе” рэперы и независимые рок-музыканты, которых слишком долго перечислять. Кто-то из них вдохновляется фольклорными сюжетами, кто-то нищенской действительностью, а кто-то славянской мифологией. Говоря короче – в богатой культуре нашей родины достаточно много тёмных пятен, чтобы из них создавать продукт. Если вы знакомы с подобными исполнителями, то точно поймёте, чем именно занимаются Trophy Scars в рамках культуры своей страны.

“Astral Pariah” переносит слушателя в одно из самых тёмных времён и локаций в истории Соединённых Штатов – на Старый Запад. Это с первых минут сказывается на звучании альбома. Привычными локациями на предыдущих релизах группы были современные трущобы, грязные бары с не менее грязными задними дворами и заброшенные дома, в которых обосновались бездомные. Теперь мы можем услышать салунные скрипки и пианино, а к блюз-пост-хардкор основе примешались дарк кабаре и аутло-кантри.

По первым впечатлениям это естественно впечатляет.  От здешнего не вылизанного звука отдаёт тюремным этапом в творчестве Джонни Кэша и вестернами категории “B”. Но, в это же время, на поверхность всплывает главный минус “Astral Pariah” – провисающий, несбалансированный мастеринг. Чистый вокал иногда глушится стеной инструментала. Булькающий харш неразборчив. Соло-гитара, выдающая тягучий блюз почему-то стоит в стороне вместе с клавишными. Основной мотив перебивает интересные аранжировки. Одним словом – грязь.

Это слово характеризует и лирику “Astral Pariah”. Альбом повествует о жизни одной семьи в те суровые времена. 12 детей, мать и отец. Отец решил вырезать весь свой род. Мать видит надежду только в постепенно погибающих детях. Сыновья должны доказывать, что они мужчины (так, как это видит отец). Дочь слишком рано становится женщиной. Смерть, выживание, страх, кровосмешение и безумие. Этот релиз точно не подойдёт для обряда музыкального эскапизма. Джерри Джонс точно знает, как красиво описать ужасное. Именно поэтому не сразу хочешь верить в заложенную историю.

Вообще говоря, подобные релизы в частности и творчество “тёмных” исполнителей, подобных Trophy Scars, в целом рассчитаны на определённую, подготовленную аудиторию. Неуютная атмосфера, непрофессиональное звучание и пугающая подача – вот что может оттолкнуть нового слушателя. Но есть одно «но». Подобным группам не очень нужен новый слушатель. Они не гонятся за качеством в угоду масс. Не думаю, что доведётся написать о прошлогоднем альбоме Льва Печеньева, но он ярко олицетворяет то, что я хочу сказать. Отвратная лирика, аффективная музыка и гнилой внутренний мир, от которого хочется держаться подальше. Включите его “эстету” и вас заклеймят мусорщиком. Но подобная музыка может и должна выворачивать душу наизнанку как хороший триллер, как фильмы Фон Триера и Быкова. Я считаю, что правильно будет оценить “Astral Pariah” исходя из этого.

И здесь стоит сказать о том неудовлетворяющем контрасте, который поселился на пластинке. Музыка не передаёт то, что творится в тексте. Джерри Джонс отыгрывает желтоглазое, пьяное безумие на все сто баллов в то время, как в инструментальной составляющей происходит штамповка культурных аудио-клише. Здесь только не хватает задорного банджо с криком Вильгельма. Мешает ли это проникаться трагичной историей описанной семьи? Да, однозначно. Временами на альбоме можно услышать правильное совмещение музыки и текста (“Astral Pariah”, “Father (Part II)”, “Cosmic Suicide”), но слишком редко для такого короткого альбома. Итог: не поймите неправильно, но после “Astral Pariah” недостаточно больно. Не хватает накала.

ОЦЕНКА: 6/10

Рецензия: Turnstile «GLOW ON» (2021)

Думаю, обзор долгожданного нового альбома Turnstile нужно начать с небольшой предыстории. Группа появилась в начале прошлого десятилетия, как сайд-проект барабанщика влиятельной хардкор-команды Trapped Under Ice Брендана Йетса. TUI тогда хоть ещё и были активны, но уже не так, как того бы хотелось некоторым участникам, так что именно в то время они стали заниматься сторонними проектами. Так что поначалу “Турникет” были просто творческой отдушиной Брендана, который внезапно оказался крутым фронтменом и сонграйтером, и состоял из его друзей из локальных команд разного уровня известности (Франц, например, вообще не умел играть на басу, когда его пригласили в состав). Первые записи команды отдавали дань уважения NY-хардкору и кроссовер-трэшу и были довольно угловатыми, но нескончаемая харизма и бешеная концертная энергетика парней сделали им имя и заслуженных поклонников.

