Рецензия: Whitechapel «Kin» (2021)

“Kin” является прямым продолжением альбома “The Valley”, который, в своё время обозначил новую стадию развития группы и новый вектор их движения. Все слова, которые подходили для описания “The Valley” будут уместны и здесь. Whitechapel пробуют себя на территории концептуального прог-метала и при этом воплощают идеи бессменного вокалиста Фила Боузмана об осознании и осмыслении своего детства и полученных в то время психологических травм.

Можно смело утверждать, что “Kin” не развивает идеи своего предшественника, но качественно использует их для продолжения рассказа. Музыкально всё осталось на своих местах. Дэткор основа, элементы хард-роковых баллад и капля заимствований у прог-метал коллективов (например очевидная попытка создания отсылки к Tool ближе к концу “Lost Boy”). Изменения заметны разве что в общем восприятии альбома. В отличие от “The Valley” все эмоциональные, композиционные и жанровые переходы выглядят более логично и профессионально. “Kin” звучит намного увереннее.

Проблема последней пары релизов Whitechapel заключается в том, что в них нет ничего примечательного, кроме историй в них рассказанных. И “The Valley” и “Kin” выигрывают у прошлого творчества группы разнообразием и насыщенной фактурностью. Но это нельзя считать плюсом, потому что значительных качественных изменений в сонграйтинге и композиторских способностях группы не случилось. Для показательной прогрессии звучания Whitechapel (умело) заимствуют удачные элементы у других исполнителей и из других жанров. Но всегда у разных. Это мешает воспринимать альбом как единое целое. Если бы мне пришлось ставить оценку только за звучание – я бы не задумываясь влепил сухое 4/10 и посоветовал не задерживать ваше внимание на этом лонгплее. 

Но та искренность и самоотдача, которую Боузман вложил в этот релиз, не дают слушать его с безразличием. Фил – отличный вокалист, которому нужен простор для воплощения своего таланта. Так вышло, что в концентрации на своей биографии он смог почувствовать необходимую свободу для развития чистого вокала, что здесь оправдано концептуальным твистом. Если на “The Valley” фронтмен повествует о смерти своей матери, страдающей от множественных ментальных болезней, и мучителя-отчима, то на “Kin” он взялся за осознание самого себя после этих событий. Он расколол свою личность и создал себе оппозитное альтер-эго чтобы можно было построить с ним эмоциональные дебаты. Это, само собой, необходимо продемонстрировать через театральный контраст. С этим Боузман отлично справился.

Сейчас мы можем наблюдать полную фокусировку Whitechapel на личности своего фронтмена. Естественно это не кажется неправильным решением, но в отличии от других подобных случаев, концентрация происходит не на выдающейся харизме вокалиста а на его истерзанном внутреннем мире. Выходит, почва и правда плодородная, раз группа решила задержаться на стадии сублимации и рефлексии Фила ещё на один альбом. Но как долго Whitechapel готовы жертвовать целостностью всех музыкальных комплектующих в угоду терапевтического анализа через их нынешнее творчество – вопрос важный.

“Kin” – музыкально-плоский и лирически-глубокий релиз. Если вам всё ещё интересен духовный путь Боузмана, то плюсы этого альбома будут перевешивать. В ином случае, если вы хотите услышать продуманный, цельный и энергичный материал, то “Kin” может заинтересовать вас ровно на одно (возможно фоновое) прослушивание. Ждём от Whitechapel работы, в которой все элементы будут равнозначно-важными, а пока:

ОЦЕНКА: 6/10

Рецензия: Vildhjarta «måsstaden under vatten» (2021)

Можно не обращать внимания на проходной EP “Thousands Of Evils” вышедший в 2013 году. Именно “проходной”, потому что материал на нём проигрывал дебютному полноформатнику по всем показателям и был скорее сборником демо-записей и этюдов-упражнений. В таком случае мы ждали полноценного релиза Vildhjarta почти 10 лет. И это абсолютно того стоило.

Феномен Vildhjarta заключается в том, что, появившись из ниоткуда в 2011 году, они показали иной подход к звукоизвлечению и композиторству в тяжёлой музыке. В “måsstaden” естественно слышалось влияние Meshuggah и актуальных для того времени трендов прог-металкора. Но как они использовали доступный инструментарий! Главная черта, которая до сих пор отличает группу от остальных жанровых исполнителей – непредсказуемость и неочевидность их музыкальных ходов. Концентрация “вау-моментов” в рамках отдельных треков у них зашкаливала. Казалось, что им физически приходится удерживать и усмирять безумный поток музыкальности с помощью ритм-секции и шаманского экстремального вокала. Они создали мемичный поджанр thall (естественно, такого жанра не существует, но одно это слово дает яркое представление о том роде музыкальной прогрессивности, которое предстоит услышать) и заморозили своё творчество.

По сути, Vildhjarta поставила тогда стеклянные стены инкубатора для десятков групп и исполнителей (включая сайд-проекты самих участников), которые пытались переварить полученный опыт и выдать слушателям что-то, что, если не переплюнет, то, как минимум, повторит успех и значимость “måsstaden”. В начале этого года был шикарный “Valde” от Humanity’s Last Breath, которому в самом деле удалось затмить успехи всех остальных “вдохновившихся”. И тут инкубатор плотно накрывают крышкой под названием “måsstaden under vatten” и выкачивают воздух.

