Рецензия: Lou Reed & Metallica «Lulu» (2011)

Есть мнение, что вещи могут восприниматься иначе спустя некоторое время. В музыкальной индустрии не принято пересматривать мнение о релизах. Особенно о худших альбомах исполнителей, признанных лучшими в своём ремесле. Совместная работа Metallica и основателя The Velvet Underground – “Lulu” – всеми забытая неудача. Этот альбом не включён в официальные дискографии музыкантов. Складывается ощущение, что “Lulu” решили вычеркнуть из истории. Мне видится в этом некоторая закономерность и несправедливость. Кто сказал, что неудачи надо замалчивать? Из ошибок нужно делать выводы. Поэтому давайте разбираться.

Перед чтением предлагаю ознакомиться с некоторыми рецензиям “Lulu”:

Pitchfork | BBC | Anthony Fantano | The Guardian | The Wire

На агрегаторе Metacritic красуется оценка 45/100. Мнения об альбоме варьировались от уничтожительных и снисходительных до умеренно-положительных и восторженных (я нашёл одно – в нём фанат поставил виртуальный экран в своей голове, который изолировал всё, за что отвечал Лу Рид). Такой разброс говорит нам о неопределённом положении “Lulu”. Усреднённая оценка в этом случае не может говорить о среднем качестве продукта. Всё-таки альбом получился слишком незаурядным и нестандартным для его сравнения с чем-либо ещё. Об этой позиции говорит и жанровая принадлежность альбома – авангардный метал. Такую характеристику придумал не Лу Рид и не члены треш-метал группы. Этот ярлык повесили озадаченные критики и ошеломлённые слушатели.

А что такое авангардный метал? Это и некоторые альбомы Джона Зорна и тяготеющие к эстетике дарк кабаре проекты Тодда Смита и сумасбродные карикатурные работы Майка Паттона, наполненные буффонадой и оккультизмом. Можно сказать, что авангард-метал – это всё, что не подпадает под другие жанровые категории. Иными словами, “Lulu” – не тот случай. Сейчас я готов отнести неопознанное творение к spoken word, если вспомнить, чем изначально является этот жанр, а именно – художественной декламацией – зачитыванием художественного текста под любой аккомпанемент. Слово “любой” исключает собой наши представления о правильных и неправильных (ожидаемых и неожиданных) аранжировках в этой форме. Это исключение подтверждает недавний релиз фронтмена Daughters Алексиса Маршалла – “House Of Lull . House Of When”, в котором аккомпанементом выступает, по большей части, упорядоченный шум. С этого момента мы можем забыть о том, кто занимался музыкальной составляющей “Lulu” и что она из себя представляет.

Забыть – не означает обесценить. Гитары Хэтфилда и Хэмметта легко узнаются и в то же время поддаются нездоровой атмосфере, царящей в лирике. Риффы зацикливаются, отказываются развиваться, чтобы лишний раз не напоминать об основных альбомах группы. В самые тревожные моменты гитаристы отбрасывают структурность в сторону, чтобы вылить немного размытого, приглушённого флуда. Ударные соло Ларса Ульриха на этом альбоме – сильнейший акцентный, выразительный инструмент. В нужные моменты именно барабаны будут поддерживать слушателя, чтобы он не остался один на один с непрофессионально произнесённой отвратительностью, наполняющей текст. Учитывая устоявшиеся исполнительские привычки музыкантов, ими была проделана неплохая (но отнюдь не похвальная) работа по созданию уникальной картины. Старания и увлечённость определённо слышатся. Единственное, что останавливает от непредвзятой оценки музыкальной составляющей – это наследие прошлых работ. Остаётся непонятным, зачем членам группы необходимо было упоминания Metallica в авторстве релиза. Можно было оставить имена музыкантов – этого было бы достаточно для того, чтобы оставить ещё один след.

Но насчёт музыки можно не думать, при прослушивании “Lulu”. На самом деле про неё и невозможно думать. Словоизвлечение Лу Рида перекрывает всё хорошее, что можно услышать на этой работе. Но всё должно быть иначе! При прослушивании чего-то сконцентрированного на словах, интонациях, манере и харизматичности вы можете забыть о музыке ввиду её фоновой функции. Она может потеряться в силе голоса. В случае с “Lulu” слушатель скорее захочет выкинуть здешние монологи и оставить только одинокий инструментал даже если он проходной.

Теперь можно переходить к той вещи, из-за которой этот альбом необходимо прятать от морально неокрепших детей, беременных женщин и вообще ото обывателей. Самый главный элемент релиза – повествование. Взятая за основу трагедия-дилогия Ф. Ведекинда о падшей девушке Лулу и её нездоровом понимании любви и счастья должна была, в претенциозном переосмыслении Рида, вывести исполнителей в сферу музыки как искусства из сферы исключительного интертейнмента. В своё время дилогия немецкого поэта наделала определённого шума и стала причиной скандалов. Сначала в форме текста и потом в виде многочисленных постановок. Но даже там не было столько грязи, сколько появилось в ходе интерпретаций Рида. О перечисляемых в лирике мерзостях нет смысла говорить, потому что они существуют только как шок-контент, который, к слову, работает не так хорошо, как их аудиальное воспроизведение. Лу Рид в “Lulu” продемонстрировал немыслимую бесталанность, невыразительность и невнятность.