Но вместо того, чтобы идти проторенной дорожкой “уважаемой хардкор-команды” они уже на дебютнике “Nonstop Feeling” начали экспериментировать со звуком, добавив элементы ранних рэп-рока и фанк-метала, вызывая ассоциации с ранними релизами Red Hot Chili Peppers и 311, а где-то даже засталяя вспонить про энергетику молодых Beastie Boys. Правда позже оказалось, что самое интересное было впереди. Вышедший в начале 2018 года “Time & Space” впустил в ДНК группы альт-метал, психоделию, гранж и даже стадионный рок. Так зачем слушать этот замес из жанров, можете подумать вы?

Ответ прост: “GLOW ON” – это хардкор-панк для всей семьи. Я не шучу и кривлю душой. Я даже слушал альбом со своим 9-летним сыном, чтобы проверить это утверждение, и он сказал, что ему нравится. В этом и есть главная прелесть данной записи. Она подойдёт как искушённым поклонникам жанра, так и тем, кто не имеет к нему вообще никакого отношения. После релиза было очень много отзывов о том, что люди оценили группу именно после него и этому вы можете верить на сто процентов. Ну и, конечно, промокампания к релизу заслуживает внимания. За два месяца до релиза вышла ипишка “LOVE CONNECTION”, к которой Брендан срежиссировал короткометражку/клип, в которой можно было послушать все четыре трека вместе со стильным визуалом. Два альбомных сингла были также поданы с клипами, но, даже несмотря на всё это, было сложно представить, что всех ждёт на альбоме.

Ждало, надо сказать, даже больше, чем мы все мечтали получить. Третий альбом Turnstile – это путешествие, в котором даже не хочется выделять отдельные песни, настолько увлекательно и цельно он звучит. В этом, во многом, заслуга креативного сонграйтинга, который сохраняя во главе дух того самого NY-хардкора добавляет в него всего понемногу. Если всё же попытаться описать референсы, то вы можете представить себе, как звучал бы совместный альбом Leeway, Quicksand, Snapcase и Jane’s Addiction. Последние – вообще самое очевидное сравнение для этого альбома, так именно их рукам в конце 80-х/начале 90-х принадлежало сращивание тяжёлых гитарных риффов с атмосферой психоделического рока и прочих диких штук, не ложащихся в привычные каноны.

Уже после открывающего альбом арена-альт-рока “MYSTERY” вас вряд ли отпустит хоть на секунду и следующие полчаса вы будете получать истинное удовольствие от прослушивания. Подпоёте простому хуку в прямолинейном “HOLIDAY”, качнётесь под сумасшедшие перкуссии в психоделическом панк-бэнгере “BLACKOUT”, удивитесь безумному сочетанию жанров в “NEW HEART DESIGN”. В конце концов, порадуетесь внезапным коллабам с артистом Blood Orange – “ALIEN LOVE CALL” целиком отдан под лощёный звук 80-х, балансируя где-то между нежнейшим р’н’б и софт-роком.

Повторюсь, то, как они работают со стилями – самое интересное, потому что положить под хардкор-грувы зажигательные латинские ритмы, залить это всё реверберацией и спеть при этом чистым вокалом запоминающийся хук – ну знаете… такое не каждый вывезет. В рамках прослушивания вы поймаете себя на мысли, что слышите что-то от пост-панка, шугейза и даже дрим-попа. Вне всякого сомнения, большую заслугу в том, как всё это звучит вместе имеет Майк Элизондо. Будучи заслуженным поп- и рэп-продюсером он чётко знает, чем должен цеплять звук (хотя в его послужном списке, конечно же, есть и Mastodon и Muse). Его грамотный продакшн позволяет записи звучать максимально целенаправленно и не разваливаться на отдельные кусочки; оставаться тяжёлым альбомом, который, тем не менее, доступен буквально каждому.

Я не припомню ещё одного такого альбома в жанре, для которого не нужно никакой предварительной подготовки. Альбома, который дебютирует на 30 месте чарта “Billboard 200”, вытесняя рэперов и поп-музыкантов. Альбома, который приведёт в эту сцену новых слушателей и молодых ребят, которые потом соберут свои группы. Можно сколько угодно пытаться найти в нём минусы и вы их найдёте, но мне совсем не хочется, поэтому…

ОЦЕНКА: 10/10

Кори Тейлор из Slipknot выступил в новой маске

Кори Тейлор представил свою новую маску на первом концерте Slipknot после перерыва, связанного с пандемией COVID-19. Группа выступила 4 сентября на фестивале “Rocklahoma” в Прайоре, штат Оклахома.