Сиквел “Города Чаек” переосмысливает/развивает идеи и атмосферу первой части. В этом смысле центральный трек “måsstadens nationalsång (under vatten)” отлично демонстрирует концептуальные и музыкальные изменения. Шведы научились обманывать способность слушателя предугадывать развитие композиции. Таким образом, даже знакомые риффы из “måsstaden” здесь глушатся потоком вариаций и тревожным непостоянством. Обман ожиданий кроется даже в самом названии, где приписка (under vatten) для всех может означать лишь перезаписанную (переосмысленную) интерлюдию из дебютника. На самом деле, этот трек – рефлексия по поводу первой части, в которой все значимые и характеризующие моменты “måsstaden” будут уничтожены и утоплены в потоке необходимых изменений. 

Удивительно, как группе удалось изменить почти все составляющие своего творчества и при этом не потерять идентификационных особенностей. Группа решилась на серьёзный шаг – альбом записан полностью на родном для них, шведском языке. И это совершенно оправданно, потому что именно так Vildhjarta звучит максимально уверенно и аутентично. Мешает ли это слушать альбом? Нет. Даже наоборот – “måsstaden under vatten” кажется наполненным народным колоритом, отчего слушать его в разы интереснее, чем дебютник (хоть и сложнее). При этом на нём нет народной мелодики и традиционных инструментов. 

Атмосферу, наполняющую “måsstaden under vatten” можно назвать тревожной. Даже моменты, когда вам дают отдохнуть от общей напряженной, первобытной агрессии каждый раз неожиданно разлетаются на осколки, будто по щелчку пальцев. Но кое-что мешает постоянно концентрироваться на происходящем в альбоме – это его продолжительность. Альбом отлично связан, поэтому он воспринимается как единое полотно, протяженностью почти в полтора часа. За это время можно посмотреть средний полнометражный фильм. Мало кто готов за один раз прослушать сиквел “måsstaden” целиком. Но этому альбому такой подход просто необходим. Для того, чтобы полностью переварить альбом необходимо пережить  отличное вступление “lavender haze”, дойти до цепляющих “brännmärkt”  и “vagabond”, пройти через неоднозначную пару из “sunset sunrise” и  “sunset sunrise sunset sunrise” и добраться до эпика “paaradiso” за одно прослушивание. 

Vildhjarta на данном этапе является той группой, которая может позволить себе выпустить огромный, концептуальный и требовательный альбом и быть уверенными в его успехе. Всё в нём полностью оправдывает долгое затишье и объективно превосходит все ожидания. Но самое важное в этом релизе – само культурное явление. Оно выражается в следующих тезисах:

Мы имеем право называть Vildhjarta молодой группой, ведь у них всего два полноценных альбома. Но группе уже больше десяти лет. 

Их второй альбом выходит в году, который уже подарил нам огромное количество чрезвычайно сильных релизов и его тут-же зачисляют в номинанты на альбом года. Но его физически сложно слушать и переваривать.

За всё это время появилось огромное количество прог-метал групп, которые пытались повторить их уникальное звучание и некоторые из них достигли определенных успехов. Но мы до сих пор не можем в полной мере охарактеризовать то звучание, которое очень ярко ассоциируется нами со словом THALL.

Кажется, дебютник сразу же придал группе культовый статус. Теперь его сиквел подтверждает это звание. 

Оценка: 10/10

Рецензия: Knocked Loose «A Tear In The Fabric Of Life» (EP) (2021)

14 октября без особых анонсов (за исключением загадочных артов в инстаграм-аккаунтах) команда из Кентукки выпустила новый мини-альбом. Несмотря на молодой возраст участников (всем примерно по 25 лет) за довольно короткий срок Knocked Loose стали очень популярной группой на металкор и хардкор сценах, благодаря активной концертной деятельности и, конечно же, виральности их клипов и треков “Billy No Mates”, “Counting Worms” и “Deadringer” из их дебютника “Laugh Tracks”. Во многом заслуга лежит на высоком скриме фронтмена Брайана Гарриса, который в то время, кажется, не обсуждал только ленивый. Тем не менее, вскоре все обратили внимание на то, что вокал отлично ложится на инструментальную часть, а группа настолько прокачалась, что в их туры на саппорт с удовольствием подключались такие мастодонты, как The Acacia Strain и Terror, а уже со второго альбома “A Different Shade Of Blue” парни дали понять, что они не очередная хардкор-группа одного альбома, которая сгинет также быстро, как появилась.

Пандемия коронавируса внесла свои коррективы в большие тур-планы и ребята решили воспользоваться этим, засев в лесном домике и написав свою первую концептуальную запись, рассказывающую историю парня, который попал в автокатастрофу вместе со своей девушкой. Он остался жив, а девушка погибла и все шесть треков релиза повествуют о об этой потере и тяжести горя, которое он переживает. Для вдохновения лирики и музыки команда в течении 15 дней нахождения в доме смотрела минимум по два хоррор-фильма в день и без остановки накидывала идеи для музыки, пока Гаррис писал тексты, связывая их в одну законченную историю. Все эти вводные (хижина в лесу, фильмы ужасов и общий концепт потери близкого), само собой, нашли отражение и в музыке, переполненной здесь постоянным чувством тревоги и того, что у этой истории не будет хэппи-энда. Ну а про потрясающую анимационную короткометражку со всеми треками записи и говорить не стоит – лучше один раз увидеть, как говорится.

Релиз стартует с сэмплов записей новостей, которые идут в комнате главного героя, после чего тут же расходиться в лучших традициях группы: жирные риффы, буквально выплёвывающий слова вокал, раскачивающая ритм-секция. В принципе, на этом можно было бы закончить обзор, если бы Knocked Loose не были той командой, которая делает всё тоже самое, но всегда немного по-другому. В данном случае, хочется отметить теперь уже явно слышное влияние дэткора, отчего часть материала звучит, как микс из Emmure и Suicide Silence образца их ранних релизов, выпущенных в 00-х, только спетых с истеричным надрывом Джейкоба Бэннона из Converge и с явным поклоном в сторону андеграундных металкор-команд 90-х.  Если вам такие сравнения кажутся странными, то просто попробуйте накидать себе плейлист из мини-альбома, разбавляя его треками из лонгплеев “Goodbye To The Gallows”, “No Time To Bleed” и “No Heroes” – сразу всё поймёте.