Как можно было не попасть в эмоцию, написанную тобой в тексте? Как можно так неумело делать вид, что ты поёшь, в то время, как у тебя действительно есть индивидуальные (хоть и не идеальные) вокальные данные и огромный опыт? Напускная сила и напор почему-то обернулись безразличием. Иначе как разочарованием работу Рида назвать нельзя. Разочарует она, в первую очередь, из-за того, что Лу позволял себе эксперименты и до 2011 года и в предшествующих случаях получалось намного лучше. И spoken word, ведь, тоже уже был! Выразительный, живописный и изобретательный “The Raven”, основанный на трудах Эдгара Аллана По. На момент написания этого предложения я послушал “Lulu” уже 9 раз (мне нужна помощь) и успел сложить мнение, почему я не могу сказать ничего положительного об исполнении Рида на этой пластинке. На тот момент у него могло не быть необходимой энергии и мотивации для записи на должном уровне. В год написания альбома у него уже были серьёзные проблемы со здоровьем. Идею “Lulu” музыкант вынашивал уже достаточно долго к тому времени. Потом началось долгое обсуждение проекта с членами Metallica в течение двух лет. Плюс год написания материала. На это нужно слишком много сил и времени. У Рида не было ни того ни другого. Может не стоило записывать “Lulu”? Превозмогание и спешка – не лучшие инструменты для создания качественного продукта.  Как считали сами музыканты – стоило.

В ответах на многочисленную критику создатели “Lulu” говорили о том, что этот альбом был записан для них, а не для нас. Так оно и есть. Metallica единственный раз за свою карьеру поучаствовали в настоящем эксперименте, а Лу Рид воплотил в жизнь свою давнюю мечту – закрыл гештальт, так сказать. Не сделай они этого в 2011-ом – не сделали бы никогда. Значит им не стоило его выпускать. Нет возможности послушать – нет негативной критики и разочарования. Так?

Не так. Самые главные проблемы этого альбома даже не зависят от его качества. Они не зависят от музыки, таланта и подачи. Это позиционирование, промоутинг и способ потребления этой работы. Это не альбом для масс. Обычный слушатель или фанат исполнителей отсеялся уже к третьему треку, если верить статистике прослушиваний. В рекламной компании не было ни слова о том, чем на деле является альбом. Единственный вышедший сингл даже нельзя назвать показательным. “Lulu” был выпущен в стандартн(ом/ой) формате/последовательности: Обложка; Тизер; Сингл; Тексты на сайте; Релиз. Но слушать его как обычную пластинку попросту невозможно. Он не переваривается. Другого традиционного формата не было и нет до сих пор. Мы можем привести пару примеров эксклюзивных демонстраций альбомов перед выпуском или совмещения плейлиста релизов с модными показами или выставками произведений искусств. Но самостоятельно музыка перестала быть произведением, для которого необходимо готовится. Кажется, для подобных работ необходим новый подход к потреблению аудиального искусства. Такой подход, который избавит некоторые современные музыкальные произведения от необходимости их оформления в стандартных системах оценивания и приведёт некоторые, нуждающиеся в этом, работы к былой уникальной позиции искусства с присущей ей готовностью к безжалостной критике и пытливым поиском вещей внутри.

Руководствуясь правилом “критикуешь – предлагай”, я нашёл один из таких способов потребления. Не надо выпускать альбом на физических носителях и в стриминге. Не надо рекламировать его для всех. Нужен большой павильон, состоящий из нескольких залов. Первый отведён под подготовку к прослушиванию. Второй раскрывает историю, референсы, отсылки, ограниченные факты о произведении и т.д. Третий – для прослушивания треков с комментариями от авторов. Подобные мероприятия, пожалуй, будут недоступны для всех и каждого. Покупая билет на презентацию такого вида, вы будете готовы к потреблению чего-то индивидуального и временного. Это освобождает музыкальное произведение от ненужных сравнений, категоризации и необходимости в общепринятом поэтапном оценивании. Даже негативные эмоции от итогового результата, в таком случае, не отменят ощущение событийности всего мероприятия и общего, полученного от презентации, опыта. Призываю вас к мысленному изобретению других способов потребления!

В конце рецензий принято выставлять оценку. Некоторые издания и независимые музыкальные журналисты оценили “Lulu” в 1/10 – редчайшая минимальная оценка. Мой вердикт в знак протеста против универсальности систем оценивания:

ОЦЕНКА: NIHIL/10

Рецензия: Leprous «Aphelion» (2021)

Вышедший в 2013 году “Coal” ознаменовал новую эпоху в жанре прогрессивного метала/рока. Он с первого прослушивания влюбил меня в Leprous. И, если верить оценкам и критикам, влюбил в группу всех любителей подобной музыки. Почему? Leprous смогли своим творчеством воздвигнуть торжественный монумент, захватывающий дух, транслирующий безутешную тоску и чувство плодотворного одиночества. Группа создала новую атмосферу/динамику с помощью проверенных временем средств.

Это очень интересный альбом. Если мы попытаемся проследить, как норвежцы дошли до подобного звучания, нам будет недостаточно исходных данных. Их релизы до 2013 – совсем другая история, без предпосылок к “Coal”.

А сейчас мы говорим о новой работе – свежем “Aphelion”. И его звучание – это результат долгой метаморфозы длиной в три промежуточных альбома.

На “The Congregation” появился упор на изломанные риффы и интересные электронные и ударные ритмы. Это был звёздный альбом для барабанщика Баарда Костальда.