Ранее Тейлор рассказывал о данной маске в майском интервью Lazer 103.3:

… Я могу сказать, что маска, над которой я работаю, очень волнующая и тревожная. На неё будет буквально трудно смотреть. И, наверное, это будет моя любимая маска, которую я когда-либо создавал. Меня заинтриговали мелкие детали и части масок, которые были у меня в прошлом. И в ней будет много безрассудного ужаса, скажем так.

Оцениваем новый лук фронтмена:

Рецензия: Between The Buried And Me «Colors II» (2021)

Зачем выпускать продолжение альбома, который вышел 14 лет назад? На самом деле ответ есть. Вышедший в 2007 году “Colors” вдохновляет. Он в своё время стал по-настоящему прорывным для группы. Именно на этом альбоме появились все присущие Between The Buried And Me черты: организованные массивы из протяжённых чрезмерно сложных риффов; похвальная комбинация из чистого и экстремального вокала; прог-роковые клавишные; частые вкрапления авангардных мультижанровых интерлюдий и сторителлинг через лирику. Ничего за прошедшие с тех пор 14 лет не изменилось. Кажется, что и сама группа это понимает.

Теперь, если вы хотите узнать полную историю о городе (человечестве), поглощающем красочный окружающий и внутренний мир, вам придётся послушать целых два альбома общей продолжительностью более двух часов. “Colors II”, как ни странно, просто необходимо слушать неотрывно от первой части. Сиквел начинается там-же, где всё и закончилось. Во время рефлексии на тему связи музыканта и слушателя (производителя и потребителя). Хочется отдать группе должное – они ловко ухватили настроение приквела. Разрыва не ощущается.

Для тех, кто пришёл сюда не за повествованием, а за разрывом мягких поверхностей лица от непростительно сбивающего с ног звука, есть чем себя побаловать на этом альбоме. Как и всегда, вы даже не успеете понять, что происходит. В музыке BTBAM настолько много деталей, что иногда начинает рябить. Хоровое пение, синтезатор, сэмплы мультипликационной буффонады, шумы, крики, болтовня в баре. Это всё идёт параллельно с нескончаемым режущим потоком гитарного гения и ударной самоотдачи. Ничего. Нового.

Даже недостатки остаются прежними. Группе не удаётся создавать разнящуюся из альбома в альбом атмосферу. Она же должна зависеть от содержания. Но из-за огромного количества контрастирующих между собой отрезков, картинка, зачастую, рисуется невнятная. Но качество от этого не страдает.

В этом заключается душная правда о всём, что команда выпускает в последнее время. Это слишком хорошо. Это всегда было слишком хорошо. Between The Buried And Me достигли такого уровня уже в 2007 году и постепенно применяли его к разным сторонам своего творчества. На таком уровне ничего не остаётся, кроме как искать вдохновение, придумывать истории и способы их рассказать. Иногда получается посвежее, как “Coma Ecliptic”. А иногда затхло и беспорядочно, как в случае с дилогией “Automata”.

Так зачем выпускать продолжение альбома, который вышел 14 лет назад? Ответ заключается в поиске вдохновения. В первой части “Colors” было достаточно исходных данных для написания продолжения. BTBAM в 2020 году даже выпустили переиздание самой значимой своей пластинки. Группе хватило только вспомнить об их magnum opus, чтобы увеличить его вдвое. Не думаю, что в 2007 году планировался сиквел. Но есть основания резюмировать, что он удался.

Остаётся вопрос: “зачем вам это слушать?” Группа себя не переплюнула. И я не думаю, что она это сделает без значительных фундаментальных изменений своего творчества (это и не нужно). Что более важно – их тоже никто не переплюнул. Ни вдохновляющиеся ими Ghost Iris, ни фанатеющие от них Destrage (и та, и другая ушли уже куда-то совсем не туда), ни кто-либо ещё. Именно поэтому нельзя упускать возможности прикоснуться к уникальному всеуничтожающему прекрасному.

ОЦЕНКА: 8/10

Рецензия: Deafheaven «Infinite Granite» (2021)

Ничего удивительного в облегчении звучания Deafheaven, естественно, нет. Предпосылки к этому изменению (апгрейду / даунгрейду – нужное подчеркнуть) были достаточно очевидны на прошлом лонгплее “Ordinary Corrupt Human Love”, где чистый вокал занимал полтора трека. Этого не так мало, чтобы намекнуть на грядущее. Но есть кое-что не столь очевидное в предыдущих работах пионеров блэкгейза – подобная освящённая лёгкость всегда находила себе лазейку в стене грохота и гитарного рёва, которые заполняли большую часть их треков.