Поскольку релиз довольно цельный, то и выделять из него какие-то отдельные песни не кажется необходимым. Разве что можно  отметить “God Knows” с секретным гостем в лице фронтмена portrayal of guilt Мэтта Кинга и наполненный какой-то потусторонней мощью “Forced To Stay”, который вполне может претендовать на звание лучшего металкор-бэнгера последних лет.

Хочется отметить, что тяжёлые группы в последнее время явно чувствуют себя более уверенно в рамках небольших записей, что позволяет им и поэкспериментировать, и сконцентрироваться на небольшом наборе песен, обходясь без филлеров. Для примера достаточно вспомнить роскошный релиз The Acacia Strain “It Comes In Waves”. В итоге парням из Knocked Loose хочется пожелать писать такие же крышесносные лонгплеи, а релизу поставить…

ОЦЕНКА: 9/10

Рецензия: Trivium «In The Court Of The Dragon» (2021)

Думаю, все согласятся с тем, что юбилейный, десятый альбом Trivium должен был получиться особенным. Особенным не в смысле “отличающимся”, а в смысле “значимым”. Будет слишком эмоционально с моей стороны, но во время прослушивания “In The Court Of The Dragon” с моего лица не сходила улыбка. Они опять это сделали. После четырёх неудачных альбомов у них получилось сделать определенные выводы и снова вернуться к качеству уровня “Shogun” или “In Waves”. 

Чтобы понять всю значимость новинки, необходимо выделить всю череду безуспешных попыток группы сначала найти новый путь и потом вернуться на единственный верный. 

Всё началось в 2013-ом году вместе с выходом “Vengeance Falls”, записанного под присмотром вокалиста Disturbed Дэвида Дреймана в роли продюссера. По сути Дэвид попытался облачить музыку Trivium в знакомую ему пачку. С привычными для него мелодикой и напыщенностью. Уже во время объявления о подобном сотрудничестве было понятно, что мы получим что-то странное. Так и вышло. Опыт Дреймана негативно повлиял на конечный вариант “Vengeance Falls”. Эта работа была абсолютно проходной, скучной и невыразительной. Вокал выражал неуместную уже упоминавшуюся напыщенность с легко-уловимыми мотивами Disturbed. Инструментал потерял в изобретательности и не представлял никакого интереса. Со всем уважением к Дрейману, думаю, он не до конца понимал, что делает с группой.

После этой неудачи группа решила искать себя в хэви-метале. Вокалист Мэтт Хифи говорил о том, что группа хочет на новом релизе сделать упор на вокале, освободив для этого инструментал. “Silence In The Snow” стал хорошим экспериментом для группы, но не очень хорошим альбомом. От начала до конца сырой и пустой. Группе не хватило композиторского опыта, для того, чтобы сделать материал объемным и интересным в условиях концентрации на вокальных данных Хифи. Главной чертой Trivium всегда была необычная и мощная синергия между всеми членами группы. Для того, чтобы понять эту особенность, им пришлось сначала вообще отказаться от своей идентичности на “Vengeance Falls” и потом попытаться сфокусировать своё внимание на одной детали забыв об остальном на “Silence In The Snow”. Эти два альбома в разы важнее в плане развития музыкантов, чем последующие “The Sin And The Sentence” и “What The Dead Men Say”. 

На последней паре Trivium пытались вновь пересобрать своё творчество и результат их стараний в случае каждого из них можно считать похвальным, но не цепляющим. Каждый из них – сильный, напористый и абсолютно бездушный. Они сделаны как-будто по методичке, сформулированной ещё во время написания “The Crusade”. Делаем тяжело. Делаем риффы. Делаем соло. Делаем концепт. Главное – галочка, стоящая напротив каждого пункта. 

Слушатели позитивно оценили вектор движения группы, но хвалили релизы исключительно за отдельные треки и даже за отдельные моменты. Всем было ясно, что фанатам нужен полноценный, продуманный, техничный и эмоциональный альбом. Таким и стал юбилейный “In The Court Of The Dragon”. Настоящий подарок для всех, кто любит Trivium образца 2005-2011 годов.

Это всегда слышно, когда группа любит написанный ими материал. Каждый рифф здесь хочется сыграть самостоятельно. Вокал выразителен во всех своих проявлениях и даёт ощутить необходимые для погружения эмоции. Барабанщику Алексу Бенту, который не так давно присоединился к коллективу, дали показать свой талант во всей красе, и даже доверили полноценное соло. Ещё одна радость – бас Паоло Греголетто, долгое время перебиваемый остальными инструментами, а теперь вновь вернувшийся во всём объёме и значимости.

“ITCOTD” не скрывает своей схожести с лучшими работами группы. Здесь и фазовое развитие треков из “Shogun”, и агрессия “Ascendancy” и “The Crusade”, и дорогой, красивый продакшн “In Waves”. Прослушивание юбилейной пластинки может вызвать эмоции, похожие на возвращение домой. При этом “ITCOTD” всё ещё может звучать свежо и не перебарщивать с повторением прошлых заслуг группы. Этот альбом не хочется ругать за вторичность и не всегда уместные композиторские решения, ведь он выполняет свою основную функцию – он даёт праздничную возможность вспомнить причины, по которой можно влюбиться в Trivium. Кажется, что музыканты переслушали свои лучшие пластинки и приняли волевое решение: “Так не может больше продолжаться. Мы возвращаемся”. И они всё ещё достойны.