На “Malina” был сделан упор на альтернативную хитовость звучания, и важнейшей частью становилась виолончель в исполнении Рафаэля Вайнрот-Брауна. Она встречалась нечасто, но именно её вы запомните. Этот релиз внутри себя закончил одну эру творчества Leprous и начал новую.

“Pitfalls” же был полностью сконцентрирован на вокале Эйнара Сольдберга, что позволило группе уйти в сторону арт-попа и арт-рока с использованием минимального инструментария звукоизвлечения для улучшения концентрации внимания и усиления саспенса.

Есть две вещи, которые со времён “Coal” не поменялись: первое – искренняя эмоциональность, артистичное напряжение в звучании инструментов и вокала; второе – каждую новую работу сложно воспринимать с наскока, потому что вы как слушатель уже полюбили предыдущее звучание Leprous.

“Aphelion” в этом смысле не исключение. Но вобрав в себя все особенности предыдущих релизов, этот альбом стал особенным. Вместо фокусировки внимания на отдельных частях, как это было на предыдущих релизах, он охватывает всё и сразу. Хитовые, отдающие мейнстрим-джазом, босса-нова и соулом, припевы – на месте. Цепляющие клавишные с гулким басом – здесь. Нашлось место и тяжелым гитарам, и джазовым ударным. Вокал уже не ищет путей самовыражения, как это было, скажем, на “Malina”. Напротив – на “Aphelion” Эйнар точно знает, что и как он хочет продемонстрировать.

С другой стороны, новая форма, которую приняли Leprous в последние три-четыре года, может стать препятствием для фанатов, полюбивших группу за первые альбомы. Поп-ориентированное звучание настораживает даже тех, кто привык оправдывать музыкантов за каждое принятое ими решение.

Даже меня оттолкнули некоторые моменты. Тому пример, простецкое вступление к “Out of Here” или заезженные обороты «together forever» в и так пустоватой лирике “Have You Ever?”. “All the Moments” до первого припева обладает совершенно непонятным, нелепым характером. Но зато после катарсиса в середине этот трек может стать самым запоминающимся впечатлением с пластинки. Этот самый «катарсис» (пик, накал, саспенс) и является отличительной особенностью “Aphelion”. Каждая композиция в какой-то момент вызывает мурашки и восхищение. Как только с вами произойдёт что-то подобное, та же “Have You Ever?” будет заслушена до дыр (тише, сейчас такой момент будет). Весь мой скепсис (вызванный совершенно разными по энергетике синглами) в отношении этого альбома растворился уже спустя пять минут, проведённых вместе с “Aphelion”.  То ли я не могу судить Leprous объективно, то ли они совершили очередное чудо.

Одним из важнейших моментов с релиза становится развязка в виде завершающего “Nighttime Disguise”, записанного при участии слушателей во время онлайн-трансляции. Он объединил в себе как новое, аккуратно-артистичное звучание, так и фанфарность, присущую группе на этапе “The Congregation” и “Coal”. Джаз и ярко выраженные гитары. Неочевидная структура и совершенно последовательная динамика. Тенор и сырой экстрим. Эйнар даже продемонстрировал пару строчек бархатным басом (этого хочется побольше на следующих релизах). Такое завершение очень важно, потому что оно даёт понять, что группа не перечеркнула прошлое. Именно так нужно относится к переменам. Leprous никогда не останавливают медленно текущую метаморфозу.

“Aphelion” не является лучшим в дискографии группы. Эта пластинка, в первую очередь, является показателем мастерства музыкантов, которое постоянно выходит за рамки предыдущих релизов. Единственное, чего у Leprous не получилось в этот раз – скрепить весь материал во что-то монолитное. Именно поэтому вам не может понравиться радикально всё, что услышите. “Castaway Angels” не должна была войти в альбом. “Nighttime Disguise” – сильнейший трек с альбома. Он завершает его, и как ни странно, несильно похож на всё предшествующее. Этот альбом скорее звучит, как компиляция синглов, выходивших в течении нескольких лет. Возможно, причиной этому стало то, что группа решила записывать композиции на нескольких студиях (на всех, с которыми они работали в течении 10 лет). Другой причиной может являться постоянный творческий поиск, в котором находятся норвежцы. Несмотря на это, “Aphelion” – это самый эмоциональный и красивый прог-рок альбом года. Он дарит уникальные эмоции и обеспечивает «вау-эффект», который посещает любителей жанра всё реже и реже в последнее время. Не пропустите.

ОЦЕНКА: 8/10

Рецензия: Between The Buried And Me «Colors II» (2021)

Зачем выпускать продолжение альбома, который вышел 14 лет назад? На самом деле ответ есть. Вышедший в 2007 году “Colors” вдохновляет. Он в своё время стал по-настоящему прорывным для группы. Именно на этом альбоме появились все присущие Between The Buried And Me черты: организованные массивы из протяжённых чрезмерно сложных риффов; похвальная комбинация из чистого и экстремального вокала; прог-роковые клавишные; частые вкрапления авангардных мультижанровых интерлюдий и сторителлинг через лирику. Ничего за прошедшие с тех пор 14 лет не изменилось. Кажется, что и сама группа это понимает.

Теперь, если вы хотите узнать полную историю о городе (человечестве), поглощающем красочный окружающий и внутренний мир, вам придётся послушать целых два альбома общей продолжительностью более двух часов. “Colors II”, как ни странно, просто необходимо слушать неотрывно от первой части. Сиквел начинается там-же, где всё и закончилось. Во время рефлексии на тему связи музыканта и слушателя (производителя и потребителя). Хочется отдать группе должное – они ловко ухватили настроение приквела. Разрыва не ощущается.