“Infinite Granite” не изменяет качество или характер звучания Deafheaven. Он иначе расставляет приоритеты. По сути – это вывернутый наизнанку “Ordinary Corrupt Human Love”. Традиционный скрим Джорджа Кларка на “Infinite Granite” занимает примерно такую же долю, как чистый на предыдущем альбоме. Стало больше объёма и простора, необходимого для наполнения деталями. Так, теперь мы можем услышать в музыке Deafheaven даже ненавязчивый эмбиент.

Но, кажется, это пространство было необходимостью. Его необходимо было заполнить искренностью. Тексты на “Infinite Granite” не отличаются от ранних работ группы особым повествовательным языком. Напротив, абстрактность и особая, тёмная, метафоричность роднит их со всем, что Deafheaven писали раньше. Основная разница – камерность выбранных тем. В паре слов тематику альбома можно описать как “варианты ориентиров взрослеющего человека: на тех, кто старше; на тех, кто любим; на тех, кто мёртв”. Что-то подобное мы уже слышали даже на сделавшем музыкантов популярными “Sunbather”, но в более эмоционально-глобальном масштабе.

Самый главный вопрос, который стоит задавать в отношении этого альбома: “способен ли он выделиться на фоне других работ в жанре shoegaze/indie rock последних пары лет?” Иными словами – зачем его слушать?

К сожалению, на данном этапе “Infinite Granite” не может задержаться в памяти никаким образом, кроме как само событие. В нём почти нет смелости. Мелодии сливаются в один нерешительный поток. Я уверен, что спустя год мы не сможем вспомнить ни одного трека по мотиву. Вокал ритмически невыразителен, кроме тех редких моментов, когда Кларк показывает свой узнаваемый оскал. По видео на сингл “In Blur”, тем не менее, видно, что скалиться хочется чаще, что, на деле, не всегда приходится к месту.

“Infinite Granite” – это попытка группы избавиться от монументального каменного короба, скрывающего долго таившийся внутри свет. Пластинка получилась действительно светлая и объёмная, но незахватывающая и неосязаемая. Она рекомендуется к прослушиванию всем фанатам жанра, неосведомлённым о существовании группы. Deafheaven удовлетворительно справились с привычной для них динамикой и текстурностью.

С чем им справиться удалось не так хорошо, так это с осваиванием предыдущего опыта для транслирования в новый жанр. Было бы свежо – это даже визуализируется ярко. Представьте, что экстрим-вокала в два раза больше и найти его можно не только в конце треков как знак поставленной галочки “сделано!” Дело ведь не только в вокале. Заполни скрим всю продолжительность альбома – лучше бы не стало.

Представьте, что после пост-роковой размеренности, через перегруженный гул на вас обрушивается цунами бластбитов и ревущего тремоло хотя бы на 5 секунд. Deafheaven уже делали подобное, но в других масштабах и с другими приоритетами. Почему я представляю это, но не слышу? На такие решения нужно гораздо больше времени.  Думается, что группа поторопилась меняться и не продумала все возможные варианты преображений.

Странно, что “Infinite Granite” звучит как дебют талантливых независимых новичков. Ну, в этом случае, для первого раза – вполне неплохо. но от Deafheaven хочется ждать чего-то большего. Вот и подождём.

ОЦЕНКА: 5/10

Детали нового альбома The World Is A Beautiful Place & I Am No Longer Afraid To Die

Команда The World Is A Beautiful Place & I Am No Longer Afraid To Die из Филадельфии сообщила, что их четвёртый лонгплей под названием “Illusory Walls” выйдет 8 октября на лейбле “Epitaph Records”. Релиз, который был вдохновлён игрой “Dark Souls”, спродюсировали фронтмен коллектива Крис Тети и музыкант Грег Томас (END, ex-Misery Signals, ex-Shai Hulud). Оформить предзаказ можно здесь.

Вместе с анонсом был выпущен и видеоклип на первый сингл “Invading The World Of The Guilty”, который можно посмотреть ниже. По звучанию трек продолжает линию коллектива по совмещению группой пост-хардкора, эмо, альтернативного рока, а также здесь появились элементы прогрессивных рока и метала. Можно смело сказать, что данная песня должна прийтись по душе поклонникам Thrice, Coheed And Cambria, The Mars Volta, Circa Survive, поздних записей Baroness и релизов Cave In, выпущенных в 00-х.