ОЦЕНКА: 8/10

Рецензия: Frontierer «Oxidized» (2021)

Давайте дружно признаем, что в жанре маткора давно не происходит никакого движения. Например, вышедший в марте LP “Mirrors” от Pupil Slicer был сильным, напористым и будоражил кровь, но все уникальные наработки группы иссякают к середине альбома. Большинство из слушателей не вспомнит о нём спустя год. Причина кроется в том, что его можно только ностальгически сравнивать с группами, которые заложили основы жанра на границе девяностых и двухтысячных. Их вы и переслушиваете и будете к ним возвращаться ещё на протяжении долгих лет. Надо что-то менять.

Frontierer одни из немногих, кто смог запомниться с первого альбома. “Orange Mathematics”, как и последующий “Unloved”, в уместной мере эксплуатировал впечатляющие идеи The Tony Danza Tapdance Extravaganza, возводил их безумие в абсолют и при этом имел узнаваемые отличительные черты (зубодробительную ритм-секцию и утопленный в шуме вокал). Но про эти работы нельзя сказать, что они обязаны остаться в истории. Посмотрим, изменилась ли ситуация с выходом “Oxidized”.

Как и в случае с предыдущими альбомами стоит понимать, что Frontierer создают экстремальное шумовое шоу, к которому можно быть не готовым. И это вопрос не ваших музыкальных предпочтений, а выносливости ушей и мозга. Прослушать “Oxidized” от начала до конца за один раз — настоящее испытание. Далее следует перечень того, через что вам придётся пройти, если вы примете в этом участие: бесконечный хаотичный грохот; скачкообразная динамика с резкими спусками и скоростными подъемами; упорный, неизменный и, к сожалению, не особо изобретательный вокал (который в этот раз слышно немного лучше); умело вплетённые глитчи и прогрессивная электроника.

Последнее стало новшеством для Frontierer. Эти элементы встречались и раньше, но гораздо реже. Очевидно, что группа решилась на такие эксперименты для внесения разнообразия в звучание. Эксперимент можно считать удачным. Раньше я бы сказал, что они подражают и пытаются строить своё творчество только на наших ностальгических чувствах. Релиз “Oxidized” полностью изменил моё мнение о коллективе. Да, в их музыке есть черты Car Bomb и упоминавшихся уже TTDTE, но эти элементы слышатся теперь совершенно иначе из-за их синтетики и бесчеловечности. Нечеловеческий — вот каким слышится весь новый альбом. Он безжалостно кипятит мозг и при этом наполнен осязаемой, колкой атмосферой. Наконец-то я могу сказать, что Frontierer можно узнать по звучанию!

Сравнение Frotierer со старшими по жанру никак не сказывается на оценке качества той работы, которую они проделали на “Oxidized”. Случилась странная ситуация, ведь в своей целостности и качестве новинка может дать фору даже “Mordial” от Car Bomb. На своём новом релизе они перепрыгнули всё, что делали раньше. Мало того — у группы на данный момент нет конкурентов, заслуживающих такого же внимания. “Oxidized” — точно не лучшее, что группа может написать. Но это лучшее, что можно услышать в маткоре образца 2021-го года.

ОЦЕНКА: 9/10

Рецензия: Lou Reed & Metallica «Lulu» (2011)

Есть мнение, что вещи могут восприниматься иначе спустя некоторое время. В музыкальной индустрии не принято пересматривать мнение о релизах. Особенно о худших альбомах исполнителей, признанных лучшими в своём ремесле. Совместная работа Metallica и основателя The Velvet Underground – “Lulu” – всеми забытая неудача. Этот альбом не включён в официальные дискографии музыкантов. Складывается ощущение, что “Lulu” решили вычеркнуть из истории. Мне видится в этом некоторая закономерность и несправедливость. Кто сказал, что неудачи надо замалчивать? Из ошибок нужно делать выводы. Поэтому давайте разбираться.

Перед чтением предлагаю ознакомиться с некоторыми рецензиям “Lulu”:

Pitchfork | BBC | Anthony Fantano | The Guardian | The Wire

На агрегаторе Metacritic красуется оценка 45/100. Мнения об альбоме варьировались от уничтожительных и снисходительных до умеренно-положительных и восторженных (я нашёл одно – в нём фанат поставил виртуальный экран в своей голове, который изолировал всё, за что отвечал Лу Рид). Такой разброс говорит нам о неопределённом положении “Lulu”. Усреднённая оценка в этом случае не может говорить о среднем качестве продукта. Всё-таки альбом получился слишком незаурядным и нестандартным для его сравнения с чем-либо ещё. Об этой позиции говорит и жанровая принадлежность альбома – авангардный метал. Такую характеристику придумал не Лу Рид и не члены треш-метал группы. Этот ярлык повесили озадаченные критики и ошеломлённые слушатели.

А что такое авангардный метал? Это и некоторые альбомы Джона Зорна и тяготеющие к эстетике дарк кабаре проекты Тодда Смита и сумасбродные карикатурные работы Майка Паттона, наполненные буффонадой и оккультизмом. Можно сказать, что авангард-метал – это всё, что не подпадает под другие жанровые категории. Иными словами, “Lulu” – не тот случай. Сейчас я готов отнести неопознанное творение к spoken word, если вспомнить, чем изначально является этот жанр, а именно – художественной декламацией – зачитыванием художественного текста под любой аккомпанемент. Слово “любой” исключает собой наши представления о правильных и неправильных (ожидаемых и неожиданных) аранжировках в этой форме. Это исключение подтверждает недавний релиз фронтмена Daughters Алексиса Маршалла – “House Of Lull . House Of When”, в котором аккомпанементом выступает, по большей части, упорядоченный шум. С этого момента мы можем забыть о том, кто занимался музыкальной составляющей “Lulu” и что она из себя представляет.