Для тех, кто пришёл сюда не за повествованием, а за разрывом мягких поверхностей лица от непростительно сбивающего с ног звука, есть чем себя побаловать на этом альбоме. Как и всегда, вы даже не успеете понять, что происходит. В музыке BTBAM настолько много деталей, что иногда начинает рябить. Хоровое пение, синтезатор, сэмплы мультипликационной буффонады, шумы, крики, болтовня в баре. Это всё идёт параллельно с нескончаемым режущим потоком гитарного гения и ударной самоотдачи. Ничего. Нового.

Даже недостатки остаются прежними. Группе не удаётся создавать разнящуюся из альбома в альбом атмосферу. Она же должна зависеть от содержания. Но из-за огромного количества контрастирующих между собой отрезков, картинка, зачастую, рисуется невнятная. Но качество от этого не страдает.

В этом заключается душная правда о всём, что команда выпускает в последнее время. Это слишком хорошо. Это всегда было слишком хорошо. Between The Buried And Me достигли такого уровня уже в 2007 году и постепенно применяли его к разным сторонам своего творчества. На таком уровне ничего не остаётся, кроме как искать вдохновение, придумывать истории и способы их рассказать. Иногда получается посвежее, как “Coma Ecliptic”. А иногда затхло и беспорядочно, как в случае с дилогией “Automata”.

Так зачем выпускать продолжение альбома, который вышел 14 лет назад? Ответ заключается в поиске вдохновения. В первой части “Colors” было достаточно исходных данных для написания продолжения. BTBAM в 2020 году даже выпустили переиздание самой значимой своей пластинки. Группе хватило только вспомнить об их magnum opus, чтобы увеличить его вдвое. Не думаю, что в 2007 году планировался сиквел. Но есть основания резюмировать, что он удался.

Остаётся вопрос: “зачем вам это слушать?” Группа себя не переплюнула. И я не думаю, что она это сделает без значительных фундаментальных изменений своего творчества (это и не нужно). Что более важно – их тоже никто не переплюнул. Ни вдохновляющиеся ими Ghost Iris, ни фанатеющие от них Destrage (и та, и другая ушли уже куда-то совсем не туда), ни кто-либо ещё. Именно поэтому нельзя упускать возможности прикоснуться к уникальному всеуничтожающему прекрасному.

ОЦЕНКА: 8/10

Рецензия: iglooghost «Lei Line Eon» / «Lei Disk「Radio•Broadcast」» (2021)

То, что сделал Iglooghost (Шеймус Мэллиаг) в этом году заслуживает широкой огласки и большего внимания со стороны музыкального сообщества. Полноформатник “Lei Line Eon” и микстейп с закосом под radio broadcast неотделимы друг от друга. Они также неотделимы от инстаграм-аккаунта Шеймуса, его YouTube-канала и сайта leimusic.xyz. И являют собой единое художественное целое, поэтому эта рецензия посвящена всему вышеперечисленному.

С выходом “Lei Line Eon” iglooghost изменил свой подход к составлению композиций и лору своих минивселенных. К каждому прошлому альбому или EP он прикладывал сопроводительный текст – методичку понимания событий, описываемых через музыку. И подобные тексты, чаще всего, лучше музыки складывали в мозгу слушателя картинку. Потому что ни на ранних “Clear Tamei/Steel Mogu”, ни на более поздних “Neo Wax Bloom” или GLOO-коллаборационного “XYZ” не было, на самом деле, никаких связующих деталей, кроме описываемых в текстах богоподобных миниатюрных существ и их злоключений.

“Lei Line Eon” часто стремиться к распаду из-за огромного количества деталей: хрустящих глитчей, механических лязгов, целого оркестра голосов (шёпот Шеймуса, ласковый вой BABii, детский хор), резиновых синтов и каучукового, видоизменяемого баса. Но все составляющие крепко соединены стеклянной нитью нескончаемого contemporary jazz скрипичного соло. Когда осознаёшь эту особенность впервые, понимаешь, что именно эта деталь наконец-то сделала музыку iglooghost живой. Раньше тоже встречались живые инструменты, но только в виде коротких сэмплов. Они были инородны.

Сопроводительный текст теперь занимает целый сайт leimusic.xyz. Он обозначает в себе конец описываемых ранее событий. Теперь это история. Фольклор нового альтернативного мира. Текст (его очень много), по большей части, придерживается (псевдо)научно-популярного стиля и описывает работу, исследования и открытия Института Глифов. Основные результаты работы института – опознавание, категоризация и описание призываемых с помощью музыки Lei (научный термин) эфирных существ, которые формируются, собственно, из звуковых колебаний.

А мы с вами имеем возможность, получается, послушать эту самую Lei-музыку. Ощутить эти колебания. Почувствовать дыхание аудиофильных существ. Почти физически осязать их случайные прикосновения. При первом прослушивании, уже можно ощутить всё это на себе. Текст необязателен. Но его влияние в этом случае, выступает триггером для новых эмоций и трактовок.