Треклист:

1. Afraid To Die
2. Queen Sophie For President
3. Invading The World Of The Guilty As A Spirit Of Vengeance
4. Blank // Drone
5. We Saw Birds Through The Hole In The Ceiling
6. Died In The Prison Of The Holy Office
7. Your Brain Is A Rubbermaid
8. Blank // Worker
9. Trouble
10. Infinite Josh
11. Fewer Afraid

Обложка:

Limp Bizkit включили новый трек «Dad Vibes» на «Lollapalooza»

В конце июля американская ню-метал-команда Limp Bizkit начала свой тур, представив в конце своего сета новый хип-хоп-трек, посмотреть и послушать можно здесь. Выступая 1 августа на фестивале “Lollapalooza” они включили в конце своего выступления ещё одну новинку под названием “Dad Vibes”, предварительно подтвердив, что это трек из их нового альбома.

Напомним, что группа уже 10 лет работает над новым альбомом и, по словам гитариста Уэса Борланда, задержка связана с тем, что Фред Дёрст постоянно недоволен своими вокальными партиями.

Послушать “Dad Vibes”, вырезанный из сета:

Что касается сетлиста, помимо песен коллектива, то обошлось без сюрпризов. Они поставили отрывок хита DMX “Party Up”, чтобы почтить память рэпера, который умер в апреле этого года (20 лет назад он участвовал в ремиксе на “Rollin'”), играли части кавер-версий на Ministry “Thieves” и Metallica “Master Of Puppets”. В конце сета Дёрст спустился к публике и раздал посетителям бесплатные футболки. Посмотреть весь лайвстрим можно ниже.

Papa Roach выпустили коллаб с FEVER 333 и Sueco

Известные американские рэп-рокеры Papa Roach представили новый трек “Swerve” на шоу BBC Radio 1 “Rock Show With Daniel P Carter”. Трек оказался коллаборацией с Джейсоном Батлером из FEVER 333 и молодым рэп-исполнителем Sueco (ранее был известен под именем Sueco The Child). Песня войдёт в одиннадцатый альбом группы, который должен выйти в 2022 году.

Фронтмен Papa Roach Джекоби Шэддикс сказал про коллаборацию следующее:

Этот трек появился в самом конце процесса написания нашего грядущего альбома и действительно кажется кульминацией многих лет наших экспериментов со звуком, возвращающихся к новой версии Papa Roach. Мы начинаем эту новую главу нашей карьеры с трека следующего уровня и даже не могли представить, что сможем сделать это с кем-либо, кроме Джейсона и Sueco.

Джейсон Батлер из FEVER 333 также прокомментировал сотрудничество:

Я уже говорил об этом и повторю ещё раз – эта группа каким-то образом сумела создать наследие и оставаться актуальной одновременно. Так что, естественно, когда меня позвали запрыгнуть на этот трек, то вопросов не возникло. Когда Sueco делает своё дело, то в треке появляются три разных вида флюидов, которые работают вместе. Это дерьмо отличается, и это именно то, что нужно року. Больше разного дерьма. Спасибо этим современным легендам за то, что они сделали это возможным.

Послушать “Swerve” и посмотреть видеоклип к нему.

Slipknot выпустили трибьют-видео Джоуи Джордисону

Музыканты ню-метал-группы Slipknot почтили память своего бывшего барабанщика Джоуи Джордисона, который умер 26 июля, выпустив трибьют-видео. В нём содержаться домашние, студийные и концертные съёмки, а также фото и отрывки разных интервью. Некоторые из материалов нигде ранее не публиковались. Участники группы сопроводили видео следующим сообщением:

Мы искренне сочувствуем семье и близким Джоуи во время огромной утраты. Искусство, талант и дух Джоуи Джордисона невозможно было сдержать или остановить. Влияние Джоуи на Slipknot, на нашу жизнь и на музыку, которую он любил, не поддаётся оценке. Без него не было бы нас. Мы оплакиваем его потерю со всей семьей Slipknot. Мы любим тебя, Джоуи.

Напомним, что пути Джоуи и Slipknot, одним из основателей которых он был, разошлись в 2013 году. После этого он занимался своими проектами Scar The Martyr, VIMIC и играл в блэк-метал-супергруппе Sinsaenum.

Джордисон умер 26 июля во сне в своём доме в США в возрасте 46 лет. С 2010 года он страдал острым поперечным миелитом – редким неврологическим заболеванием, одним из симптомов которого является воспаление спинного мозга.