Забыть – не означает обесценить. Гитары Хэтфилда и Хэмметта легко узнаются и в то же время поддаются нездоровой атмосфере, царящей в лирике. Риффы зацикливаются, отказываются развиваться, чтобы лишний раз не напоминать об основных альбомах группы. В самые тревожные моменты гитаристы отбрасывают структурность в сторону, чтобы вылить немного размытого, приглушённого флуда. Ударные соло Ларса Ульриха на этом альбоме – сильнейший акцентный, выразительный инструмент. В нужные моменты именно барабаны будут поддерживать слушателя, чтобы он не остался один на один с непрофессионально произнесённой отвратительностью, наполняющей текст. Учитывая устоявшиеся исполнительские привычки музыкантов, ими была проделана неплохая (но отнюдь не похвальная) работа по созданию уникальной картины. Старания и увлечённость определённо слышатся. Единственное, что останавливает от непредвзятой оценки музыкальной составляющей – это наследие прошлых работ. Остаётся непонятным, зачем членам группы необходимо было упоминания Metallica в авторстве релиза. Можно было оставить имена музыкантов – этого было бы достаточно для того, чтобы оставить ещё один след.

Но насчёт музыки можно не думать, при прослушивании “Lulu”. На самом деле про неё и невозможно думать. Словоизвлечение Лу Рида перекрывает всё хорошее, что можно услышать на этой работе. Но всё должно быть иначе! При прослушивании чего-то сконцентрированного на словах, интонациях, манере и харизматичности вы можете забыть о музыке ввиду её фоновой функции. Она может потеряться в силе голоса. В случае с “Lulu” слушатель скорее захочет выкинуть здешние монологи и оставить только одинокий инструментал даже если он проходной.

Теперь можно переходить к той вещи, из-за которой этот альбом необходимо прятать от морально неокрепших детей, беременных женщин и вообще ото обывателей. Самый главный элемент релиза – повествование. Взятая за основу трагедия-дилогия Ф. Ведекинда о падшей девушке Лулу и её нездоровом понимании любви и счастья должна была, в претенциозном переосмыслении Рида, вывести исполнителей в сферу музыки как искусства из сферы исключительного интертейнмента. В своё время дилогия немецкого поэта наделала определённого шума и стала причиной скандалов. Сначала в форме текста и потом в виде многочисленных постановок. Но даже там не было столько грязи, сколько появилось в ходе интерпретаций Рида. О перечисляемых в лирике мерзостях нет смысла говорить, потому что они существуют только как шок-контент, который, к слову, работает не так хорошо, как их аудиальное воспроизведение. Лу Рид в “Lulu” продемонстрировал немыслимую бесталанность, невыразительность и невнятность.

Как можно было не попасть в эмоцию, написанную тобой в тексте? Как можно так неумело делать вид, что ты поёшь, в то время, как у тебя действительно есть индивидуальные (хоть и не идеальные) вокальные данные и огромный опыт? Напускная сила и напор почему-то обернулись безразличием. Иначе как разочарованием работу Рида назвать нельзя. Разочарует она, в первую очередь, из-за того, что Лу позволял себе эксперименты и до 2011 года и в предшествующих случаях получалось намного лучше. И spoken word, ведь, тоже уже был! Выразительный, живописный и изобретательный “The Raven”, основанный на трудах Эдгара Аллана По. На момент написания этого предложения я послушал “Lulu” уже 9 раз (мне нужна помощь) и успел сложить мнение, почему я не могу сказать ничего положительного об исполнении Рида на этой пластинке. На тот момент у него могло не быть необходимой энергии и мотивации для записи на должном уровне. В год написания альбома у него уже были серьёзные проблемы со здоровьем. Идею “Lulu” музыкант вынашивал уже достаточно долго к тому времени. Потом началось долгое обсуждение проекта с членами Metallica в течение двух лет. Плюс год написания материала. На это нужно слишком много сил и времени. У Рида не было ни того ни другого. Может не стоило записывать “Lulu”? Превозмогание и спешка – не лучшие инструменты для создания качественного продукта.  Как считали сами музыканты – стоило.

В ответах на многочисленную критику создатели “Lulu” говорили о том, что этот альбом был записан для них, а не для нас. Так оно и есть. Metallica единственный раз за свою карьеру поучаствовали в настоящем эксперименте, а Лу Рид воплотил в жизнь свою давнюю мечту – закрыл гештальт, так сказать. Не сделай они этого в 2011-ом – не сделали бы никогда. Значит им не стоило его выпускать. Нет возможности послушать – нет негативной критики и разочарования. Так?

Не так. Самые главные проблемы этого альбома даже не зависят от его качества. Они не зависят от музыки, таланта и подачи. Это позиционирование, промоутинг и способ потребления этой работы. Это не альбом для масс. Обычный слушатель или фанат исполнителей отсеялся уже к третьему треку, если верить статистике прослушиваний. В рекламной компании не было ни слова о том, чем на деле является альбом. Единственный вышедший сингл даже нельзя назвать показательным. “Lulu” был выпущен в стандартн(ом/ой) формате/последовательности: Обложка; Тизер; Сингл; Тексты на сайте; Релиз. Но слушать его как обычную пластинку попросту невозможно. Он не переваривается. Другого традиционного формата не было и нет до сих пор. Мы можем привести пару примеров эксклюзивных демонстраций альбомов перед выпуском или совмещения плейлиста релизов с модными показами или выставками произведений искусств. Но самостоятельно музыка перестала быть произведением, для которого необходимо готовится. Кажется, для подобных работ необходим новый подход к потреблению аудиального искусства. Такой подход, который избавит некоторые современные музыкальные произведения от необходимости их оформления в стандартных системах оценивания и приведёт некоторые, нуждающиеся в этом, работы к былой уникальной позиции искусства с присущей ей готовностью к безжалостной критике и пытливым поиском вещей внутри.