Но и этого было недостаточно для полного контакта с параллельной вселенной. Так мы получили “Lei Line Eon”. То, с какой аккуратностью Шеймус облачил микстейп демозаписей в сценарий радиоэфира, по-хорошему восторгает и умиляет. Между треками во время монологов, диалога с приглашённым гостем из Института Глифов и ответа на сообщение слушательницы, идёт заглушённая музыкальная тема. Все голоса вплетены в музыкальное полотно, чтобы не прерывать динамику релиза. Треки из него – это либо ранее невыпущенные записи, либо ранние версии треков “Lei Line Eon”. Их невыпущенность, незавершённость, неудовлетворительность комментируется диктором. Я бы слушал подобное радио каждую среду вечером вместо научпоп-подкастов.

iglooghost в 2021 году, наверно, единственный, кто полностью абстрагируется в своём творческом амплуа от настоящей действительности, важных и неважных событий, общественной истерии, трендов и тревог. Он заменяет нашу реальность на альтернативную. Посетите его аккаунт в Instagram – мелькающая там мастерская не существует. Вещи, о которых он говорит – нереальны. События – недействительны. Его современное искусство – это кокон иррационального. Но все иррациональные явления в мире Lei-музыки имеют настолько живые и естественные описания, что на них не хочется ставить клеймо выдумки.

Я был бы готов поставить “Lei Line Eon” высшую оценку, но в этой работе есть один (довольно значительный) минус – слишком высокий уровень вхождения. Мало кто готов прочитать тонны текста, чтобы воспринимать альбом иначе. Мало кто проследит зарождение Lei-музыки на просторах интернета и найдёт все пасхалки. Мало кто прослушает весь радиоэфир без пауз и отвлечений. Но тот, кто пройдёт все вышеперечисленные этапы, сможет открыть новые способы потребления подобного мультиплатформенного искусства и откроет портал в альтернативную вселенную, где музыку можно оборачивать в форму.

ОЦЕНКА: 9/10

BADBADNOTGOOD предлагают сыграть их новый сингл

Канадское джаз-трио BADBADNOTGOOD начала подготовку к выпуску нового инструментального альбома под названием “Talk Memory”. Первый сингл “Signal From The Noise” должен выйти 16 июля, но группа предлагает всем желающим не ждать так долго, а сыграть его по нотам и отправить им видео.

Инструкцию для всех желающих они разместили в своём Instagram:

Также к выходу альбома они подготовили печатную серию под названием “The Memory Catalog”. Как говорит сама группа, она будет представлять из себя “визуальный язык альбома”. В первом выпуске будут погружение в контекст релиза, рассказ о процессе создания песен и коллабораторах, которые призваны глубже погрузить вас в контекст творчества команды. Также страницы формата A4 будут складываться в постер формата A1, на котором будет иллюстрация нот того самого сингла “Signal From The Noise”. Продаваться он будет в музыкальных магазинах Канады.

Пока ждём больше подробностей, можно посмотреть, как будет выглядеть выпуск:

BADBADNOTGOOD – канадская группа, появившаяся в результате джем-сейшнов друзей по колледжу в 2010 году. Они прославились тем, что делали джазовые кавер-версии и мэшапы треков известных хип-хоп, альтернативных и электронных исполнителей, например, Nas, Tyler, The Creator, Kanye West, My Bloody Valentine, Joy Division, Flying Lotus и других. Помимо этого они записывали свои песни и альбомы. В 2015 году они записали совместный релиз “Sour Soul” вместе с Ghostface Killah из Wu-Tang Clan.

Из последнего они отметились на вышедшем 9 июля дебютном альбоме нео-соул-певицы Шарлотт Дей Уилсон “ALPHA”. Композицию “I Can Only Whisper” можно послушать ниже:

Chelsea Wolfe спела на новом треке Michael Love Michael

Американский лейбл “Sargent House” выпустил коллаборацию квир-артиста Michael Love Michael и готической исполнительницы Челси Вулф. До начала музыкальной карьеры он был редактором PAPER Magazine, а также в качестве фриланс-журналиста сотрудничал с ELLE, them., NYLON и Interview Magazine.

Послушать атмосферную песню “Have” можно ниже, или там, где вам удобнее, по этой ссылке.

Напомним, что в этом году Челси Вулф уже порадовала поклонником коллаборацией с Эммой Рут Рандл под названием “Anhedonia” и треком “Diana”, записанным специально для саундтрека к комиксу DC “Dark Nights: Death Metal”.

10 недооценённых групп, вышедших из пост-хардкора 2000-х

В 2000-х годах пост-хардкор взял новый виток и начал уходить от своих жёстких канонов, активно прорываясь в мейнстрим. С тех самых пор споры вокруг того, что “тру”, а что не очень, не переставали угасать на многочисленных форумах и коммюнити. Именно в нулевых жанр успел подарить слушателям множество отличных команд, большинство из которых, правда, не были услышаны вполне заслуженно, так как просто попросту копировали какую-нибудь отдельно взятую группу.

Тем не менее, многие команды были сильно недооценены на фоне более успешных коллег. Некоторые просто не заморачивались с промо и не шли на компромиссы, кто-то – сильно опережал время, а некоторым не посчастливилось заиметь хороший лейбл, который бы заботился о их продвижении в массы.

Так сложилось, что все бэнды отсюда, кроме двух, американские. Все они, так или иначе, существуют по сей день. Эти группы вышли из пост-хардкор-сцены того времени (кто называет это “третьей волной”, хотя тут тоже многие спорят об этом до сих пор) и почти все они перестали играть жанр в чистом виде, основательно изменив курс своей музыки, поэтому не ждите от этой подборки истошных криков и ломаных брейкдаунов (хотя немного всё-таки будет) – я решил сосредоточиться именно на тех момента, где коллектив основательно поменялся.

Чаще всего, именно фактор смены курса их музыки называют в числе главных, когда обсуждают, почему эти команды не являются хедлайнерами фестивалей по всему миру или не собирают миллионы слушателей на Spotify (плейлист будет в конце).

Envy On The Coast

Интереснейший коллектив с Лонг-Айленда, который на ранних релизах явно вдохновлялся успехами Glassjaw и At The Drive-In, а позже ушёл в совсем другое русло. На их альбоме “Lowcountry” они добавили влияний южного рока, а главный сингл “Head First In The River” вообще звучит, как Incubus “на максималках”.

Странно, но почти сразу после этого группа развалилась, а собралась заново спустя 6 лет уже в формате дуэта (даром, что фронтмен Райан Хантер и гитарист Брайан Бирн – мультиинструменталисты). На их реюнион-релизе, мини-альбоме “Ritual”, они исполняли уже исключительно то, что им хотелось, а от того она полна атмосферным р’н’б и фанковыми грувами, залитыми в оболочку рок-песен для радио. В данной инкарнации Envy On The Coast больше напоминают D’Angelo, чем своих ранних героев.

Foxy Shazam

Многие из тех, кто понятия не имеют о музыкальном андеграунде, знают их Эрика Нэлли по сотрудничеству с рэпером Маклмором. Но начинали эксцентричный фронтмен и его группа с наполненного криками пост-хардкора, в котором уже на первом альбоме “The Flamingo Trigger” были интересные экспериментальные твисты в сторону того, во что впоследствии выльется их музыка.

А превратилась она к 2010 году в самый настоящий танцевальный глэм-рок, как будто специально созданный, чтобы большие арены впадали в экстаз. Основным референсом здесь выступают уже не The Fall Of Troy или The Blood Brothers, а Queen и The Darkness. Группа также распадалась на несколько лет, но в прошлом году вернулась с вполне неплохим лонгплеем “Burn”.

The Sleeping

Эта группа появилась в 2003 году на обломках пост-хардкор/металкор-коллектива Skycamefalling, почти сразу записала дебютник и отправилась в длительные туры, которые принесли им контракт с лейблом “Victory” и довольно неплохой коммерческий успех. Музыка команды постоянно обрастала новыми элементами: так у них можно услышать элементы радийной альтернативы, инди, поп-панка, эмо и даже пост-рока и прогрессива.

Скажем так: если вначале они напоминали популярнейших в то время Taking Back Sunday, то в конце пути были больше похожи на то, что вокалист Дуглас Робинсон будет исполнять после их распада в составе новой группы Night Verses. Кстати, в прошлом году они наметили реюнион-шоу, которые сорвались из-за пандемии, но оно должно состояться в декабре этого года.

The Receiving End Of Sirens

Ещё одна команда, планировавшая реюнион-тур на прошлый год, но так в него и не съездившая. Они собирались и разваливались несколько раз, по большей части, из-за желания Кейси Кресэнзо плотнее заниматься более успешными The Dear Hunter.

Тем не менее, команда со всего двумя полноформатными альбомами в активе сильно подстегнула движение по слиянию пост-хардкор и эмо-саунда с атмосферными элементами прогрессивного рока.

Idiot Pilot

Майкл Харрис и Даниэль Андерсон в 2019 году внезапно разморозили свой проект и выпустили новый альбом “Blue Blood”. Запись, конечно, была отличная, но все любят их за два первых лонпглея. Вышедший в 2005 году “Strange We Should Meet Here” (ремикс на один из треков с него делал Чино Морено из Deftones) сочетал в себе элементы пост-хардкора, альтернативы, инди и арт-рока, заправленных электроникой, временами уходившей в 8-битную, а появившийся двумя годами позже “Wolves” добавил в это уранение шугейз и пост-рок, зарядив и без того отличную музыку дуэта хитовым потенциалом, который вполне мог закинуть их куда-нибудь на саппорт к, например, Muse.

Стоит отметить, что “Wolves” они записывали с именитым продюсером Россом Робинсоном, а помогал им советами Марк Хоппус из blink-182. Барабаны записал Крис Пенни, который в то время как раз ушёл из The Dillinger Escape Plan и начал полноценно играть в Coheed And Cambria. Только на треке “Elephant” в качестве гостя появился Трэвис Баркер всё из тех же “блинков”.

Boys Night Out

Первая не американская группа в списке – интересный канадский коллектив, который пошёл на интересный ход, который помог им значительно расширить фанбазу и записать два очень неплохих эмо-панк-релиза во второй половине 00-х. Всё было просто: они взяли клавишницу/вокалистку Кару Дюпуи.

После дебютника “Make Yourself Sick”, хоть уже и содержавшего мелодичные элементы, альбом “Trainwreck” старые фэны восприняли, как предательство, но на коммерческом успехе это не сказалось. Вокалист Коннор Ловат-Фрейзер начал больше петь, чем скримить, а поп-рок и пауэрпоп-элементы позволили записи заполучить слушателей дальше круга любителей эмо и пост-хардкора. После последующего одноимённого альбома они распадутся и соберутся вновь в 2015, даже выпустив годом позже новый материал – мини-альбом “Black Dogs”.

The Ongoing Concept

Основанный в самом конце 00-х христианский коллектив из штата Айдахо – один из самых безумных в этом списке. Безумие здесь выражается в хорошем смысле, а именно – в интересном подходе к материалу. Начинали они вообще с транскора, позже стали играть что-то в духе The Fall Of Troy только с влияниями “южатины”, но к альбому “Handmade” разошлись настолько, что стали добавлять в свою музыку элементы хэви-метала, классического рок-н-ролла, соула, блюграсса, панка, блюза и даже фолк-панка. Фанаты letlive. могут гордиться такими преемниками.