Руководствуясь правилом “критикуешь – предлагай”, я нашёл один из таких способов потребления. Не надо выпускать альбом на физических носителях и в стриминге. Не надо рекламировать его для всех. Нужен большой павильон, состоящий из нескольких залов. Первый отведён под подготовку к прослушиванию. Второй раскрывает историю, референсы, отсылки, ограниченные факты о произведении и т.д. Третий – для прослушивания треков с комментариями от авторов. Подобные мероприятия, пожалуй, будут недоступны для всех и каждого. Покупая билет на презентацию такого вида, вы будете готовы к потреблению чего-то индивидуального и временного. Это освобождает музыкальное произведение от ненужных сравнений, категоризации и необходимости в общепринятом поэтапном оценивании. Даже негативные эмоции от итогового результата, в таком случае, не отменят ощущение событийности всего мероприятия и общего, полученного от презентации, опыта. Призываю вас к мысленному изобретению других способов потребления!

В конце рецензий принято выставлять оценку. Некоторые издания и независимые музыкальные журналисты оценили “Lulu” в 1/10 – редчайшая минимальная оценка. Мой вердикт в знак протеста против универсальности систем оценивания:

ОЦЕНКА: NIHIL/10

Рецензия: Spiritbox «Eternal Blue» (2021)

Ни слова о завышенных ожиданиях. Наши ожидания всегда от чего-то зависят. Они всегда именно на том уровне, который установил производитель. Думаю, не стоит объяснять, почему ожидания от первого полноформатника были чрезмерно высокими. Вдаваться в подробности творческого пути Кортни ЛаПланте и Майка Стрингера тоже будет лишним. Всё-таки “Eternal Blue” – не дебютный релиз группы из Ванкувера. Сразу стоит заметить, что долгожданная новинка Spiritbox сильно отличается от одноимённого EP.

Хочется сразу забежать немного вперёд и сказать, что формулу написания музыки, сформировавшуюся в группе за прошедшие четыре года, можно смело назвать “показательной” и даже “примерной” для других представителей жанра. Вместо того, чтобы (как на дебютном EP) пытаться качественно аккумулировать все возможные ходы других успешных, легко узнаваемых коллективов, можно деконструировать жанр прогрессивного металкора последних десяти лет, выявить только основу, сцедить эмоционально заряженный сок, выкинуть перегруженный деталями жмых, а полученный результат переложить на современные музыкальные традиции (тенденции). Остаётся только немного разогреть.

Интерес слушателей подогревали с каждым новым синглом в течение двух лет. На самый накал ожиданий пришлось душераздирающее видео на трек “Constance”. Именно тогда необходимость скорейшего релиза “Eternal Blue” стала очевидна, кажется, даже незнакомым с прошлым творчеством Кортни и Майка слушателям. Нас ждали не только безумные качество и техника. Самое главное – это те впечатления, которые вы получите от прослушивания. “Eternal Blue” – это эмоциональные качели, которые курсируют между обречённостью и ожесточением. В этом группа достигла определённого баланса: агрессивная тяжесть сменяется поп-альтернативой мелодичностью и наоборот.

Результат долгой работы Spiritbox сейчас называют шедевром и претендентом на альбом года. Дождались. Но так ли “Eternal Blue” восторгает на самом деле? Главное, что необходимо указать: группа не сделала ничего нового. Мало того, иногда начинается казаться, что в вокале и ритм-секции можно услышать влияние альтернативного рока нулевых (Evanescence я слышу отчётливо). Это скорее положительный момент, потому что эстетику, подобную той, мы сейчас встречаем очень редко. В лирике сплошь зияет уже привычная для жанра неизобретательность и абстрактность. Всё, что есть на этом альбоме, напоминает что-то другое. Здесь нет риффового индустриально-сумасбродного шума последних работ Northlane. Эмоциональность не пробивает болевой порог, как это было с последними альбомами Silent Planet. В описании “Eternal Blue” нет деталей, которые можно презентовать как отличительные особенности.

Всё вышеперечисленное не делает альбом хуже или лучше, чем он мог бы быть. “Eternal Blue” – это действительно лучший жанровый альбом года. Spiritbox не переизобрели основы, но продуманно использовали весь доступный инструментарий и современные тренды для создания крепкой, эмоциональной работы. В прогрессивном металкоре наблюдаются застой и огромное количество неудачных идей. Всё, что сейчас нужно, чтобы создать идеальный метал-альбом – это записать сбалансированную, качественную и наполненную пластинку. И сделали это именно Spiritbox. А от меня:

ОЦЕНКА: 7/10

Рецензия: Trophy Scars «Astral Pariah» (2021)

Колоритная группа из Морристауна никогда не была особо популярна. Блюз, тяжёлые гитары, пропитая хрипотца и повествование от лица несчастных маргиналов. Это будет интересно только тем, кто готов воспринимать неоднозначную подачу, неидеальное звучание и неприятные сюжеты без того, чтобы вешать на музыкантов ярлык “неприемлемо”.  В России такую нишу занимают Бранимир, Аффинаж и их сайд-проект – Быдлоцыкл, всевозможные постбарды, погрязшие в “чернухе” рэперы и независимые рок-музыканты, которых слишком долго перечислять. Кто-то из них вдохновляется фольклорными сюжетами, кто-то нищенской действительностью, а кто-то славянской мифологией. Говоря короче – в богатой культуре нашей родины достаточно много тёмных пятен, чтобы из них создавать продукт. Если вы знакомы с подобными исполнителями, то точно поймёте, чем именно занимаются Trophy Scars в рамках культуры своей страны.