Интересно, что все инструменты для этого релиза были действительно сделаны руками участников группы, они даже документировали этот процесс. После выпуска в 2017 году лонгплея “Places” они пропали с радаров, но мы ждём возвращения.

Closure In Moscow

Вторая не американская команда в подборке – австралийцы Closure In Moscow вот уже несколько лет мучают поклонников, не выпуская новый материал. К релизу второго альбома “Pink Lemonade” группа сделала прекрасный микс из прогрессивного рока, пост-хардкора, фанка, р’н’б и психоделии.

В целом они звучат, как вариация на тему “если бы музыканты Chiodos и Coheed And Cambria вместе играли кавер-версии The Mars Volta и King Crimson“.

Artifex Pereo

Команда из Луисвилла удачно сочетает в своей музыке воздушный пост-хардкор, мелодичный альтернативный рок и атмосферные прог-элементы. Их альбом 2014 года “Time In Place” даже попадал в чарты “Billboard”.

После этого был ещё релиз “Passengers”, но очень странно, что лейбл “Tooth & Nail Records” не сделал на них ставку. Группа вполне могла бы составить конкуренцию, например, Circa Survive.

Trophy Scars

Эта команда недавно сообщила о том, что в этом году после семилетнего перерыва выпустит новый альбом. Подробнее об этом здесь. Это не может не радовать, так как мужики вне всякого сомнения очень талантливы.

Они являются, пожалуй, самой недооценённой группой из списка, а заслуживают гораздо больше, так как в основе их музыки находиться надрывный блюз-рок, временами вспоминающий о своём прошлом, но чаще переходящий в психоделию, пост-панк, инди, прогрессив и даже барокко-поп. Тут больше вспоминаешь не о пост-хардкоре, а о Томе Уэйтсе или Нике Кейве.

Big Red Machine выпустили песню с Тейлор Свифт

Проект Big Red Machine, который собрали музыканты Джастин Вернон из Bon Iver и Аарон Десснер из The National, выпустил одну из двух коллабораций с известной поп-певицей Тейлор Свифт. Слушаем “Renegade” и смотрим видео прямо сейчас.

Напомним также, что Аарон Десснер был одним из продюсеров и фактически главным композитором и инструменталистом на прошлогодних альбомах Тейлор Свифт “folklore” и “evermore”, а Вернон поучаствовал в записи нескольких треков на обоих релизах.

Новый лонгплей дуэта “How Long Do You Think It’s Gonna Last?” выйдет 27 августа при поддержке лейблов “Jagjaguwar” и “37d03d”. Также для прослушивания доступно ещё два трека с пластинки – “Latter Days” и “The Ghost Of Cincinnati”.

Рецензия: Психея «Видения» (2021)

Один из самых ожидаемых альбомов российской альтернативной музыки наверняка вызовет у всех самые разные чувства. Психея – очень своеобразный коллектив, с большим багажом достижений и, вне всякого сомнения, они оказали огромное влияние на многие коллективов, в совершенно разных жанрах. Так что вне зависимости от того, кто и как относится к подобной музыке, данный релиз послушают почти все, кто хоть немного неравнодушен к сочетанию тяжёлых гитар с экспериментальной электроникой.

Конечно, хочется начать обзор с контекста. С момента выхода предыдущего альбома “ПесниТрущобНадеждыРазбитыхСердец часть 2 – Оттенки любви” прошло долгих семь лет и за это время в группе произошли изменение состава, а именно ритм-секции: на смену Слесарю и Славону пришли Алексей “Бамс” Васяев и Сергей Егоров, соответственно. За всё это время Психея выпустила пару синглов и кавер-версий, а эго-трип бессменного отца-основателя Дмитрия Порубова перешагнул все мыслимые и немыслимые пороги.

Не поймите это неправильно, Фео никогда не был милым парнем, который говорит то, что все хотят услышать. Просто за последнее десятилетие у него развилась такая острая форма ЧСВ, что он не отмечал отсутствие вкуса и мозгов только у себя самого и своего ближайшего окружения, попутно обвиняя все возможные группы в тотальной коммерциализации и плагиате.

Ну да ладно. В одном я с ним согласен: он имеет право говорить о ком угодно, что угодно, ведь мы, как слушатели, тоже не всегда даём адекватную обратную связь. Правильно же? Да, конечно. Но и мы тоже можем давать конструктивные комментарии его работам и бан в своих аккаунтах всех людей с неугодным ему мнением с последующим “поливом” последними словами – это вряд ли показатель того, что ты делаешь что-то правильно. Как говорится, “ваша музыка внезапно может кому-то не нравиться, ведь вам также не нравится чья-то”.

И вот наступил момент, когда после множества часов трансляций в Instagram было объявлено о выходе альбома, я после всех этих громких слов и по прошествии стольких лет ждал даже не просто альбома, а настоящего откровения. Релиза, после которого все должны будут признать, что Дмитрий Борисович был прав и все мы ничего не смыслим в том, как делать музыку, как она должна звучать и так далее. Получилось у него это, или нет – мнений на этот счёт очень много, но я выбираю второй вариант. Послушав альбом много раз и на разных источниках, попытаюсь суммировать всё, что мне приходило в голову.