“Astral Pariah” переносит слушателя в одно из самых тёмных времён и локаций в истории Соединённых Штатов – на Старый Запад. Это с первых минут сказывается на звучании альбома. Привычными локациями на предыдущих релизах группы были современные трущобы, грязные бары с не менее грязными задними дворами и заброшенные дома, в которых обосновались бездомные. Теперь мы можем услышать салунные скрипки и пианино, а к блюз-пост-хардкор основе примешались дарк кабаре и аутло-кантри.

По первым впечатлениям это естественно впечатляет.  От здешнего не вылизанного звука отдаёт тюремным этапом в творчестве Джонни Кэша и вестернами категории “B”. Но, в это же время, на поверхность всплывает главный минус “Astral Pariah” – провисающий, несбалансированный мастеринг. Чистый вокал иногда глушится стеной инструментала. Булькающий харш неразборчив. Соло-гитара, выдающая тягучий блюз почему-то стоит в стороне вместе с клавишными. Основной мотив перебивает интересные аранжировки. Одним словом – грязь.

Это слово характеризует и лирику “Astral Pariah”. Альбом повествует о жизни одной семьи в те суровые времена. 12 детей, мать и отец. Отец решил вырезать весь свой род. Мать видит надежду только в постепенно погибающих детях. Сыновья должны доказывать, что они мужчины (так, как это видит отец). Дочь слишком рано становится женщиной. Смерть, выживание, страх, кровосмешение и безумие. Этот релиз точно не подойдёт для обряда музыкального эскапизма. Джерри Джонс точно знает, как красиво описать ужасное. Именно поэтому не сразу хочешь верить в заложенную историю.

Вообще говоря, подобные релизы в частности и творчество “тёмных” исполнителей, подобных Trophy Scars, в целом рассчитаны на определённую, подготовленную аудиторию. Неуютная атмосфера, непрофессиональное звучание и пугающая подача – вот что может оттолкнуть нового слушателя. Но есть одно «но». Подобным группам не очень нужен новый слушатель. Они не гонятся за качеством в угоду масс. Не думаю, что доведётся написать о прошлогоднем альбоме Льва Печеньева, но он ярко олицетворяет то, что я хочу сказать. Отвратная лирика, аффективная музыка и гнилой внутренний мир, от которого хочется держаться подальше. Включите его “эстету” и вас заклеймят мусорщиком. Но подобная музыка может и должна выворачивать душу наизнанку как хороший триллер, как фильмы Фон Триера и Быкова. Я считаю, что правильно будет оценить “Astral Pariah” исходя из этого.

И здесь стоит сказать о том неудовлетворяющем контрасте, который поселился на пластинке. Музыка не передаёт то, что творится в тексте. Джерри Джонс отыгрывает желтоглазое, пьяное безумие на все сто баллов в то время, как в инструментальной составляющей происходит штамповка культурных аудио-клише. Здесь только не хватает задорного банджо с криком Вильгельма. Мешает ли это проникаться трагичной историей описанной семьи? Да, однозначно. Временами на альбоме можно услышать правильное совмещение музыки и текста (“Astral Pariah”, “Father (Part II)”, “Cosmic Suicide”), но слишком редко для такого короткого альбома. Итог: не поймите неправильно, но после “Astral Pariah” недостаточно больно. Не хватает накала.

ОЦЕНКА: 6/10

Рецензия: Turnstile «GLOW ON» (2021)

Думаю, обзор долгожданного нового альбома Turnstile нужно начать с небольшой предыстории. Группа появилась в начале прошлого десятилетия, как сайд-проект барабанщика влиятельной хардкор-команды Trapped Under Ice Брендана Йетса. TUI тогда хоть ещё и были активны, но уже не так, как того бы хотелось некоторым участникам, так что именно в то время они стали заниматься сторонними проектами. Так что поначалу “Турникет” были просто творческой отдушиной Брендана, который внезапно оказался крутым фронтменом и сонграйтером, и состоял из его друзей из локальных команд разного уровня известности (Франц, например, вообще не умел играть на басу, когда его пригласили в состав). Первые записи команды отдавали дань уважения NY-хардкору и кроссовер-трэшу и были довольно угловатыми, но нескончаемая харизма и бешеная концертная энергетика парней сделали им имя и заслуженных поклонников.

Но вместо того, чтобы идти проторенной дорожкой “уважаемой хардкор-команды” они уже на дебютнике “Nonstop Feeling” начали экспериментировать со звуком, добавив элементы ранних рэп-рока и фанк-метала, вызывая ассоциации с ранними релизами Red Hot Chili Peppers и 311, а где-то даже засталяя вспонить про энергетику молодых Beastie Boys. Правда позже оказалось, что самое интересное было впереди. Вышедший в начале 2018 года “Time & Space” впустил в ДНК группы альт-метал, психоделию, гранж и даже стадионный рок. Так зачем слушать этот замес из жанров, можете подумать вы?

Ответ прост: “GLOW ON” – это хардкор-панк для всей семьи. Я не шучу и кривлю душой. Я даже слушал альбом со своим 9-летним сыном, чтобы проверить это утверждение, и он сказал, что ему нравится. В этом и есть главная прелесть данной записи. Она подойдёт как искушённым поклонникам жанра, так и тем, кто не имеет к нему вообще никакого отношения. После релиза было очень много отзывов о том, что люди оценили группу именно после него и этому вы можете верить на сто процентов. Ну и, конечно, промокампания к релизу заслуживает внимания. За два месяца до релиза вышла ипишка “LOVE CONNECTION”, к которой Брендан срежиссировал короткометражку/клип, в которой можно было послушать все четыре трека вместе со стильным визуалом. Два альбомных сингла были также поданы с клипами, но, даже несмотря на всё это, было сложно представить, что всех ждёт на альбоме.