Первое, что слышно сразу – это отвратительное для такого большого коллектива качество. Возможно, это замысел группы, ведь писался лонгплей на плёнку. Проблема в том, что даже при таком способе документирования музыки уже давно придумали нормальный вариант сведения и мастеринга. В экспериментальной музыке хорошее звучание вообще важно, потому что иначе ты просто не расслышишь нюансов, которые автор вкладывал. Психея как раз любит многослойность, да и со звуком со времён “Каждую секунду пространства” у них проблем не было и переслушивая старые альбомы ты мог открывать для себя какие-то новые моменты даже спустя десяток леток. Здесь же вся эта детализации просто тонет в потоке инструментов, то и дело перебивающих друг друга, что не даёт никакой возможности оценить игру Бамса и Егорова. Это вдвойне странно, если учитывать, что мастерингом занимался американец Тэд Йенсен, работавший со множеством артистов мировой величины и уже сотрудничавший с группой на нескольких прошлых релизах.

Второе – естественно, сам материал. Я не припомню такого лютого сонграйтинга у Фео и компании со времён их демо-альбома “ССОК”, записанного в Кургане ещё в 1998 году. Такое ощущение, что команда собрала все наработки и решила склеить их в треки. В некоторых песнях отсутствуют даже намёки на нормальные переходы между частями композиции. Во всех треках неоправданно завышенный хронометраж, при том, что зачастую там нет сколь-нибудь интересного развития. Электроника в большинстве моментов просто раздражает и вставлена, кажется, просто потому что у Психеи есть Аз, который за неё отвечает. Причём, иногда она просто возникает из ниоткуда и тебе просто приходиться гадать, зачем в этом моменте был тот или иной громкий звук. Выход на паре треков диджея Жени с отличными скретчами не спасает ситуацию, да и, в целом, его впервые с одноимённика 2004 года так мало.

Даже скрипка в “Небесах” и “Матрёшке” как будто записана откуда извне и высоко поднята в миксе, что, наверное, к лучшему, учитывая, что на её фоне. В треке “1 Х 1” мне послышался рифф, который бы подошёл для альбома Deftones “Koi No Yokan”, но вокальные партии поверх не дали его распробовать как следует, а в конце песни идёт небольшой кусок с экстрим-вокалом, достойным создания из него аудиомема. В “Рокнролъ это всерьёз” есть гость и постоянный коллаборатор Лёха Никонов из ПТВП, но звучит он на своей части так, будто не слышал материал, когда записывал свою часть, а потом его туда вклеили. Ощущение, что эти песни писались не несколько лет, а на ходу в студии без всякой подготовки. В целом, конечно, есть крупицы интересных музыкальных решений, но всё, что их окружает не вызывает желания в этом разбираться.

Про тексты и вокал Порубова многие спорили с самых первых успехов группы, но мне она всегда очень нравилась и заставляла подумать, что он хотел донести или сказать в определённый момент времени. Начинается альбом с интерлюдии со следующими словами: “Жизнь затянула свою петлю / Убью не убью, Люблю не люблю / Ночь опустила свою вуаль / Тоска не тоска, печаль не печаль”, а уже упоминавшая “1 Х 1” стартует с вот такого “Мои дружки уезжали в Европу / Потрошить толстосумов и их шлюх”. Большинство песен так просто звучат как сборник фраз: “Вырвись из себя / Психоделия / Вырази себя / Познай себя / Без истерии / Обуздай себя”. Похоже на какую-то плакатную лирику, прикрытую званием “высоким искусством для понимающих”. Кстати, это частая претензия самого автора к коллегам по музыкальному цеху. На этом, пожалуй, закончу об этом. Может кому-то близка подобная поэзия, но мне совсем нет.

Сам голос Дмитрия Борисовича звучит так, будто вырезан с его сольных акустических выступлений: временами через край эмоционально, временами напоминая о старых-добрых временах, но чаще просто неуверенно и блекло. Даже если не сравнивать его с прошлыми лонгплеями, то кажется, что это исполняет вокалист, для которого это первая запись, а не музыкант с 25-летним студийным и сценическим стажем.

Вывод: я считаю, что, как и любая группа с огромной историей за плечами, Психея заслуживает прослушивания и кредибилити. Так что ознакомьтесь с “Видениями”, если ещё нет, и расскажите своё мнение в комментариях.

Я же считаю, что любые знаки внимания нужно подкреплять не только резонансными и очень спорными заявлениями, но и делами в виде действительно сильных композиций, которые заставят разинуть рот и молодёжь, и олдов. А пока что есть первый лонгплей культовой для сцены и долгое время любимой для меня группы Психеи, который я больше не буду переслушивать.

ОЦЕНКА: 3/10

Слушать: Links

Умер барабанщик Hum Брайан Сент Пере

И снова грустные новости: в США умер барабанщик Брайан Сент Пере. Ему было 52 года. Причина смерти не названа. Наиболее всего музыкант был известен по участию во влиятельной спейс-рок/пост-хардкор-группе Hum, которая в прошлом году выпустила первый за 22 года лонгплей “Inlet”.

Брайан играл абсолютно на всех записях группы. По легенде, музыканты пригласили его, когда в 1990 году услышали, как из окна дома кто-то играет на барабанах поверх альбомах прог-рок-легенд Rush (их драммер Нил Пирт, который был кумиром Сент Пере, умер в январе прошлого года).

Также Брайан играл в составах Amblare, Steakdaddy Six и Castor.