Ждало, надо сказать, даже больше, чем мы все мечтали получить. Третий альбом Turnstile – это путешествие, в котором даже не хочется выделять отдельные песни, настолько увлекательно и цельно он звучит. В этом, во многом, заслуга креативного сонграйтинга, который сохраняя во главе дух того самого NY-хардкора добавляет в него всего понемногу. Если всё же попытаться описать референсы, то вы можете представить себе, как звучал бы совместный альбом Leeway, Quicksand, Snapcase и Jane’s Addiction. Последние – вообще самое очевидное сравнение для этого альбома, так именно их рукам в конце 80-х/начале 90-х принадлежало сращивание тяжёлых гитарных риффов с атмосферой психоделического рока и прочих диких штук, не ложащихся в привычные каноны.

Уже после открывающего альбом арена-альт-рока “MYSTERY” вас вряд ли отпустит хоть на секунду и следующие полчаса вы будете получать истинное удовольствие от прослушивания. Подпоёте простому хуку в прямолинейном “HOLIDAY”, качнётесь под сумасшедшие перкуссии в психоделическом панк-бэнгере “BLACKOUT”, удивитесь безумному сочетанию жанров в “NEW HEART DESIGN”. В конце концов, порадуетесь внезапным коллабам с артистом Blood Orange – “ALIEN LOVE CALL” целиком отдан под лощёный звук 80-х, балансируя где-то между нежнейшим р’н’б и софт-роком.

Повторюсь, то, как они работают со стилями – самое интересное, потому что положить под хардкор-грувы зажигательные латинские ритмы, залить это всё реверберацией и спеть при этом чистым вокалом запоминающийся хук – ну знаете… такое не каждый вывезет. В рамках прослушивания вы поймаете себя на мысли, что слышите что-то от пост-панка, шугейза и даже дрим-попа. Вне всякого сомнения, большую заслугу в том, как всё это звучит вместе имеет Майк Элизондо. Будучи заслуженным поп- и рэп-продюсером он чётко знает, чем должен цеплять звук (хотя в его послужном списке, конечно же, есть и Mastodon и Muse). Его грамотный продакшн позволяет записи звучать максимально целенаправленно и не разваливаться на отдельные кусочки; оставаться тяжёлым альбомом, который, тем не менее, доступен буквально каждому.

Я не припомню ещё одного такого альбома в жанре, для которого не нужно никакой предварительной подготовки. Альбома, который дебютирует на 30 месте чарта “Billboard 200”, вытесняя рэперов и поп-музыкантов. Альбома, который приведёт в эту сцену новых слушателей и молодых ребят, которые потом соберут свои группы. Можно сколько угодно пытаться найти в нём минусы и вы их найдёте, но мне совсем не хочется, поэтому…

ОЦЕНКА: 10/10

Рецензия: Shining «IDGAF» (Single) (2021)

Не могу пройти мимо прямого заявления в мою сторону.

“IDGAF” – первый сингл с грядущего альбома норвежцев Shining. Он вышел пару месяцев назад в начале Июля. Вы могли и должны были его пропустить. Я тоже пропустил, но, по несчастливой случайности, наткнулся на него, пока объяснял другу кто такой Йорген Манкеби. Когда-то он был двинутым джаз-гением. Сейчас ему больше подойдёт звание неуместного шута.

После выхода в 2018 году невнятного “Animal” на группу вполне оправданно обрушился шквал критики. Помните “Darkjazz”? Помните “One One One”? Экспериментаторы делали действительно уникальный продукт. Теперь это альбомы из параллельной вселенной. Потому что в нашей реальности Shining играют посредственный альтернативный поп-рок с примитивной лирикой. Там не за что было зацепиться. Релиз терялся и продолжает теряться на фоне других подобных работ. Никакой полиритмии, безумия и саксофона. Да и чёрт бы с ними. Когда группы пробуют новое звучание – это хорошо. Если они делают это плохо – это, как ни странно, плохо.

Фанаты не поняли, что происходит и начали спрашивать у группы. Ответом стал относительно свежий сингл. “IDGAF” – пошлый плевок в сторону своего культурного следа и прежней аудитории. Унылая электроника на уровне “Gummibar”. Подростнический, нелепый максимализм и совершенное непонимание путей создания современного звучания.

“I Don`t Give a F*ck” – это всё, что может из себя выжать Shining образца 2021 года. Посмотрите вертикальное видео в поддержку сингла (прикладывать его не осмелюсь). Йорген не понимает, что делает. Так стыдно мне было, только когда я увидел клип Мацея Маленчука “VLADIMIR”. Но тогда было смешно. Сейчас – нет.

Манкеби о сингле: “Вся моя жизнь состояла в том, чтобы плевать на всё – или, по большей части, плевать на то, что другие люди думают, что я должен или не должен делать в музыкальном плане.”

В своё время хотелось думать, что “Animal” был небольшим отступлением. Теперь становится очевидно, что пути назад нет. Пора поблагодарить Shining из параллельной вселенной за “The Madness and the Damage Done”, “Fisheye” и “I Won`t Forget”. Этого мы не забудем. А одноимённую группу из нашей реальности очень хочется забыть. Как говорится, с нетерпением ждём следующий альбом.

ОЦЕНКА: 1/10